Ahora con el estreno de Mission Impossible: Dead Reckoning Part I, es que uno se da cuenta que dentro de poco, el bueno de Tom Cruise tendrá 30 años liderando una de las sagas más rentables del cine.

Christopher McQuarrie regresa en la dirección y en el guión, para tratar de ponerle un punto final a una de las sagas que ha sabido reinventarse en cada propuesta. Y es que no hay una forma de explicar, sin caer en detalles, como en los 156 minutos que dura el filme, vas a estar totalmente desconectado y entretenido en partes iguales. El director toma la estructura de Mission Impossible 1 (dirigida por Brian de Palma) e incluye su estilo característico de acción, logrando una estructura que se siente a clásico pero bien modernizado. La composición de planos, en el montaje, el tono, e incluso la trama, que a pesar de ser moderna mantiene ese “clásico” de aquellos filmes de espionaje y acción.

El guión tiene sus pegas, porque claro, es un filme que busca más que nada entretener y lo ofrece con creces, pero aun así mantiene la coherencia. Efectismos para el lucimiento de Tom Cruise, que en esta ocasión se nota que ha cedido más pantalla a sus compañeros y es algo de admirar y que ayuda al desarrollo de los personajes. Hayley Atwell y Vanessa Kirby van evolucionando junto con la película, e incluso en un tramo de la película se convierten en el foco argumental. Un movimiento que además de resultar refrescante en una franquicia que ya tiene rostro (Tom Cruise), ayuda a que las acrobacias se disfruten mejor porque son escenas muy puntuales.

Otro que aprovecha la estela “clásica” és el compositor Lorne Balfe, quien por momentos abraza lo tétrico para marcar una partitura muy particular, muy enfocada en la pérdida, como si estuviésemos ante un final que nunca llega, tal como uno de los acertijos que el equipo debe resolver.

La trama de Mission Impossible: Dead Reckoning Part I, es algo a parte. Moderna y refrescante, pero al mismo tiempo entretenida e interesante. Después de haber visto varios trailers me abstengo a decir de que trata a profundidad ya que la gracia está en que cada quien interactúe con ella. Solo queda decir que en esta oportunidad Ethan y sus amigos, se verán con una de las amenazas más grandes y en la cual, el término “Misión Imposible” si tiene peso, ya que parece imposible, que logren tener éxito. La trama se vuelve oscura, en un mundo en el que convivir con amenazas en la sombra se ha convertido en parte intrínseca de nuestro día a día.

En general la película alcanza en numerosas secuencias cortas de planificación, montaje y puesta en escena que nos recuerdan que tras las trepidantes secuencias de acciones imposibles protagonizadas por el propio Tom Cruise y sus colegas, tras el riesgo y el más difícil todavía de las persecuciones espectaculares, hay talento cinematográfico. Esto es cine hecho y derecho. Un cine palomitero del que funciona como lo hizo Top Gun: Maverick (también con Cruise al mando), y sorprende que esta saga siga pensando en la gente que ha pagado una entrada, incluyendo incluso un final satisfactorio que convierten el título en un producto en sí mismo, y no en un seguro de ventas para lo que viene más adelante. Fácilmente puedes ver esta y creer que es el final y funciona perfectamente.

Hay un perfecto equilibrio que convierte a Mission Impossible: Dead Reckoning Part I en una escuela de cómo manejar las claves del cine de acción en modo blockbuster. Una guía sobre cómo no cansar al espectador con sus secuencias de acción y su ritmo de trepidación constante, algo de lo que no pueden presumir la mayor parte de las producciones de acción o superhéroes de nuestros tiempos.

Mission Impossible: Dead Reckoning Part I, es una carta más de amor al cine de acción de la vieja escuela en toda su dimensión. Se utilizan efectos especiales digitales, qué duda cabe, pero aquí lo importante es sobre todo ver a nuestro protagonista realizando toda clase de complejas proezas.

La película tampoco renuncia a su discurso ni tampoco a su sentido del humor, muy característico y en pequeñas cuotas, porque esto no es un circo ni un filme de humor, y aquí hay espacio para el dramatismo y para la demarcación de líneas de diálogo que buscan darle una profundidad a la trama que resuene fuerte en la audiencia.

www.critican.do

En el 2020, en medio de una pandemia, Netflix estrenó “Extraction” la cual fue todo un éxito, por lo que su secuela, Extraction 2, era algo inevitable.

Admito que al inicio pensé que nunca sucedería porque tanto su director Sam Hargrave como su guionista, Joe Russo, daban vueltas en las respuestas de si habría o no una secuela, pero a finales del año 2022 se anunció y ya aquí estamos. Primero debemos tener claro que el filme es igual que su primera parte pero aumentado por dos: mas acción, mas tiros, mas personajes y mas todo.

Netflix anda detrás de su John Wick con esta saga y es bastante obvio (en los últimos 20 minutos la idea queda totalmente clara, y aunque el final sea abierto, invita a muchas cosas), pero no habría queja de ello si mantienen la misma calidad en cada una de las entregas. Esto no es un cine para buscarle degustar sino para entretener. De hecho, su interés por estrenarla en verano es una declaración de intenciones.

El guión de Joe Russo (uno de los hermanos Russo y director mas guionista de Avengers Infinity War y Endgame), sabe que no puede repetirse y decide desarrollar al personaje de Tyler Rake y cumple su propósito. Entendemos ahora porque ha decidido hacer lo que hace, entendemos porque en la primera parte actúa de la forma en que lo hace con el niño e incluso llegamos a empatizar con el personaje casi en su totalidad. Lo mismo con Nik Khan, el cual se agradece con creces porque ya deja de convertirse en un personaje que da órdenes sino que también ejecuta y de muy buena manera. Sin embargo el guión no es que sea original y perfecto, y tiene sus defectos que se ven mucho más marcados por la dirección.

Porque es que el director, que repite en esta secuela (Sam Hargrave) sabe de acción. Es una persona pulida en el género y que ha trabajado en distintas áreas (desde director de fotografía, hasta en cámaras) además de ser especialista de escenas de acción, por lo que en ese apartado no hay problemas, sino en cómo cuenta los momentos de pausa. Al no verse, como en la anterior, que esas escenas eran cortas y no tan explicativas, se daba ciertos lujos, pero en esta secuela no sabe cómo manejarlas y al faltarle pulso el espectador se aburre con excesos.

Chris Hemsworth hace de Chris Hemsworth. Solo al final es que se da el lujo de mostrar varias emociones, aunque tampoco es que su personaje lo necesite. Golshifteh Farahani da lo más que pueda en un personaje que a pesar de tener mejor desarrollo, el director no sabe manejarla en los momentos más dramáticos (la escena del helicóptero está totalmente desperdiciada). Por último Tornike Gogrichiani como el villano está a la perfección y cumple con el objetivo de este tipo de películas de ser un villano sin escrúpulos.

Para concluir, la música de Henry Jackman ni se siente y la fotografía de Greg Baldi cumple, principalmente en esos momentos en la prisión, están bien logrados. Y de último, y no menos importante, es destacar el plano secuencia (con trampas) marca de la casa, el cual tiene más tiempo y que aunque tenga sus trucos, no deja de ser un plano secuencia y está bastante entretenido. Dura más de 20 minutos y es un ejercicio impresionante tanto para el equipo como para el espectador.

En definitiva, Extraction 2, es una película bastante entretenida que tiene sus momentos más brillantes en la acción pero no en el drama, lo cual es una lástima porque esos momentos dramáticos, aunque estén llenos de clichés, hacen que uno pierda un poco el interés.

www.critican.do

Hay una escena en Spider-Man: Across the Spider-Verse en la que, nuestro protagonista está siendo rodeado por otros Spider-Mans de distintos universos y fácilmente podemos apreciar en un mismo plano mas de 5 tipos de animaciones distintas, y es una verdadera maravilla visual.

Esta es la secuela de aquella Spider-Man: Into the Spider-Verse que se estrenó en el 2018 y que resultó ser una verdadera sorpresa de ese año. Siguiendo la misma estela de animación que en aquel entonces, y multiplicando eso por cien. Una estética única y es innegable que el diseño visual y la animación son muy destacables, siempre es vibrante y tiene mucha energía e ingenio. Globos de textos, pequeñas animaciones que reflejan acciones de personajes, como el sentido arácnido, buenas texturas e interesante montaje y ritmo. En esta película el estilo de animación también resulta llamativo por la ralentización de los fotogramas por segundo, caso que sucedía también en la Lego película, hecho que le otorga personalidad propia a la obra

Dirigida por un trío experimentado, como es Joaquim Dos Santos (Justice League Serie Animada), Kemp Powers (Soul) y Justin Thompson (Powerpuff Girls), todos a merced de Phil Lord y Christopher Miller quienes se encargan del guión y la producción (como en The Michells VS The Machine), Spider-Man: Across the Spider-Verse se va a lugares inhóspitos en que lo relacionado a los multiversos han tocado. Tal vez aquí en parte está su defecto: en el guión y la duración. Con respecto al guión por momentos era algo escueto pero la duración no le ayudaba lo suficiente para poder ser sostenible, aunque solo en el desarrollo de la historia, porque en su desarrollo de personajes está muy bien.

Pero también le juega en contra la duración del filme, porque además de hacer que el guión se sienta un poco perdido, con la duración llega al punto de hasta ser un poquito abrumador. Porque el filme brinda un bombardeo constante de informaciones que hacen que el espectador se abrume. Desde historias de distintos personajes, como el avance de la trama, diálogos entre personajes, e información vital para futuros momentos o conectar otros.

Todos los personajes tienen muy bien definidas sus motivaciones, todos tienen una implicación emocional y racional que funciona a la perfección en la historia y todo ello te permite empatizar con absolutamente todos los personajes, incluido el villano.

Pero si hay algo que, ante todo, resalta de este filme, son sus valores. Valores como la confianza, la amistad, pero ante todo la responsabilidad de tomar acción, no importa lo que cueste, es el motivo principal por el que la película funciona tan bien.

Spider-Man: Across the Spider-Verse es un filme interesante y con una animación impecable. Sin duda de lo mejor de este 2023.

www.critican.do

El mundo ama los comebacks, y más cuando tienen una historia de superación como es el caso de Brendan Fraser, al cual le cae como anillo al dedo la historia que se cuenta en “The Whale”.

El director Darren Aronofsky no es un Lars Von Trier que causa malestar en sus personajes y en el espectador, ni tampoco un Christopher Nolan que busca engañar con ilusiones. Aronofsky es más bien un director que su riesgo, su pomposidad suele ser, por lo que sus detractores le terminan siempre atacando, ser una película compuesta al detalle. En 'The Whale', Fraser da vida a Charlie, un solitario profesor de escritura que pesa más de 250 kilos y cuyos excesos bulímicos le sitúan al borde de la muerte. Traumatizado por una trágica pérdida e intuyendo el final de sus días, Charlie intenta restablecer el vínculo con su hija de 17 años, Ellie, lo cual no será fácil.

La trama transcurre enteramente en el interior del apartamento de Charlie y permite a Aronofsky reincidir en su interés por el trabajo con espacios y situaciones claustrofóbicas, algo que traslucía en films como 'Réquiem por un sueño' o 'The Mother', aunque cabe decir que en esta ocasión el director neoyorquino se desmarca de la experimentación formal para abrazar una puesta en escena más clásica. Y si bien en el apartado estético su interés es de aspecto más dramaturgo, en las actuaciones no se queda atrás. Al igual que ocurría en una de sus películas anteriores, "El luchador", Aronofsky nos muestra unos personajes obsesivos, adictivos o que lidian con su físico y los problemas de sus caóticas vidas, todo ello para intentar llevar una existencia normal. Su estrategia es unir el destino del personaje con el del actor. Si Mickey Rourke en “El Luchador” acaba por coincidir su personaje derrotado con su vida, o Jennifer Lawrence en “Mother” entraba en la agonía de los excesos (en ese caso la prensa, sus tantas películas en poco tiempo y otras cosas), aqui une a Brendan Fraser con el personaje.

El director de “The Whale” exprime a Fraser en lo que tal vez sea el papel de su vida, con una actuación que levanta por todo lo alto la película y funciona en su regreso, pero que lamentablemente se ve empañada por un guión y una dirección muy cuestionable. Y es que “The Whale” acentúa de forma exagerada y mal compuesta la fatalidad del personaje, invitando a los demás a tratar con menosprecio; incluso aquellos que le aprecian caen en la desconsideración guiados por el auto-odio que el protagonista acarrea a sus espaldas. Algo que en “The Joker” vimos con claridad, donde el director buscaba la compasión del público con escenas melosas.

Más allá de su ruidoso despliegue dramático y las ya habituales parábolas del director, 'The Whale' llama la atención por el trabajo de Brendan Fraser, que por un guión y una dirección empeñada en ser indulgente, en vez de ser una observación mesurada y pausada.

www.critican.do

Lo que logra Andrew Dominique con su película “Blonde” es caótico e (de forma extraña) hipnótico. Desde el 2008 el director ha estado trabajando en este proyecto que tiene mucho más tiempo moviéndose por Hollywood como si de una paloma se hablase.

La historia de Joyce Carol Oates, la cual le llevó casi dos años en poder realizarla, es la base del guión de Dominique para su película. Basado entre los años 50 y 60, la película es la historia de la sex symbol, Marilyn Monroe la cual es contada bajo una mirada moderna y no se enfoca en todo momento en ser una biografía exacta, dando rienda suelta al director de jugar con todos los elementos que se les ocurra. Y esto podría ser lo interesante del filme, porque el director se plantea que un artista desde el momento en que se convierte en artista (o en icono, como es el caso de Monroe), ya aquella persona no pertenece a sí misma, sino a su público, pero la forma en que el director maneja esto es como un álbum de fotografías que no tiene una línea a seguir. Y es una lástima porque pudo ser interesante como el personaje es desdibujado y se convierte en un nombre, algo como hizo Pablo Larrain en “Spencer”.

Y al igual que sucede con el filme de Larrain, en “Blonde” tenemos a una actriz que mueve la película gracias a su increíble actuación. Esa es Ana de Armas, quien absorbe el personaje con mucha maestría y lo convierte en ella, llegando incluso a cambiar su característico acento para hacerlo un poco más “neutro”.

El filme de “Blonde” no busca que sepamos de ella con exactitud, pero sí que podamos entenderla, empatizar y conectar con sus sentimientos, los cuales en ese aspecto del guión la película funciona a la perfección. Podemos sentir lástima, ira e incluso alegrarnos en cada momento de la vida de Norman Jean/Marilyn Monroe. También funciona bastante bien la puesta en escena del director, con unos apartados bastante logrados de un Nueva York de mediados de los 60 ́s. Visualmente tampoco se queda corta, porque el director ha trabajado la pelicula como si de un album de fotos se tratase donde mezcla una fotografia colorida pero con un poco de opacidad, junto a una fotografia en blanco y negro gracias a la gran labor del director de fotografia Chayse Irvin quien hace un trabajo formidable.

Pero todo esto puede verse interesante si lo mencionamos como un individual, pero cuando lo vemos como un todo es bastante inconexo e incluso puede parecer caótico. Porque la dirección no ayuda lo suficiente a seguirle el hilo a la historia de Monroe y solo vemos lo que el director le interese. De forma diminuta, y tal vez como uno de los problemas del filme, está el interés político y la crítica del director hacia una industria de Hollywood que es capaz de devorar a las estrellas para convertirlos en espectáculos. El director no sabe como y donde enfocar esos puntos y parecen diversos y hasta fuera de tono junto con el resto.

En definitiva, “Blonde” es una película que no dejará indiferente a nadie. Ana de Armas convierte al personaje en una profunda reflexión sobre la codificación de una industria liderada por hombres y dispuesta a convertir a todos en una máquina de dinero, pero después de ahí el director no ayuda a que se convierta en el clásico que estaba destinada a ser.

www.critican.do