Tengo que decir que Retrato de una Mujer en Llamas es una cinta increíblemente bella cada plano, cada fotograma es como una pieza exquisita de fotografía como si se hubiera pintado.

Retrato de una mujer en llamas es cine en el arte de lo visual, que ofrece una amplia única de ángulos de puntos de vista que permite entender los espacios tanto abiertos como cerrados de la casa y de la playa y es ahí donde podemos entender el mundo de estas dos o mejor dicho tres mujeres. El filme juega con las miradas en como y que vemos; aquí la mirada es doble, es la mirada de Marianne cuando pinta a Héloïse (Adèle Haenel), pero también es la de Héloïse cuando por fin posa ante Marianne y se coloca a la misma altura que ella, demostrándole que quien mira es también quien es mirado, y que a eL pODER través de ese juego de miradas se construye un mundo de seducción que va más allá de las palabras que se puedan verbalizar; por que hay que recordar que nuestro cuerpo dice más que las palabras y ese juego es más sexi y la cinta explora todos esos detalles.

Y, para añadir otra capa de lógica, a éste juego de miradas de los personajes, sumemos la mirada del espectador, colocado en una posición privilegiada que lo sitúa simultáneamente a ambos lados del campo de juego donde se están gestando los sentimientos de las dos mujeres, pero también los equilibrios de poder, entre ambas protagonistas de quien lleva el control.

Es que el filme habla sobre cómo observamos por eso que la fotografía es el punto principal de la cinta, su directora juega con ese factor que dentro del mismo arco narrativo es el tema principal y es están brillante que la película inicia y termina con eso de vernos, pero vernos como seres humanos; inicia con Marianne posando y diciendo que tienen que ir viendo a sus alumnas, y termina con Marianne contándonos las otras dos veces que vio a Héloïse y su frase final "ella no me miró"... Recordemos que Marianne va a la casa de Héloïse para pintarle un retrato de bodas.

Casey Affleck dirige, protagoniza, escribe este filme que habla sobre la relación de un padre y una hija que está en la etapa de desarrollo, no sólo físicamente sino también emocionalmente ante un ambiente opresivo, en un mundo que ha sido devastado por una peste.

Light Of My Life es una cinta intensa y muy sincera a la hora de narrar los hechos que vamos viendo entre padre e hija, con diálogos largos y con una cámara quieta, con solo inicio de entrada donde padre habla unos 10 minutos en una escena donde hay muy poco movimiento de cámara ya sabes cual va ser el ritmo de la película. Y para este punto debería agradar a los expertos en cine, ya que no hay adornos de alta calidad, solo cámara, guión y actores.

Casey Affleck esta brillante, se entrega al proyecto y su relación con la niña Anna Pniowsjy se nota que hay un gran trabajo.

Affleck nos muestra todo su sentimiento y nos cuenta las sensaciones y creo que a su ves nos habla sobre los hechos ocurridos en su vida en los últimos años sobre los cargos supuestos que decían que tenía de abuso contra la mujer. Aquí en filme busca sincerarse sobre como ve a la mujer y lo fundamental que es para la vida. Y la ve con un trato de respeto.

El filme peca en su argumento, ya que en si la trama es algo que ya hemos visto, pero no deja de ser un buen filme, con una buena dirección.

Hay un nombre en el cine que puede generar tanta magia y pasión como Scorsese lo ha hecho a lo largo de su carrera, ahora ha conseguido filmar su película sobre el paso del tiempo. Un asunto que ha estado presente en muchas de sus obras, desde el momento vital de los protagonistas de "Uno de los nuestros" y "Casino" hasta el peso de los años en para los miembros de The Band en "El último vals", e incluso en la llamada al tiempo de un cine pasado y casi olvidado, con "Hugo".

Por ello, Scorsese se sitúa el comienzo de "El irlandés" en una residencia de adultos mayores donde la cámara pasea por los rincones hasta detenerse en la figura de un muy mayor Robert de Niro (tremendo) donde esta dispuesto contratarnos la historia de su vida y como llegó a ese punto. Un anciano que nos cuenta una confesión con la que busca una posibilidad de redención, punto que plantea todo el filme, la redención de nuestros actos a lo largo del tiempo, pero cosa que nunca pide perdón o se note un arrepentimiento, solo nos cuenta los hechos y seremos nosotros mismos quienes analicemos los hechos

Esté hombre es Frank Sheeran, un transportista que irá subiendo en las gradas de la Mafia, siempre de la mano del capo y amigo Russell Bufalino y al lado también del legendario Jimmy Hoffa (un personaje real, un poderoso líder del sindicato de camioneros e involucrado en el crimen organizado). Un trío de personajes tan fascinante e interesantes que no puedes no dejarlos de ver, cuyas actividades nos guiará la voz en off de Sheeran para acceder sin miedos a los rincones más escondidos de sus existencias. Los tres personajes están sostenidos por tres actores en estado de gracia, con actuaciones soberbias y poderosas: Robert de Niro, austero, mesurado, casi minimalista; Joe Pesci, entregado a un personaje tan meticuloso y frío en palabras más normales tremenda leyenda, y Al Pacino que se come la pantalla de una manera titanica, al final nos dan un trabajo mas que brillante, crea un personaje sin reparos, con matices, con un estilo particular; teníamos años de no ver a estos tres hombres así tan grandes.

Los personajes son mostrados a lo largo de cuatro décadas (y aquí llega uno de los detalles que puede ser que moleste o choque de entrada), es que han sido “rejuvenecidos” mediante tecnología digital con resultados un tanto desiguales. Pero la potencia fílmica que nos regala Scorsese hace que ese detalle no nos dé importancia; en un momento molesta pero luego ya se nos olvida.

Ahora Scorsese ha cambiado su mirada a la Mafia ya no es como antes; aquí ahora se siente más oscura, nostálgica ya no tiene ese toque de glamour, la estética ha cambiado ya no busca seducir al espectador, si no involucra a cuestionar y analizar a estos hombres y todo su mundo.

Hay que hacer un punto en Peggy, una de las hijas de Sheeran, mucho se reclama que los personajes femeninos no tienen el peso en la obra, pero Peggy no ocupa hablar o decir algo, el director leda su poder en la mirada y Anna Paquin lo dice todo en sus ojos y eso la hace tremenda y la coloca muy bien al lado de los otros tres actores. Peggy no pronunciará más de dos frases en toda la película, porque toda manifestación resultaría sin sentido, como dicen el ignorar es lo peor que puede provocar una persona, todo esto ante el horror que le provocan, desde niña, los actos de su padre y de sus amigos criminales. En el silencio de Peggy se siente presente ante los hechos y este es el Scorsese que ya venía de Silencio, ahora evoluciona para darnos un retrato de un personaje más humano.

Tenemos un nuevo Scorsese, nos regala una maestría de hacer cine, una obra cumbre de 210 minutos (yo en lo personal los sentí). Con el Irlandés ya no hay una cámara desbocada como en los Infiltrados o El Lobo de la Wall Street, ahora juega con el pasado y futuro (nuevas tecnologías) donde toma el turno de encontrar una nueva simplicidad expresiva, al igual que sus tres protagonistas cuando les llega el momento de tomar las decisiones que marcarán sus últimos años de vida. Scorsese toma también las suyas como director para llegar al cierre que nos quiere contar, aquí utiliza bastante un plano-contraplano, cámara fija, movimientos suaves con una fotografía casi fría como son los tres hombres,reta a De Niro, Pacino y Pesci en pantalla afrontando el paso de los años.

Corre el año 1613. William Shakespeare es reconocido como uno de los mejores escritores de su tiempo, sus obras son aclamadas y sus malos momentos económicos parecen haber quedado atrás. Sin embargo, todo cambia cuando el popular Globe Theatre se quema dejando tras de sí poco menos que cenizas, obligando al dramaturgo a volver a su ciudad natal, Stratford, donde debe enfrentarse a un complejo pasado y su propia familia, a la que no le une nada más que sus lazos sanguíneos. Perseguido por los recuerdos de la muerte de su único hijo, Hamnet, Shakespeare hace todo lo posible por arreglar la relación con su mujer e hijas.

Es la base de los conflictos que plantea All is True, un drama complejo y reflexivo sobre uno de los personajes más inquietantes de la historia. Bajo la mirada de Branagh un hombre que crecido su carrera actuando, dirigiendo y produciendo las obras del dramaturgo, es casi el hombre que mejor puede crear este filme.

Branagh recrea los últimos acontecimientos de Shakespeare haciéndolos que sean interesantes, ya que los hechos son pocos trascendentes y poco conocidos, pero tampoco es que el guión ayude a sostener los acontecimientos, ya que son muy lineales y poco profundos. El filme asume que ya conoces al personaje y a los demás. La historia inicia en el conflicto y con un breve indicio te pone los hechos.

El guion está plagado de largos, largos diálogos casi teatrales que se siente que los actores están vomitando palabras. Pero la ventaja es que vaya pedazo de actores tiene, y ese detalle hace que te interese lo que dicen y como lo dicen Judi Dench esta impecable como Anne la esposa de Shakespeare, la cual le crea una complejidad que hace que nunca pierda ese truco y se pone de tu a tu con Branagh, para darnos un deleite Cinéfilo. Y lo mismo sucede en la unica escena que aparece Iam Mckellen, es una escena larga con mucho diálogo muy Shakespeare sea mejor sea dicho, y ese momento sea completo para entender los sentimientos de William.

La apuesta en escena es brillante, la fotografía de Zac Nicholson es de diez realmente es un deleite visual, cada plano, cada toma parecen un cuadro de lo bien lograda que está, la luz con la esta filmada es casi una luz otoñal. Y ese detalle nos ayuda que nos imaginemos la época y el contexto que tenemos.

All is True sabe el filme que es, se siente un poco pesado pero las actuaciones son lo que vale aquí.

Cuando Ang Lee se sale de su cine habitual parece que las cosas no le ayudan y si a eso le pones a un actor que solo busca ser diva, el resultado es un filme mediocre y sin chiste, porque ver la cara de Will Smith haciendo muecas al más puro estilo de Nicolas Cage no es nada grato.

Geminis Man nos cuenta la historia de un asesino a sueldo del gobierno de EEUU, demasiado mayor, que decide retirarse. Pero esto no le va a resultar tan fácil, pues tendrá que enfrentarse a un clon suyo, mucho más joven. No es que no se deban contar más detalles de la trama. Es que esta es toda la trama y ya. No hay más. Así que bostecen conmigo.

Diremos que lo único que apetece del pastel son los efectos visuales que juegan gran parte, (bueno todo) de la historia y ese es el mayor pecado de esta cinta. Los efectos sobrepasan la narración e incluso al actor (Fijo Will Smith juraba que iba a brillar tal cual diva es, pero no, los efectos visuales son el show). Géminis Man está rodada en 3D a 120 fotogramas por segundo (y no todas las salas de cine podrán reproducir este formato de nueva generación), lo que se traduce en una fascinante definición de imagen echada a la basura.

Pero lo más curioso son los genios de los efectos digitales de Weta que han creado el clon de Will Smith (joven) desde un nuevo reto: en lugar de rejuvenecer al actor por medio del tratamiento digital de imágenes, han partido de cero y creado un "actor" nuevo al utilizar como base la interpretación de Smith, por la tecnología de la captura de movimiento, y fabricar de ese modo un personaje completamente digital que se convierte en el ser humano generado por ordenador más real de la historia del cine. Esto huele a Oscar.

Con todo ese circo, debemos reconocer la mano de su director, Ang Lee, el cual es un cineasta que juega con lo que tiene y te sabe plasmar la cámara de manera que busque el encuadre perfecto; y su forma de hacer cine se nota, imagina que la primera hora del filme es pausada y la primera escena de acción ocurre casi una hora después.

Proyecto Géminis, es una cinta de imágenes una tras otra que nunca logran sentar idea tal cual. No hay una narrativa que tenga peso y no hay nada que contar. Lo único que importa son el juego de efectos, unos más geniales como la persecución en moto, un prodigio de autenticidad cinematográfica en la que vivimos en estos tiempos, marcado por los avances digitales.