97/17(28/05/16) Obra Maestra del genial Orson Welles, uno de los grandes creadores del SXX, demostró en esta shakesperiana obra que ni todos los obstáculos del mundo pueden con él, de entre el caos que supuso la producción, bancarrota del productor, tres años de producción, varias paradas en el rodaje, siete directores de fotografía, y más dificultades no fueron suficientes para mermar la maestría del realizador de Wisconsin. Fue Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1952, no pudiendo estrenarse en USA hasta 1955, cuando encontró el paraguas de la distribución de la United Artists. Hay tres versiones de la película vista en salas de cine, dos supervisados por Orson Welles, y una restauración de 1992 bajo supervisión de su hija, Beatrice Welles (la que yo he visto), OW recortó metraje original, en principio eran tres horas, hasta poco más de 90 minutos. El film está bajo bandera marroquí, y es que OW no pudo encontrar a la película un distribuidor en USA durante más de tres años. Se basa el film en el homónimo clásico universal de William Shakespeare de 1603, adaptada a su vez de un libreto de una versión operística de 1883 de Arrigo Boito. Las dificultades estimularon la inspiración OW que dota a la cinta de una vibrante atmósfera opresiva, misterio y ensueño. Fueron 4 años caóticos de rodaje, y pese a las tensiones del rodaje, queda una magistral clase de cine de autor.

Es una obra que transpira cine, OW aprovechando en su goticismo ultraexpresionista cada escenario y cada toma para emitir sensaciones, sentimientos, tormentos, angustia, una ambientación memorable, donde la clásica tragedia de Shakespeare queda atomizada por la superlativa dirección, saca el jugo de cada lugar, de la luz, de las sombras, de las angulaciones, un prodigio creando atmósferas enrarecidas. La cinta en principio, como casi todas las adaptaciones de obras hiperconocidas, debe luchar contra lo previsible del relato, debe apostar sus bazas en otros recursos y a fe que OW sale victorioso creando cuadros en movimiento de una belleza superlativa, quedando como esas pinturas que por muy vistas que estén no te cansas de admirar, ello apoyado en unos actores en estado de gracia, que componen un universo de personajes matizados, con un protagonista poderoso, un villano exuberante (como todos los malvados creados por Shakespeare), y unos secundarios que aportan mucho vigor.

El guión es de los no acreditados OW y Jean Sacha, hacen una extraordinaria síntesis de la obra teatral, tratando con punzante hondura dramática de temas universales como los celos, la envidia, la ambición, la manipulación psicológica, las falsas apariencias, el amor puro, el sacrificio, sobre la pasión desmedida, aunando el exacerbado lirismo de las palabras del dramaturgo inglés con una escenografía sublime, todo encaminado a radiografiar con bisturí envenenado la ambigua Condición Humana, de cómo del amor se puede pasar al odio y de ahí a la locura, ello desarrollado de modo fluido y ágil, siendo el eje el modo en que el antagonista es capaz de ejercer un juego perverso sobre Othello, haciéndole arraigar sutilmente la llama tóxica de los celos, que poco a poco lo va carcomiendo, esto expresado visualmente de modo tremendo, acentuado por la meliflua voz en off que nos sumerge en la convulsa psique del protagonista.

La puesta en escena es un alarde de manejo extraordinario de los recursos de Orson Welles, de cómo el caos de producción fue capaz de ser coherente y sólida tras pasar por las manos del omnímodo director, con una labor grandiosa del director artístico Alexandre Trauner (“Rififi”), y del no acreditado Luigi Scaccianoce (“Edipo Rey”), haciendo cohesionado y creíble los escenarios, en el castillo de El Jadida (los bajos de la fortaleza), en Mogador, Safi, Magagan, Essaouira, estos lares en marruecos, en el palacio de los Papas (Viterbo), Lazio (Roma), en la Plaza San marcos (Venecia), en la toscana, todos estos sitios en Italia, recreando de modo sibarita la época, se suma el hermoso vestuario de vestuario Maria De Matteis (“Guerra y Paz” o “Barrabas”), una lección de cómo a través de las ropas expresar, y el milagro asimismo es que un film con varios directores de fotografía, GR Aldo (“Milagro en Milán”), Anchise Brizzi (“El limpiabotas”), George Fanto, Alberto Fusi, y Oberdan Troiani, en glorioso b/n sea tan pétreo y uniforme en su goticismo, sin duda gracias a las instrucciones del realizador, con la marca OW por todos lados, con su manejo punzante de la iluminación, creando tomas lúgubres, jugando con las sombras, con los reflejos, con los claroscuros, con la penumbra, con el vapor, maximizando de modo superlativo el expresionismo gótico, con planos holandeses que inquietan, con picados y contrapicados, con penetrantes primeros planos que extraen lo mejor de las interpretaciones. Reseñable es la música de Angelo Francesco Lavagnino (“Falstaff”) y Alberto Barberis, de resonancias sacras con trémulos sonidos de coros que atomizan la intensidad en momentos claves, aportando dramatismo, hondura, inquietud, y evocando solemnemente el tiempo de la acción.

Orson Welles encarna con un carisma arrollador a Othello, lo impregna de profundidad, de carácter, de un arco de desarrollo que nos cala emocionalmente, sentimos su descenso al averno, con un lenguaje gestual poderoso, con una mirada que te atraviesa, su fuerte carácter deja traslucir vulnerabilidad, ayudando la fotografía que conforme se hunde en las tinieblas de los celos, su imagen se va oscureciendo más y más, sobresaliente. Suzanne Cloutier como Desdémona resulta una presencia encantadora, enternecedora, sensible, transmitiendo una dulzura y fragilidad sublime, candor, inocencia belleza, su dolor se nos introduce en los huesos, parece flotar de modo etéreo por la pantalla, sobresaliente.... (sigue en spoiler)