A partir de la serie Unforgiven de Sally Wainwright, Peter Craig, Hillary Seitz y Courtenay Miles llevan a cabo una lúcida adaptación de un argumento dramático, alrededor de la reinserción de personas convictas en nuestra sociedad.

Nora Fingscheidt dirige su segundo largometraje, que cuenta con la propia Sandra Bullock como protagonista y productora. La conocida actriz interpreta un papel poco habitual en su carrera, pero lo lleva a cabo con convicción.

A favor de este resultado juega la contención general con la que se escriben los diálogos y se ruedan las escenas. Si bien algún pasaje resulta menos comedido, la luz gris, las frases escuetas y los encuadres fijos hacen de la película un repaso sobrio, aunque inquietante, a un intento de recuperar la vida, después de la cárcel.

La creación de diversas subtramas, todas confluyentes con el conflicto principal, aporta dinamismo y movimiento al guion. Mientras, la brevedad de los flashbacks (algo que se entiende solo y del todo al final) también suma en la intensidad narrativa, que solo se resquebraja por algún giro menos elaborado en algunos de los personajes.

Es verdad que Imperdonable no resulta especialmente innovador en ningún terreno. Sin embargo, esta propuesta de la cineasta alemana relata, de forma más que aceptable, un trayecto sobre el perdón, la reconciliación, el acoger a las personas para sus segundas oportunidades y el sacrificio por la familia.

Además, su recorrido coral permite ir empatizando con roles y situaciones diversas para, de este modo, poder ver todas las caras de la moneda.

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Siguiendo la estela de En busca del arca perdida o filmes recientes como Jungle Cruise y el remake de Jumanji; La ciudad perdida, plantea una aventura trepidante en torno a un tesoro escondido en las profundidades de una lejana y vetusta metrópoli. Mediante la hibridación de géneros (comedia, aventuras y romance) los hermanos Nee construyen una premisa original, sin muchas pretensiones, con la que pasar un buen rato.

El elenco estelar está capitaneado por Sandra Bullock, en una cinta donde utiliza la incomodidad a su favor, y por Channing Tatum, que consigue con creces representar a un apuesto chico tontorrón con un trasfondo amable. Asombrosamente, muestran gran química entre ellos y, a pesar de que el romance es predecible, es también efectivo.

A ambos se les contrapone el villano encarnado por Daniel Radcliffe, un multimillonario estrafalario obsesionado con un gran tesoro. Su rol, precisamente, flojea, pues no es más que un estereotipo inglés cuya única motivación es la envidia que siente por su exitoso hermano menor y, a lo largo de la película, alude reiteradamente a ello.

Aunque, sin duda, lo más memorable es el hilarante cameo de Brad Pitt, que sobresale por su gran carisma y agudeza. De hecho, después de su aparición, el film comienza a decaer un poco y se hubiera agradecido más metraje con él. Asimismo, los diálogos, a ratos, son empalagosos y cursis, pero los momentos cómicos funcionan y sacan más de una sonrisa.

En definitiva, La ciudad perdida es una grata sorpresa, una apuesta amena y confortante por la que acudir a las salas de cine. Es cierto que reproduce una fórmula que hemos visto hasta la saciedad, pero se alza como aquel tipo de entretenimiento palomitero que nos permite escapar de la realidad para adentrarnos en un mundo selvático de imaginación y ensueño.

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The boogeyman es una propuesta de terror que asustará desde un punto de vista psicológico más que visual, aunque los dos cumplen correctamente.

La cinta crea y ambienta todo un concepto pavoroso alrededor del monstruo. La premisa surge de las pesadillas que tenemos durante la niñez, esos monstruos escondidos en la oscuridad, acechando desde nuestro armario o debajo de la cama para aterrarnos cuando vamos a dormir. Esa es la sensación que provoca The boogeyman: la desprotección ante algo desconocido, muchas veces más espeluznante en nuestro subconsciente que en la realidad.

Por esta razón, inicialmente la criatura no se deja ver más de lo necesario. En cierta manera, para que el espectador se imagine aquello que, particularmente, le hostigaba cuando era pequeño. La cinta se asemeja y recuerda al estilo de otras producciones estadounidenses, como Nunca apagues la luz (2016) o Barbarian (2022). Todas ellas son películas que juegan con la psicología del terror. Así, combinan momentos de tranquilidad en los que crean inquietud con testimonios angustiantes y demuestran que menos es más para al final asustar de verdad.

Otro punto a destacar es su realización. Se usan transiciones muy efectivas, donde la realidad se mezcla con las pesadillas, y los efectos visuales están bien ejecutados. Asimismo, las actuaciones de Sophie Tatcher y Vivien Lyra Blair sorprenden gratamente.

A pesar de todos lo puntos notables, es cierto que falta algo de profundización en la historia. Hay cuestiones que se dan por hecho o se pasan por alto, como el estudio de pintura, la relación entre la familia o la ausencia del padre a nivel emocional y físico. En relación a ello, hay escenas sobrecogedoras donde ningún miembro acude al rescate.

Con todo, el film entretiene y espanta durante sus 98 minutos y hará que más de uno compruebe dos veces su armario y debajo de su cama antes de dormir.

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Casi 40 años después del estreno de Acorralado, la primera entrega de la saga Rambo, Sylvester Stallone vuelve, a sus 73 años, para interpretar al icónico personaje en su última aventura.

El hombre duro y musculado que había estado en los conflictos de Vietnam y Afganistán se ha retirado a un rancho en Estados Unidos y ahí muestra a la audiencia una versión más sensible de su personalidad. El que parecía que podía librar batallas en solitario, aparentando ser casi un superhéroe, se presenta con sus traumas y su lado más paternal en este film, cuando tiene que rescatar a Gabrielle, a quien ha cuidado como a una hija.

No obstante, entre trazos de western, Stallone demuestra al público que sigue estando en plena forma y retoma las armas de combate de John Rambo para participar en la misión final, donde decide vengarse de un grupo de mexicanos que le han dado donde más le duele.

Tras anunciar en el tráiler que él va a derramar la última gota de sangre y que “la muerte se acerca”, la película responde a esa premonición y llega como “lo nunca visto”: llena de sangre, violencia y lenguaje agresivo y soez. Pero ello no anula la trama, como sucede a veces, y el reparto español que rodea a Stallone realiza un gran trabajo interpretando la historia.

Mucha acción, peleas legendarias acompañadas de una banda sonora adecuada, frases memorables y alguna profunda reflexión del protagonista hacen de Rambo: last blood un cierre épico a las hazañas del héroe, siendo un producto gratamente satisfactorio para sus seguidores.

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Basándose en la versión de 1971 para crear el imaginario del mundo de Willy Wonka, Paul King nos traslada a los orígenes del famoso chocolatero, cuando tan solo era un joven soñador. En ese dulce universo gobernado por un cartel del chocolate, el director nos ofrece un musical repleto de la misma ternura que transmitía con 'Paddington'.

Desde un primer momento, subidos al barco de Wonka de la mano de un carismático Timothée Chalamet que se lanza a cantar, el espectador entra con amabilidad en este mundo donde siempre hay espacio para ver el lado bueno de las cosas y mantener cierto optimismo. El carácter bienintencionado del personaje y su incuestionable ingenio lo hacen sumergirse en una entrañable aventura y salir indemne, y con humor, de las situaciones más difíciles que se le presentan.

A pesar de los lugares comunes, estereotípicos y previsibles en los que cae el guion, el largometraje encuentra sus puntos fuertes en un digno diseño de producción y una ambientación tan fascinante que evoca el encanto de clásicos como 'Mary Poppins'. Acompañando a todos estos elementos formales, el reparto que rodea a Chalamet no se queda atrás y regalan unas interpretaciones que hacen fácil el quedarse pegado ante la pantalla. Entre ellos, destaca una estupenda Olivia Colman como uno de los villanos, un Rowan Atkinson que entrega momentazos y un Hugh Grant que roba cada una de las escenas en las que hace acto de presencia.

Entre todos los momentos cómicos y las canciones pegadizas, 'Wonka' tiene espacio también para valiosos y necesarios mensajes en torno a los beneficios de ser bondadosos unos con otros, la lucha por los propios sueños, el poder de la amistad y la importancia de la familia. Con esta combinación, el film es una dulce propuesta familiar para estas fiestas, donde los más jóvenes lo pasarán en grande y los adultos lo disfrutarán de igual forma, sacando a sus niños interiores.

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