La historia de Ruth Ellis, la última mujer ejecutada en el Reino Unido, le sirvió a Mike Newell para hacer un retrato ácido de la sociedad británica del momento, un mundo sórdido y amargo en el que el amor imposible entre dos personas de distintas clases sociales conduce a la inevitable tragedia. Una relación tempestuosa, marcada por violentas peleas e infortunios, que culminó el domingo de Pascua de 1955. El controvertido legado de Ruth Ellis avergüenza hoy a toda una nación.

Miranda Richardson está magnífica como Ruth Ellis, la madre soltera y glamurosa chica de alterne, ofreciéndonos una espectacular actuación en cada escena de la obra. Richardson consigue plasmar a las mil maravillas el tono emocional de una mujer enloquecida y obsesionada por su amante y transmitir la difícil situación como mujer atrapada por las circunstancias y castigada por una moral mezquina. Rupert Everett está más que decente en su interpretación de David Blakely, un joven apuesto que proviene de una familia acomodada. Everett captura la naturaleza autocompasiva y el esnobismo innato de Blakely, y nos presenta a un jóven petulante, inmaduro y egoísta demasiado acostumbrado a salirse con la suya y que nunca ha experimentado las duras realidades del mundo de la forma en que lo ha hecho Ellis.

Los protagonistas tienen una química que inunda la pantalla en esta historia en la que el amor todo lo consume. Afortunadamente, el director sabe sacar partido de esa química a la hora de exponer todos los altibajos emocionales de esta tóxica relación. La puesta de escena es elegante y fría y los diálogos, ingeniosos. La dirección de Newell es muy buena por su hincapié en las expresiones faciales de los protagonistas mientras mantiene esa atmósfera fastuosa y oscura. Newell transmite con precisión ese clima reprimido de la austeridad de la posguerra, que encontró una liberación de su tedio embrutecedor en el sórdido glamour y los malos modales. Entre otros aspectos técnicos, destacaría que la óptima fotografía en determinadas ubicaciones y en concretos momentos tensos y dramáticos se convierte en un elemento crucial que ensalza la obra.

No obstante, la belleza de esta película radica en un conjunto más amplio de cuestiones. Bailar con un extraño no trata únicamente sobre dos amantes miserables y desafortunados o sobre las relaciones tóxicas y lo rápido que descarrilan, sino que lanza una reflexión sobre el clasismo que incluso sigue inherente a la Inglaterra actual. Durante el metraje, podemos observar como a la protagonista le asusta y le paraliza constantemente su posición de clase baja y su reputación manchada, aunque sea perfectamente consciente de que el sistema está podrido. Cuando Blakely le presta tanta atención, ella sigue tratando de justificarse a sí misma como algo positivo. Realmente, lo que la impulsa a matar a su amante es la triste comprensión de que él nunca la ha visto como un ser humano igual.

Patty Hearst es una película que se basa en lo ocurrido tras el 4 de febrero de 1974. La estudiante de Berkeley y nieta del magnate William Randolph Hearst fue secuestrada por el Ejército Simbiótico de Liberación, grupo organizado radical en el que ella misma se alistaría con el paso de las semanas.

Estos hechos son más que suficientes para suscitar interés en el público. Sin embargo, no puedo evitar plasmar mi decepción en este escrito tras el visionado de la cinta. La vida de Patty daba para mucho más que esto y el principal culpable no es la actriz protagonista, Natasha Richardson, que realiza una actuación impecable y nos hace reflexionar sobre el difícil dilema de Patty. ¿Se convirtió Patty en parte de este grupo organizado de manera voluntaria, por convicción, o simplemente estaba tratando de salvar su vida? En ese momento, nada importaba puesto que no había diferencia.

El principal problema de la película lleva el nombre y apellido del director, Paul Schrader, que narra la historia de forma plomiza e insulsa, con un guión que cae en lo absurdo e incluso muestra unos ideales revolucionarios que son bastante cuestionables. No se puede construir nada sobre una profunda inconsistencia. Esto entristece especialmente si tenemos en cuenta el potencial de esta historia porque, realmente, la vida de Patty Hearst era otra cosa.

Esta película, basada en la novela de Philip Roth, narra el romance entre Richard Benjamin y la encantadora Ali MacGraw. Destaco especialmente a ésta última porque me parece impresionante la manera en la que se las arregla para mostrarse accesible y genuina al mismo tiempo que proyecta aplomo, gracia y belleza. Ella a otorga a su personaje, Brenda Patimkin, un encanto especial. Cabe destacar que este papel, anterior a Love Story, fue el que la presentó al gran público. La interpretación de Richard Benjamin, cuyo ceño perpetuo refleja una arrogancia condescendiente, no me ha transmitido tanta simpatía o atracción.

El guión no es malo y combina ciertas dosis de perspicacia, sátira y drama. Básicamente, la historia muestra el encuentro de dos universos aparentemente incompatibles. El personaje de Benjamin, Neil Klugman, representa el desinterés, la apatía y la falta de ambición, mientras que MacGrew interpreta a la hija mimada y egoísta de una familia judía adinerada. Él es la antítesis de todo lo que Brenda y su familia personifican, pero está mas que dispuesto a dejarse seducir. Asimismo, ser una inapropiada elección como amante le convierte en un hombre aún más atractivo a ojos de la fémina. Sus diferencias no tardarán en salir a la luz.

Por otro lado, la banda sonora es bastante reseñable ya que, a mi juicio, las canciones seleccionadas se complementan perfectamente con los estados de ánimo de los protagonistas en las escenas. De la misma manera, la ambientación y la puesta de escena está muy lograda. Creo firmemente que el director realizó un decente trabajo con esta obra cinematográfica que, aún no siendo nada extraordinario o singular, consigue transmitir un aura de franqueza y autenticidad propia de la complejidad que envuelve las relaciones humanas.

Película que narra el maltrato sistémico e institucionalizado que sufren los refugiados vietnamitas en Malasia. Me llamó la atención el argumento puesto que no tenía mucho conocimiento acerca de estas olas de migración vietnamitas, tras la Caída de Saigón ante los comunistas. Lamentablemente, no creo que esta obra pueda resultar ilustrativa para entender este tema.

El problema de esta película es que está plagada de trivialidades y tonterías superficiales. Parece que han creado una trama mínima necesaria para justificar hacer una película sobre este tema. El resto del contenido es una trama amorosa innecesaria, alguna escena de sexo y Joan Chen interpretando a la locuela excéntrica de Minou. Lo más sorprendente es que está basado en una novela que, por supuesto, espero que no se parezca en nada a su adaptación cinematográfica.

Por otro lado, he tenido constantemente la sensación de que la edición estaba cortada. Probablemente, le quitaron potestad al director durante el proceso de post-producción y lo editaron con otro enfoque para facilitar la venta. O quizás hubo cambios sustanciales en el guion durante el rodaje. Nunca lo sabré. Lo que si se es que todo resulta confuso.

No es lo suficientemente brillante para ser considerada una obra de arte ni lo suficientemente hábil para que la consideremos entretenida. Hay demasiadas cosas que están mal. La tragedia de los barcos vietnamitas merecía una película mucho mejor que esta.

Esta comedia negra autobiográfica se desvela como una de las obras cinematográficas más sorprendentes del año pasado. Definiría su originalidad y su tono satírico, estereotipado e irreverente, en un contexto de opresión social y cultural, como los elementos que me han conquistado. La estructura narrativa, configurada desde una teatralidad muy interesante mediante el uso de múltiples sketches, nos muestran las vivencias de un niño gay en la URSS y su posterior asentamiento en Estados Unidos. Cabe destacar que la película esta dividida en dos partes: la etapa rusa y la americana.

Las interpretaciones de Hersh Powers y Tyler Bocock, en las dos versiones del mismo personaje, conmueven por su naturalidad a la par que transmiten mucha ternura al espectador. De la misma manera, Sera Barbieri y Marya Sea Kaminski interpretando a Lena en la etapa rusa y en la americana, respectivamente, resultan muy agradables. Lea DeLaria aporta un toque cómico desvergonzado y Dan Lauria se muestra como la gran sorpresa final. Sin embargo, dejando al margen el gran elenco de actores, lo que hace a esta película especial son las temáticas tratadas, desde la representación de los horrores del comunismo soviético, las dudas identitarias, la crítica ideológica y religiosa o la idealización de la cultura americana de la que los protagonistas se sirven para evadirse del clima hostil que les rodea en la Unión Soviética.

Aunque la película posee una estética vibrante y un brillo poco común, se ha de reconocer que, conforme avanza la trama, la película empeora. La obra cambia mucho desde la etapa rusa a la americana y eso le hace perder la personalidad o la esencia que atrapa al espectador al principio. No obstante, considero esta especie de coming of age gay perfecta para entender toda la problemática que envuelve a los inmigrantes y a la comunidad LGBTQ+