El contexto histórico no puede justificar en ningún caso los valores artísticos de la obra, puede complementarlos pero nunca suplirlos. Que "burles" (me gustaría saber cómo, a lo mejor no engañaste a nadie) la censura (los censores son considerados comúnmente como tontos) no justifica todo lo demás. Que te rías de los franquistas, por ejemplo, no hace tu obra mejor si no hay nada intrínsecamente de calidad en la misma y según pase el tiempo será más y más evidente, salvo que te sigas creyendo el contexto, es decir, literatura ajena a la obra en sí que trata de justificar su mediocridad.

Aquí, además, parece que es una censura inventada. En la reciente The great freedom, que denuncia la corrupción institucional y legal de la antigua RFA, su protagonista gay encarcelado por el simple hecho de ser homosexual le propone a su auténtico amor, un profesor, que huyan a otro país para poder vivir juntos cuando salgan de la cárcel. ¿Qué país le propone?. ¡La antigua DDR!. Pero.... ¿Quieres huir para instalarte en la DDR?.Responde el cariacontecido amigo. Sí, sentencia el primero, allí no te encarcelan, hacen la vista gorda.

Quizá era más represivo el régimen occidental de los perdedores que la Alemania del Este, que era hipócrita negando la existencia de maricones en su paraíso comunista y, a la vez, no castigando legalmente a los homosexuales, por lo menos hasta el punto de encarcelarlos y maltratarlos. El contexto generalmente es un engaño, una leyenda urbana elevada a la categoría de "hecho histórico ". Un ejercicio "de investigación científica ", paro que me entra la risa tonta.

Quitando el contexto, película dispersa que quiere abarcar mucho y por eso narra muy poco, que se para en muchos momentos por falta de ritmo y pericia de su director y de estética cutre. Tiene algún momento interesante, pero en general, es bastante aburrida.

Monumento al mal gusto ¿deliberado?. Ese es el mosqueo por eso la subo de 1 a 2 y también por ella, por Jennifer López, muy guapa al principio sin maquillaje con poca ropa, en su casa, fumándose un chirri y flipando solo con eso, no necesita nada más. I don´t know just where i´m going.. And I guess that I just don´t know. Se mueve hasta el desierto en un buen viaje, sin malos rollos. A partir de ahí, la decadencia. La llaman cerda y to en la celda. La bajo a 1 otra vez por hijos de perra.

Tenemos a unos actores cuya carrera no brilló después de este engendro. Esta película tiene hasta una puta maldición de verdad de la buena, de hecho es lo único que es verdad, lo demás es todo hueco y falso, y por supuesto, eso no es lo malo. En el caso de Vince Vaughn ya venía medio muerto después del Psycho de Van Sant. Después de ésta ya no lo salva ni su p. madre. A comer hamburguesas y bollos. Menudo estrés.

Argumento: El silencio de los corderos y Seven. Pa qué comerse el tarro.

Música: Howard Shore repite la partitura de Seven. Si funciona pa qué cambiar.

Dirección artística: Videoclips: de Romanek ( Closer de NIN), lo aprovechó mucho mejor Fincher. Marilyn Manson (The beautiful people), The golden age of grotesque y su video de REM Losing my religion pasado de moda; carnaval de drags de Tenerife, mucho maquillaje y modelazos a escoger, con cuernos y to; película para tv de los lagartos que ocupaban cuerpos (¿Cómo coño se llamaba?. ¿El lagarto Juancho?); autóctona de La India: una Virgen de postal para mandarla por correo ordinario, y tan ordinario, y una mujer blanca paloma que se mueve entre copos de algodón blancos con el niño en la mano (se advierte que si no te han reventado las retinas en ese instante puede que te saques los ojos). Si no te gustan tus ojos, arráncatelos ( Ray Milland en El hombre con los rayos X en los ojos). Cuidadín los indios han puesto un pie en La Luna. Tercer mundo es España.

Hellraiser. Placeres ocultos y delicados. Dolor y éxtasis íntimamente unidos. Qué pena que lo practique un garrulo que se cuelga por la espalda muy rudimentariamente y tiene orgasmos en el que pasamos de la metáfora de agua de colonia del mar rompiendo en las rocas al aquí rugido de un tren. Es que se pone a tope el redneck (el pobre DÓnofrio, que hubiera demandado tu representante), se pone como un tren y los exquisitos placeres de Clive Barker no están hechos para la boca del cerdo.

Dolor y placer unidos. Estética y ética. Nunca me fiaría de alguien al que le gustara esta película.

Esta pieza es la que inicia la mejor secuencia de la gran TÁR hasta que la cagó*. Es el momento en que Lydia Tár da una clase magistral en la Escuela Juilliard y toda una "lección" al alumno "pangénero" al que J.S. Bach "no le motiva". Es pues irónica la utilización de esta pieza en la película de la que Tár dice que "la sección de cuerda se comporta como si estuviera afinando", "es emocionante interpretar esta música muy del momento" y que tiene una "intención como mínimo vaga" y de "masturbación intelectual atonal". Aquí dice: "Empecemos con un trémolo en vaivén con escobilla metálica deslizando lentamente los crótalos sobre la piel", parece una receta, continúa con sarcasmo lo que se convertirá en una lección de inteligencia y humildad hacia la interpretación de la música ajena al alumno "robot" con alma multimedia. "Hay que renunciar al ego y, sí, a la identidad (género)".

Según su director el video trata de reflejar el confuso y distorsionado mundo interior de su protagonista. Su gran inteligencia con gran sensibilidad al ruido (así se medía la inteligencia según Schopenhauer, dice el profesor jubilado y mentor de Tár). Sin embargo el resultado no parece muy elaborado o muy por debajo de la película y la intención puede parecernos una simplificación del complejo personaje de la única estrella de la interpretación de la actualidad. El Óscar a esa china americanizada / domesticada, a esa china buena chica es más un acto de corrupción que una broma pesada.

Según su autora, Hildur Guðnadóttir, intentaba crear una música "de otro mundo" que lleguase directamente al subconsciente. Autora de la estupenda b.s.o. de Joker, su música parece seguir un patrón psicológico extremo o quizás todo sea otra paja mental inevitable pero satisfactoria. En cualquier caso, sentido del humor no le falta y talento para visualizar la música tampoco.

Antonio Salieri fue adoptado a los trece años por una familia de nobles venecianos en el seno de la cual conoció a Leopold Gassmann, su protector en la corte de Viena. Fue alumno de Gluck, que siempre le defendió, y fue el preferido de José II, como queda reflejado en la película. Entre otras actividades impartió clases de piano a Meyerbeer, Schubert y Liszt. Fue consultado por Beethoven acerca de cuestiones técnicas de canto en numerosas ocasiones. Probablemente los más desahogados digan que eso contribuyó a que Beethoven fuera un mal compositor para voces, aquellos que desprecian su Missa Solemnis.

Fue más famoso que Mozart, sus óperas se representaban en toda Europa. Sumamente culto e instruído y de una enorme capacidad técnica y organizativa, utilizó su puesto de poder para, por ejemplo, que José II retirara su orden de cierre de la ópera y despido de la orquesta vienesa. Tenía grandes honores como Caballero de la Legión y medalla de oro de la ciudad de Viena. Esta influencia también queda insinuada en la película en varias ocasiones. Tan sociable como animado, enemigo de las lisonjas y con esporádicos ataques coléricos.

Y ahora llegamos al meollo, a los rumores que se convirtieron en leyenda. La enemistad con Mozart provenía, primero de que era protegido de Gluck con el que Mozart competía y que trataba de evitar, en realidad ambos se evitaban; segundo, de cuestiones financieras de patrocinio de las óperas, de dinero; y tercero, los rumores de envenenamiento de Mozart comenzaron nada más morir y a ello contribuyeron dos hechos: que Constanze relatara que pocos días antes de morir Mozart, en un paseo por el campo, afirmara sus sospechas de haber sido envenenado, y que Salieri "confesara" tan tremendo crimen cuando agonizaba en su demencia degenarativa no provocada por su terrible envidia, sino presumiblemente por una enfermedad hereditaria. Un testimonio que "no se admitiría en un tribunal". Lo cierto es que la teoría más plausible es una muerte por una enfermedad infecciosa aguda porque se encontraba aparentemente sano hasta poco antes de sufrir la enfermedad, desconocida hasta muchos años después, una enfermedad provocada por bacterias y virus.

La realidad es que Salieri tenía una enemistad típica de la profesión entre grandes nombres. Era una rivalidad que se mostró por ejemplo, en que Salieri boicoteó Fígaro (que ya tenía problemas con la censura de la época, como bien refleja la película) cuando se estrenó tras unas ocho representaciones exitosas, cosa que Salieri desconocía. Después puso su empeño en que no apareciera en la temporada teatral, como advertía Leopold Mozart a Nannerl cuando se estrenó: "Hoy se presenta por primera vez en el escenario la ópera de tu hermano "Las bodas de Fígaro". Será tremendo si tiene éxito, pues sé que sobre él se ciernen intrigas inconcebiblemente torvas. Salieri, con todos sus partidarios, pondrá una vez más todo su esfuerzo para remover el cielo y la tierra".

Estos rumores venenosos fueron recogidos por el poeta y gloria nacional rusa Alexander Pushkin en "Mozart y Salieri" de 1830. La historia quedó así, además de otras ridículas teorías sobre la autoría asesina de la francmasonería, hasta 1979, la obra de teatro de Peter Schaffer que estrenó en Londres con un Salieri omnipresente y es en la que se basó el Amadeus de Forman.

Amadeus nunca fue el nombre de Mozart, jamás lo utilizó. Nació el 27 de Enero de 1756 como Johann Chrysostomus Wolfgang Gottlieb Mozart. Johannes Chrysostomus era el santo del día. Gottlieb, por el abuelo materno, fue traducido por Mozart al latín como Amadeus, en 1770 como Amadei al italiano y desde 1777 como Amadé. Jamás utilizó Amadeus, nunca, Amadeus no existe, es un fantasma. Como el Mozart y el Salieri de la película.

Tenía más el recuerdo del trailer, más risitas estúpidas y más presencia del compositor, pero en realidad la película es de Salieri. Todo gira en torno a él. No nos muestran la vida de Mozart, solo retazos mal engarzados y mal narrados. La película se hace muy cuesta arriba, es aburrida y anti climática. Primero porque las licencias se tornan en memeces cuando se presenta a Mozart como un ser infantil y despreocupado en lugar de un hombre alegre al que le gustaban los placeres de la vida pero sin ser un libertino en ningún caso. Le gustaban las mujeres y el juego del amor, de lo contrario no entenderíamos sus óperas, Papageno/a es el ejemplo más pueril de esos juegos amorosos muy presentes en el film. Segundo, por lo grotesco y ridículo que suena que componía todos esos "torrentes musicales" (empieza la telenovela) al dictado divino, un mandato divino sentado al pianoforte, como un medium de Dios, menuda güijas debía hacer con toda la masonería reunida al completo. Tercero por el giro que toma la película desde que Mozart enferma y el mensajero enmascarado, que existió en la realidad pero no con esas ínfulas, le encarga el Réquiem. Entramos en el terreno de la soap opera.

Tenemos finalmente a un Mozart entregado a Salieri, de una ingenuidad divertida, se fía de su enemigo musical y prefiere que se haga cargo de todo, le entrega su vida y su muerte. Un Murray que además de las pestilencias envidiosas que suelta por su boca necesita una limpieza de la misma urgentemente, los dentistas las regalan, entérate y regatea un buen precio. Tom Hulce está mejor de lo que recordaba, hace el papel que le han dictado y lo hace bien. El diseño de producción, vestuario y la reconstrucción de la época es lo mejor del film junto a la dirección musical de Neville Marriner.

Adaptar el magistral relato de Zweig parece en principio una temeridad. No confiaba en la película, las críticas tampoco ayudaban y ,además, me costó entrar en ella. La primera parte es la más floja y la que más se aparta del libro de Zweig. Es una reconstrucción lineal y poco destacable de un drama histórico de época. La anexión de Austria a la Alemania nazi no dice nada nuevo y parece hecho con plantilla. Podría haber resumido todo el primer tercio salvo la relación con su mujer ya que depués lo utilizará brillantemente en ese emotivo final.

Es una buena adaptación porque respeta la esencia del relato y, además, lo complementa con nuevas lecturas (homéricas). Lo destacable y brillante es la desorientación que crea el film en el espectador, que es la misma que padece el protagonista de la Novela de ajedrez y que es desordenada como la de Ulises. Jugando con una puesta en escena funcional porque no alardea sino que crea esa sensación de inestabilidad espacio temporal, de relojes que se atrasan automáticamente, de viajes en el tiempo, de epopeyas febriles y de resistencia heroica feroz, animal y espiritual, y siempre sobrehumana. Juega con una confusióin de narraciones paralelas (tres espacios temporales) de una forma muy brillante y en absoluto gratuita. Un director que prefiere la eficacia del relato al ego autoral. Nada sobra en esa vistosa también puesta en escena, que como digo, está en función de la narración, que respeta al autor del relato en su espíritu y en su esencia.

Describe la anulación del individuo y su conversión en otra cosa, en un animal, en una bestia, un autómata matemáticamente determinado. Una máquina de ajedrez que lucha contra esa otra máquina mucho más perfecta e irracional, esa nueva Alemania , representada por ese jugador tosco, ruso en el libro, soez pero triunfador, metódico en su destrucción del ego, que es la definición que se da de ese juego (ajedrez) y por ende, de cualquier otro. Es ese horror geométrico que describía Primo Levi como nadie ha hecho.

El personaje del interrogador, más culto e inteligente, más hábil soldado que estúpido embrutecido peón, más astuto contrincante político a temer que tosco y analfabeto campeón de ajedrez, pone contrapunto a la dimensión heroica de la lucha, de esa odisea febril, de esa hazaña pesadillesca y alucinada.

Buena película infravalorada con un Oliver Masucci que parece el clon de Mads Mikkelsen y que hace un trabajo de maestro. Actorazo bien secundado y muy bien dirigido. Me sorprendió gratamente.