She, a Chinese (Ella, una china), de la escritora y directora de cine china Xiaolu Guo, fue, para un cronista, la gran sorpresa de la sección oficial del pasado Sevilla Festival de Cine Europeo (09').
La directora pasó sus primeros 30 años viviendo en China (estudió cine en Pekín), y los últimos 5 entre Londres y París. Pertenece a la 7ª generación de directores chinos, aunque en China sea, ante todo, una directora underground. El film es, por consecuencia, una co-producción entre Reino Unido, Francia y Alemania.

La historia nos narra la joven vida de Mei, una chica que vive en un pequeño pueblo de China dominado por una serie de constantes tales como el desarraigo y la violencia.
Mei está enraizada de lleno en los estragos y las ruinas de esas jóvenes generaciones de los 70' que iban a por todo y a por nada, aplastadas por un sistema social y económico cuya burocracia sin escrúpulos, cuya truculencia, hacía caer sobre ellos la alargada sombra del "no hay futuro".

En la pantalla vemos la violencia ejercida sobre un cuerpo joven de mujer. Vemos un mundo masculino belicoso, en el que ella se rebela contra la falta de amor.
“Civilización es un término que tiene que ver con los conceptos de estructura, de comunidad”, nos explica Guo, intentando contextualizar el entorno en el que vive Mei, un entorno donde, nos dice, las personas tienen una forma de vivir violenta.

Sus influencias van desde el Godard de La Chinoise y de Vivre sa vie hasta Van Sant -en boca suya (me permito añadir las reminiscencias en fondo y forma del maestro taiwanés Hou Hsiao-hsien)-, en el retrato de esa juventud fragmentada, tan fragmentada que hasta la rebeldía que poseen está también fragmentada; una juventud que posee una energía tan joven como ciega.

Mei es un personaje que está continuamente “en la carretera” (metafóricamente hablando), en movimiento, con ese brío desganado que dan los sueños no realizados o, incluso siendo consciente de ello, por no realizar.

La película indaga, con sutileza y sensibilidad, en el choque de culturas cuando la protagonista consigue el suficiente dinero para emigrar a Londres.
En su vida en Londres pasa por tres clases sociales, desde que llega como inmigrante, hasta que se casa con un hombre mayor de clase media, donde consigue la nacionalidad, pasando, en último lugar, a compartir los días con un emigrante pakistaní de clase baja. A este respecto Gao sentencia que Mei “está desnuda de todas las vestiduras políticas”.

En definitiva, She, a Chinese es una película potente (con una directora igual de potente en persona), que nos ofrece un relato apasionante, en el que seguimos a una magnífica Lu Huang (Mei) en un descarnado y hermoso viaje a través de nuestra sociedad/la sociedad, a través de los hombres y a través de una mujer.

Howard Hawks, maestro indiscutible del western; John Wayne, tipo duro por excelencia; Montgomery Clift; blanco y negro... en fin, ¿qué más se puede pedir?
Muy buen western políticamente incorrecto hoy en día por su racismo y lastrado trágicamente por un final que no venía a cuento. Eran los 40, y los dichosos "Happy End" que exigían los estudios de Hollywood empapaban todas las películas. Una lástima... cuando viene el duelo final tan esperado el guión se tuerce bruscamente hacia un sinsentido horroroso. Pese a eso, magnífica cinta en todo su recorrido menos al final.
Y aunque esté en blanco y negro, prefiero mil veces, para las del Oeste, el color del Spaghetti Western de Sergio Leone. Insuperable.

Ésta es una pelicula que pasó sin pena ni gloria por España, pero que en Estados Unidos obtuvo los elogios que se merecía y triunfó en muchos festivales de cine independiente de dicho país. Desde que vi los cortos no me la pude quitar de la cabeza y esperé a que viniera a los cines de Sevilla, cosa que no ocurrió, así que opté por comprarla por internet, y eso hice. No hay ser humano que se precie de tener un mínimo de sensibilidad que vea esta pelicula y no le conmueva. La desesperación está patente y vigorosamente retratada en los paisajes urbanos más desoladores. De una belleza plástica impagable y con una fotografía sencillamente esplendorosa. Un viaje descorazonador al corazón de la América profunda; desgarrador y subyugante. Con una música y unas interpretaciones realmente brillantes y que son difíciles de ver en el cine contemporáneo. En resumen, una muestra del mejor cine estadounidense del momento y una fervorosa recomendación a toda persona, cinéfila o no.

Película imprescindible para todo ser humano, que narra la “escalada” social de un ex tenista de renombre en un Londres apacible y cómodo como es el de los burgueses. Hasta aquí todo va bien, pero la cosa cambia cuando entra en juego una suerte de femme fatale, una imponente e inolvidable Scarlett Johansson.
Tras las conocidas carantoñas, ingeniosas situaciones y lúcida verborrea de su vertiente cómica, nos llega el Allen más pesimista y serio, y saca a relucir su vena más Bergmaniana (véase Septiembre). Años llevábamos los admiradores de Woody queriendo ver una película como ésta, después de presenciar una colección infumable de mediocridades.
Lo único que se le podría reprochar, que al menos a mí me chocó un poco, es la utilización de las elipsis de tiempo. Para mí el tiempo pasó demasiado rápido en la historia; pero vamos, algo ínfimo.
Una mención especial debiera hacerse a la música, un aria cantada por Caruso (dejando de lado el jazz) que se repite durante todo el metraje, y dota a la historia de una extraña y elegante cadencia hipnótica.
Buena iluminación, aunque para sus últimos trabajos ha ido alternando diferentes directores de fotografía, contando esta vez con Remi Adefarasin, en vez de con su habitual Carlo Di Palma.
Match Point consta de una narración donde todo el cine es posible; viéndola uno se olvida de uno mismo y del mundo en el que vive.
El impresionante trabajo de Jonathan Rhys Meyers se eleva por encima del de todos en este profundo, complejo drama, de oscuro y truculento poso, con un final demoledor como un disparo entre ceja y ceja. Película dura, que nos habla de la naturaleza humana sin llegar a ser pretenciosa ni pedante; no juzga, no da juicios de valor ni sermonea; desprendida de la nauseabunda moralina de la mayoría de las películas, aquí no hay más que la brutalidad de la ambición expuesta en un genial, rotundo y deslumbrante discurso donde tragedia y lucidez se dan la mano para lograr, una vez más, un escupitajo cargado de rabia hacia la mal llamada moral del mundo occidental convertido en obra maestra.

NOTA: Crítica realizada el 7 de enero de 2008, retocada mínimamente.

El sábado día 3 de noviembre del pasado año 2007 fue un día ajetreado. Fue el segundo día del festival y yo tenía cuatro películas por delante, y todas por la tarde, para colmo. Después de Mýrin (a las 16:00) pude ver tres películas más; a saber:
20:00 p.m.–El Destino de Nunik: La nueva película de los hermanos Taviani no me gustó demasiado, siendo sincero. Paz Vega y Ángela Molina hablaban en italiano pero estaban dobladas y desempeñaban unas buenas actuaciones. Los directores de la notable “La Noche de San Lorenzo” pegan un cierto traspiés (sobretodo por la poca creatividad de la puesta en escena… bastante tosca como dicen algunos críticos) con esta historia que, aunque en principio se mostrase interesante (la matanza armenia por parte de los turcos), había algo en la película que no acababas de asimilar, y luego me di cuenta de lo que era tras haberlo leído en otra crítica: ese áurea de telefilm que emponzoña el resultado. No obstante, le di un 7 porque tiene buenos momentos intensos y no la considero una mala película.
22:00 p.m.–Grandhotel: Dirigida por David Ondrícek, esta película se situaba en la sección “Focus República Checa” (la República Checa fue el país invitado al festival), del lado no competitivo. Se trata de un film cálido y bienintencionado, con un toque original, que no invita a demasiadas reflexiones pero que se deja ver con amabilidad. Está bien… sobre todo por los paisajes celestiales.
00:00 p.m.–Reprise: Interesante película noruega sobre una pareja de jóvenes amigos escritores y existencialistas de postín. El director Joachim Trier (¿algún primo noruego de Lars Von?) co-escribe también el guión y nos muestra una certera habilidad para desenvolverse con audacia dentro del relato. Bien iluminada, bien actuada y mejor montada. Bastante recomendable.

Bueno, volvamos con Mýrin, primera película islandesa que vi en el festival: el director Baltasar Kormákur, antes actor (Óli, el entrañable tartamudo de la estupenda Angels of the Universe del más veterano Fridrik Thór Fridriksson), firma un thriller poderoso con bastante personalidad.
De atmósfera opresiva (la música de Mugison, parecida a la de Hilmar Örn Hilmarsson, ayuda mucho), con una iluminación entre lo oscuro y lo metálico, la historia avanza en la trama a dos bandas, por el lado del drama, y por el lado del thriller policíaco.
El protagonista, Ingvar Eggert Sigurðsson, el actor más carismático del cine islandés (protagonista de la anteriormente mencionada Angels of the Universe), como siempre está formidable.
En definitiva, Baltasar Kormákur demuestra oficio, temperamento y originalidad.