12 de marzo de 2023 Sé el primero en valorar esta crítica
Lo único salvable es la genuina demostración del absurdo arte moderno... donde "Un bote vacío, situado sobre una alfombra enrollada se nos ofrece como la culminación de la expresión entre la vacuidad y una necesidad intrínseca, para personalizar elementos de coordinación inexplorada" ¿A que ha resultado chuli?

Pues exactamente igual es esta película donde aparecen en una sala de arte, pequeños montones de gravilla en el suelo a modo de montañitas... Lo que nos cuenta tiene un recorrido maravilloso para esas mentes de profunda intelectualidad, adoradoras del infinito despropósito.

No la entiendo, y espero no comprenderla... aunque no creo que vuelva a enfrentarme a ella.

Es como una pequeña muestra de colchas de ganchillo.

Me desconcierta un poco las buenas críticas y algunos premios que esta película tiene. Para mí, valorada con solamente un 3, puesto que dentro de los 15 o 20 minutos de inicio de película ya deja claro el concepto y mensaje de ésta. A partir de este momento uno ya desea que termine o cambie el ritmo, pero no, nos mantiene igual durante otros interminables 140 minutos. También se queda uno esperando, que clasificada como comedia, le vayan llegando los golpes cómicos, pero tampoco. Puede que sea por el tipo de humor que tengan en su país natal pero que a mi no me llegó. Se hace aburrida.

Una clave importante para interpretar este film es situarlo en el universo de Jacque Tati, a mi al menos me ha recordado mucho. El sonido, como en Tati, es fundamental y rellena muchos huecos en las escenas. Los gags también recuerdan el estilo, por ejemplo, la conversación que tiene con su amante -con un ruido de fondo de una escultura que se mueve- y la atenta observación de la conversación por parte de una bedel del museo, una escena delirante para recordar.

Sin embargo, a diferencia de Tati, el transfondo del film tiene mucha miga socio-política y nos enfrenta a cuestiones sin resolver de ámbito europeo como es la emigración, la pobreza, los límites de la libertad de expresión. También se aproxima al mundo del arte contemporáneo, haciéndonos reflexionar sobre el mísmo: "si pongo tu bolso en la exposición ¿se convierte en una obra de arte?"

Se agradece la originalidad de la película y su capacidad de hacernos reflexionar en unos cuantos asuntos de rabiosa actualidad, con cierto sentido del humor (bastante negro, tipo sueco). También es digno de analizarse la relación del protagonista, director artístico de un museo de arte contemporáneo, con su entorno, con la gente y con sus propias hijas.

Mi adorado y aún más idolatrado director austríaco Michael Haneke (ese que se especializó en incomodar al espectador y en meter el dedo en el ojo y removerlo hasta causar destrozo en la córnea de la hipócrita burguesía europea, civilizada por fuera pero salvaje y despiadada por dentro) ya ha sido capaz de crear una pléyade de dignos sucesores que han forjado a través de la influencia que irradia su nombre un estilo cinematográfico incómodo en sí mismo como seña de identidad, dando un lugar a un tipo de cine que amo, el que hace removerse inquieto al espectador en la butaca a través de una provocación malsana.

Entre ellos, es público y notorio que destaca con especial brillantez el sueco Ruben Östlund, que apuntaba maneras en “Fuerza mayor” como carta de presentación apabullante (esa disección de lo que le ocurre a una familia pija cuando, a partir de un siniestro inesperado, el padre abandona a mujer y vástagos a su suerte para salvar la vida), y que ha sublimado en “The Square”, pura provocación con la única misión de incomodar como el profeta Haneke nos enseñó a todos los que presumimos de ser sus discípulos.

Porque “The Square” no es una película, sino varias, o quizás ninguna. Es una suma concatenada de situaciones chocantes para que el espectador no descanse en paz en ningún momento. Para que se quede sin aliento ante la sucesión de puñetazos en el estómago, uno tras otro y todos sin la más mínima piedad ni consideración.

Y, sobre todo, porque es una ácida crítica a toda nuestra dormida, anestesiada, acomodada, insolidaria, hipócrita y ahíta de sí misma sociedad occidental que funciona, con la precisión de un reloj suizo, en varios sentidos distintos:

1.- Una atroz crítica sin contemplaciones al vacío de una clase social pija que se pretende intelectual a través de su acercamiento al arte moderno pero que no tiene convicciones morales ni éticas que sostengan su posición, y a ratos ni tan siquiera educación. La civilización dura lo que la llamada a devorar el catering o deriva hacia la violencia expresa cuando es incomodada, sin tapujos y sin contemplaciones.

2.- Una crítica a la cada vez mayor distancia entre clases sociales en la otrora civilizada Europa, donde las campañas de marketing de las ONGs conviven en la misma acera con los pobres de la ciudad (impagable esa escena del mago Östlund donde así lo muestra, o cuando su protagonista le compra comida a la mendiga pero se la lanza en la mesa con desprecio). No solo hay más diferencias de clase que nunca, es que además las clases altas tienen más desprecio del que jamás se haya conocido hacia los desarrapados.

3.- Una crítica a la insolidaridad de la calle, que hace oídos sordos a los gritos de auxilio. Otro momento magistral de la cinta, que funciona como perfecta metáfora de arranque.

4.- Una crítica a los prejuicios sociales que hacen a los ricos no acercarse a los barrios de los pobres más que para acusarlos sin fundamento. Como si la pobreza fuese contagiosa.

5.- Una crítica (y aquí sí que subyace reinando Haneke de una forma notable y evidente) a la violencia física primitiva que todo civilizado europeo lleva dentro y que se encuentra presta a manifestarse en cuanto baja la guardia (la escena que protagoniza el cartel de la película y que es, sin duda, la escena capital del film, incómoda y maravillosamente “hanekiana”, te deja sin respiración durante los apenas cinco minutos que dura).

6.- Una crítica a la coacción y la amenaza que en todo entorno culto y sofisticado se encuentra parapetada detrás de la primera esquina (la escena del condón con Elisabeth Moss es inolvidable y absolutamente desasosegante, porque nadie confía en nadie, porque incluso con sexo y atracción de por medio, el hombre es un lobo para el hombre).

7.- El uso inquietante del fuera de campo al más puro estilo Haneke en algunas escenas de violencia soterrada antológicas. Y ese plano cenital entre la basura, que por sí solo merecía la más que justa Palma de Oro en Cannes con la que se alzó la cinta. Por no hablar del ascenso en espiral por la escalera, absolutamente sublime.

8.- La toxicidad que están creando de forma insoportable las redes sociales en nuestra época, a través de supuestos visionarios neomodernos y hipsters que no son más que mentecatos enamorados de sí mismos a través de sus mentes onanísticas.

Y todo ello basado en una creación visual de sus imágenes preciosista y absorbente (esa escena donde la cámara gira constantemente mientras los protagonistas suben las escaleras es puro cine eterno; o cuando rebusca en la basura el protagonista bajo la lluvia, como anteriormente citaba) y unas interpretaciones soberbias de todos sus actores, en especial de un desconocido pero maravilloso actor danés llamado Claes Bang, protagonista absoluto de prácticamente todos los planos de la película, y de la siempre brillante Elisabeth Moss (Mad Men o El Cuento de la Criada).

La típica pelicula confusa, lenta que nadie entiende y por lo cual recibe buenas críticas. Una vez terminada de verla da rabia el haber gastado el tiempo en ella. No se si sea una película de hecho, en ella no ocurre nada.
La vi únicamente porque era la principal competencia a la Mujer Fantástica en los premios Oscar. Claramente una mujer fantástica esta muy por encima...