Sean Connery le cogió enseguida el ritmo y se hizo suyo al personaje de 007 desde su aparición en "Dr. No" cuando, en el casino, recita por primera vez a Sylvia Trench el consabido " Bond, James Bond". Es el Bond perfecto: varonil, machista, mentiroso, fuerte y, pese a todo, encantador. El perfecto héroe-antihéroe de los 60.

Para quien suscribe esta crítica, "Desde Rusia con amor" es el mejor Bond de Connery (junto con "Goldfiner"), y una de las tres mejores películas de la franquicia, por los siguientes motivos:

- La saga crece mucho en relación con el primer título. Dr. No era mucho más pequeña en todos los sentidos (presupuesto, espectacularidad, guión, extras, exteriores, etc). Aquella era como un ensayo de lo que tenía que venir después. Éste título es mucho más espectacular, se ha invertido mucho más dinero en el casting, el guión, la producción y en la localización de exteriores, así como en efectos especiales.
- Para saber si una serie tendrá éxito, es fundamental que el segundo título esté a la altura. "Desde Rusia con amor superó todas las expectativas" y es el motivo principal por el que hoy todavía se ruedan películas de James Bond.
- El guión es de hierro. Es de los mejores guiones de la saga. El ritmo es muy alto, la película no tiene un respiro, enlaza escenas con un ritmo vertiginoso y no deja descansar al espectador.
- Connery está magnífico. Para mí, es su mejor interpretación de toda la serie junto a "Operación Trueno". Le ha cogido el punto entre machista y chulesco que requiere el personaje, se mueve como un felino por la pantalla y anda sobrado. Su interpretación es de una maestría y oficio casi insultante.
- La chica Bond (Daniella Bianchi, ex Miss Italia y finalista de Miss Universo 1960), aunque tuvo que ser doblada su voz, reconozcamos que es bellísima. La escena en la cama con Connery, mientras Spectra les espía a través del falso espejo, es de una modernidad (incluso a día de hoy) y sensualidad abrumadoras.
- Los actores están a un muy alto nivel (especial mención para el asesino, un Robert Shaw teñido de rubio, y Pedro Armendáriz en su último papel antes de morir).
- El malo Robert Shaw es de los mejores de la serie y, sin duda, ha servido de inspiración para mucho personajes posteriores, tanto dentro de la franquicia como fuera de ella. Un gran acierto de casting, sin duda. Lotte Lenya (con su inolvidable zapato con cuchilla) está magnífica, y brilla a un alto nivel.
- Es la última película de Bond antes de la moda de los "artilugios" y gadgets que se harían famosos después.
- El Orient Express está perfectamente filmado, de forma que casi se convierte en un personaje más de la película.
- Cada dólar invertido está en reflejado en la pantalla. Y esto es un gran mérito de los productores y del director.
- El ritmo no decae, y la película se hace incluso corta.
- Gran banda sonora. Romántica y misteriosa al mismo tiempo.
- Es el mejor Bond al 100%.

Como curiosidades, destacaría que:
- "Desde Rusia con amor" es la última película que vio el presidente norteamericano John F. Kennedy. Fue en un pase privado en la Casa Blanca, dos días antes de ser asesinado en Dallas.
- Es la película preferida de Sean Connery, y también es una de las tres favoritas de Albert Broccolli, junto a "Goldfinger" y "La espía que me amó".
- Es la primera película de la saga en la que aparece Bloefeld (aunque de espaldas).
- Es la primera aparición de Q en la franquicia.
- No sé a ustedes, pero a mí esta cinta me trae recuerdos de la más antigua "Con la muerte en los talones" (1959): en ambas el protagonista es un espía que lucha contra una organización clandestina para apoderarse de un secreto que no deja de ser un mcguffin. Cary Grant y Sean Connery podían haber sido intercambiados entre ellos en sus papeles en ambas películas y el resultado hubiera sido muy parecido. En ambas aparece una rubia que también es espía y que se enamorará del protagonista. En ambas el protagonista se pasa la película enfundado en un elegante traje. En ambas hay escenas en un tren muy parecidas (la escena de la comida, la del compartimento, etc). En ambas el protagonista es atacado desde el aire (una avioneta fumigadora en la de Hitchcock, y un helicóptero en esta). En ambas el protagonista aún no ha salido de una situación de peligro y ya se ha metido en otra. Etc, etc...

Lo mejor: el primer encuentro en la cama entre Connery y Bianchi. Me encantó la virilidad de él, la sensualidad de ella y el "voyerismo" de Lotte Lenya (magnífica en su papel). Todo el cine de Bond está concentrado en esta maravillosa película.
Lo peor: las transparencias finales en Venecia. Son demasiado evidentes y se podrían haber trabajado un poco más.

"Desde Rusia con amor" no es sólo puro entretenimiento. Es una gran película. Probablemente, la mejor de Bond.

Basada en una obra de Francis Iles titulada 'Before the Fact', la película fue escrita por Alma Reville (esposa de Hitchcock), en colaboración con Joan Harris y Samson Raphaelson, quien en más de una ocasión declaró que este era el mejor guión que había escrito. Estamos ante una comedia que también es un drama de suspense, algo típicamente hichcockiano.

Supuso el primer trabajo juntos entre el director británico y Cary Grant, el "alter ergo" del maestro, un actor súmamente elegante a la par que ambiguo (todavía hoy se discute sobre sus tendencias sexuales), pero perfecto para el tipo de papel que le exigía Hitchcock en cada uno de sus films.

Acompaña a Grant la inimitable Joan Fontaine, que ya había trabajado con Hitchcock en 'Rebeca' (Único óscar a la mejor película en 1940 del director británico), y que ganó un óscar por su interpretación en "Sospecha", dando vida a Lina, una solterona que, para dejar de serlo, se casa con un playboy (Grant), a pesar de desconocer prácticamente todo de éste (después del viaje de novios ella descubre que él está arruinado y no tiene un céntimo. Poco a poco, sin embargo, irá descubriendo cosas peores de su flamante marido). La película es un juego contínuo entre director y espectador, lanzando continuamente "sospechas" (de aquí el título) para intentar averiguar si Grant es algo más que un caradura simpático: es o no un asesino, se preguntará finalmente su esposa y, con ella, el público.

A continuación os expongo las razones por las que os recomiendo verla:
- Porque es una película de Hitchcock, razón más que sufiente.
- Porque Joan Fontaine ganó el único premio de la Academia de Hollywood que ha recibido un intérprete en una película de Hitchcock.
- Porque es el primer trabajo de Grant con el maestro, demostrando qué gran actor es.
- Porque contiene una de las mejores secuencias de la filmografía del maestro (la del vaso de leche, en donde se colocó una luz dentro del vaso para reforzar visualmente el contenido del mismo).
- Porque sin ser la mejor película de Hitchcock, es una película fundamental en su filmografía.
- Porque, junto con "Rebeca" y "Recuerda", conforma una trilogía dentro de la obra del británico.
- Porque no es fácil encontrar el cameo de Hitchcock.

Divertidísima película made in "Ozores" que parodia a la española sin ninguna vergüenza (faltaría más) el cine clásico de terror (tiene de todo: casas encantadas, hombres lobo, fantasmas, muertos vivientes, jorobados, sirvientes asesinos, ama de llaves avariciosa, gigantes deformes, lisiados, tesoros ocultos en lápidas funerarias, pasadizos secretos, noches de tormenta en castillo aislado, comitivas fúnebres, etc).

La película se rodó en cuatro días y sin apenas presupuesto (aprovechando el éxito del cine de destape y las comedias españolas de la época). Sin embargo, gracias a un guión acertado del propio Mariano Ozores (algunos chistes muy fáciles y su doble sentido son antológicos) y a unos personajes que brillan a gran altura (especialmente inspirado está el pasante "Armando Bollos" caricaturizado por Pajares y el fantasma que borda Antonio Ozores), la película es súmamente entretenida, el ritmo no desfallece en ningún momento y las risas están aseguradas (siempre y cuando no te tomes la película en serio, claro está).

A continuación os expongo el porqué merece tanto la pena verla (una, dos o cuantas veces se quiera):
- Porque es la mejor interpretación de Pajares después de "Ay Carmela". Está que se sale, sus frases son súper ingeniosas, su rictus transmite lo que pretende el guión y realiza un trabajo de interpretación tan impecable que los espectadores sufrimos con él ante la belleza y el cuerpo de Adriana Vega.
- Porque no está Fernando Esteso ni Juanito Navarro, lo que, de paso, permite dar más metraje a Pajares para que éste se luzca sin compasión.
- Porque todo el reparto es magnífico, y raya a gran altura. Mención especial para la admirada Adriana Ozores como la hija bastarda de su padre, Luis Lorezo, en su sempiterno papel de mariquita y José Carabias, el recordado sr. Adjunto del programa de televisión "Lápiz y papel" (¡qué desaprovechado ha estado siempre este pequeño-gran actor madrileño!).
- Porque Antonio Ozores, en su papel de fantasma, está divertidísimo (y además, se le entiende cuando habla, a diferencia de lo que ocurría en el concurso de televisión Un, dos, tres). Si Pajares está muy bien, Ozores está de excelente.
- Porque contiene alguno de los mejores chistes contra el gobierno del momento de la UCD. Se mete con Suárez ("Un último consejo. vote a Suárez, a los fantasmas nos va bien", le profiere Ozores a Pajares después de darle un susto de muerte) y con Abril Martorell ("Vaya, hombre, ya sabemos lo que ha hecho UCD con Abril Martorell", suelta Pajares al ver un esqueleto torturado en la escalera que conduce al sótano del castillo). También hay referencias a Fraga, Miguelito Bosé y Mari Trini. Incluso Pajares se atreve con una más que digna imitación de Raphael cuando los sirvientes de Marcelo le amenazan con cantar en la rueda de la tortura.
- Porque el teaser inicial, con el pasante y la futura viuda que pretende sonsacar a éste las últimas voluntades de su marido de una manera poco ortodoxa, pero muy previsible en el universo Ozores ("uf,¡qué calor hace aquí!), es divertidísimo. Además, el gag en que Pajares llama "Sra. de Miura" en lugar de "Sra. de Moira" a la viuda, es de los que marcan época.
- Porque es una prueba de que no hace falta grandes presupuestos para hacer una película entretenida.
- Porque es cine español en estado puro, para lo bueno (que es mucho), y para lo malo (podría haberse destinado un poco más de presupuesto a los efectos especiales, como en la transformación del hombre lobo, por ejemplo).
- Porque Mariano Ozores se descojona del cine de terror y nosotros con él.
- Porque contiene divertidísimos homenajes al cine de terror patrio anterior, como las transformaciónes del hombre lobo a lo Paul Naschy, los muertos templarios de Ossorio, la mismisima Santa Compaña gallega o el "Manco del Espanto" (José Carabias con el brazo tieso).
- Porque aparecen dos felpudos ("morenitos y rasuraditos" según palabras del propio Pajares) tan grandes como porciones de pizzas. El de Alexia Loreto está más poblado/descuidado, pero no por ello desmerece, en absoluto.
- Porque Adriana Vega, que sólo lleva puesto medio liguero en toda la película, nos lo enseña todo (muslo, pechuga y tesoro). Para mi gusto, es en esta cinta especialmente y en "La masajista vocacional"(1981) es donde Adriana Vega está más bella, sin importarnos siquiera sus limitaciones actorales. De hecho, es la única actriz de la película que su voz fue doblada (por Paloma Escola). Suponemos que con 20 añitos que contaba entonces le costaría un poco declamar ante tantos y tan buenos actores que le acompañaban en el reparto, por pura responsabilidad.
- Porque todos desearíamos estar en la piel de Pajares intentando descifrar "lo que he escrito en estas ligas".
- Porque es irreverente y políticamente incorrecta: se mofa de la homosexualidad con el hombre lobo gay (Maria Luisa Ponte llama "marica" varias veces a Lorenzo), es machista (trata a la mujer como objeto sexual), se ríe de los enanos, de los tullidos y los retrasados, e incluso contiene algún que otro chiste racista por parte de Antonio Ozores al final de la cinta ( "Este hombre lobo no es de muy buena raza...tiene el pelo como a lo afro").
- Porque, desgraciadamente, hoy ya no se hacen películas así. Ningún productor apostaría por ellas y se consideraría cine casposo, irreverente y políticamente incorrecto. Seguramente ni se llegarían a estrenar por la presión social que se ejercería en su contra. Por esto añoramos tanto este tipo de films. En cierto modo, y a su manera, es un clásico, una pequeña joya de nuestro cine que hoy admiramos y degustamos con cierta nostalgia.
Ya sé que por calidad no merecería un 8. Sin embargo, a mí personalmente me divierte mucho esta cinta de principio a fin, y creo que es una muy buena opción para pasar un rato muy divertido. Háganme caso y sigan a Pajares en su periplo por Torres Negras. No se arrepentirán.

Especie de homenaje/masaje/promoción/autobombo/reportaje de la revista Hola perpetrado por el director Orlando Jiménez Leal (al que nadie conoce una obra mínimamente decente), a modo de pseudo-documental, para mayor gloria del cantautor español Julio Iglesias, que entonces ya era más cantante que autor y triunfaba por todo el mundo, con éxitos tales como el propio título de la cinta o con la canción que abre el film "Pregúntale").

El caso es que éste es el segundo (y por suerte, el último) intento del hijo de Papuchi (el inefable ginecólogo Dr. Iglesias Puga) de abrirse camino (si es que le hacía falta) en el mundo cinematográfico, después de la más que digna "La vida sigue igual" (1969), en la que se nos contaba, convenientemente adulcorado, cómo fueron, supuestamente, los inicios de nuestro cantante patrio más famoso a nivel mundial. Ésta segunda "Me olvidé de vivir" (¡qué buen título para una canción!) nada tiene que ver con aquella primera, y pretende contarnos lo que es el día a día del cantante, pero desde un punto de vista casi de documental, como pretendiendo dar un realismo que no casa con el estilo cinematográfico de la época. Significativo es, en este sentido, que en los países latinoamericanos la cinta se conociera con el título de "Todos los días, un día". En fin, que la cosa no acaba de funcionar y la película, en realidad, no tiene un pase. Afortunadamente para el espectador, después de ésta, Julito dejó ya definitivamente los caminos de la interpretación para centrarse en lo que mejor sabe hacer: cantar (aunque tenga poca voz, es cierto) y alardear de su eterno bronceado y de sus más de mil quinientos escarceos amorosos en las revistas del corazón.

La película en sí misma es muy floja. Como aspectos positivos, sólo puedo destacar:
- La presencia (que no la actuación) de la bella Isa Lorenz, como el ligue serio del cantante.
- El doblaje de Julio a través de la voz del sr. Juan Carlos Ordóñez. Éste, con su voz, logra hacernos creer que quien habla es Julito. Un buen imitador, aunque nunca he entendido el porqué del doblaje en este caso.
- La aparición del gran Tony Martin, cantando a dúo con Julito "As times goes bye", lo que evidencia lo bueno que es uno y lo mediocre que es el otro (ustedes elijan). Como se suele decir, las comparaciones son odiosas, y no sé si la aparición en esta película del primero deja en buen lugar al segundo.
- El valor de pseudo-documental de revista del corazón de la vida de Julio que para algunos pueda tener (no para mí, que considero el guión súmamente artificial).
- El paseo de Julio por la playa con el quad se ha convertido en una escena mítica, pero más propia de un videoclip que de una película que se precie.

En el haber negativo (que es mucho) de la cinta mencionaría:
- El resto del doblaje es pésimo.
- El guión (?) es infumable.
- Algunos diálogos son de vergüenza ajena (la referencia a King Kong y las torres gemelas no puede ser menos inspirada y más desafortunada).
- La realización y la planificación de algunas escenas es de becario del "Chiringuito de jugones".
- Los personajes son muy superficiales y están poco desarrollados (especialmente los interpretados por Antonio Gamero y Emilio Gutiérrez Caba, que pretenden ser graciosos y, no sólo no aportan nada, sino que consiguen el efecto contrario).
- La trama es muy lenta y previsible.
- Está rodada como a través de un filtro nebuloso que tiñe la película de videoclip ochentero.
- La película, en sí misma, se hace larga y aburrida. Ni las canciones la salvan.

En definitiva, una nueva película para fans muy incondicionales del cantante, claramente inferior a la primera "La vida sigue igual", y a otras cintas interpretadas en aquellos tiempos por otros famosos cantantes patrios como Serrat (véase "Paraules d'amor" o "La larga agonía de los peces fuera del agua") o Raphael ("El golfo"). Eran todos muy hábiles entonces para aprovechar el tirón de nuestros cantantes y llenar las salas de cine.

Le pongo un 2. No aprueba ni por las canciones. No consigue nada de lo que pretende. No pierdan el tiempo.

Más que interesante película de artes marciales rodada para mayor gloria y lucimiento del simiesco Chuck Norris, encarnando aquí a un lobo solitario en busca de su hermano Seikura (de quien se sabe que fue expulsado de la familia por perder el honor), que ha montado una especie de campamento para entrenar y formar ninjas asesinos, con finalidades delictivas y terroristas.

Como digo, la película tiene puntos interesantes y otros más bien flojos. Entre los primeros, destaco:
- La presencia del duro por antonomasia del cine made in EEUU de los años 80: el gran Chuck, de rostro impertérrito, demostrando que no sólo sabe dar patadas, sino también que se maneja perfectamente con la espada. Y ahí está el gran mérito de la cinta: Chuck no se limita a soltar puñetazos y patadas en giro, sino que demuestra que puede ser tan buen samurái o ninja como el propio Tom Cruise. Es la única película de Norris en la que combina sus puños con la espada, y lo hace perfectamente.
- La presencia del siempre interesante Lee Van Cleef, en un demasiado breve papel. El mérito está en convertir al Van Cleef en "bueno" (jefe de un clan que lucha contra el terrorismo internacional), puesto que con su rostro siempre se le atribuían papeles de malo en el cine.
- El conseguido clímax final y el recorrido que Norris tiene que superar, matando uno a uno a sus adversarios, hasta llegar a enfrentarse, en duelo a muerte, con Seikura.
- La voz en off interior del protagonista: es algo muy original en una película de 1980, aunque a veces con la misma no se sabe bien si Chuck es un ninja, un samurái, un jedi o un tipo con doble personalidad. En cualquier caso, es un recurso narrativo suficientemente hábil para ser considerado.
- El guardaespaldas y secuaz de Seikura, experto en artes marciales, que no dice palabra en toda la película, pero que en cada aparición infunde un miedo terrible con su vestido negro y morado y su cara tapada.
- Los pechos de Carol Bagdasarian y su encamamiento con Chuck. Es la única rival de talla a la que se enfrenta nuestro héroe.
- La magnífica fotografía y montaje de la última escena.
- Que es una película sumamente entretenida, si lo que deseas es olvidarte durante hora y media de la rutina diaria.

Entre los puntos débiles de la película, destacaría:
- El campamento de ninjas parece un campamento de verano para scouts sacado de un programa cutre de 13TV.
- Los ninja parecen comprados en un todo a cien: aunque voluntariosos, no son para nada creíbles.
- Los secundarios, especialmente los que aparecen en el campamento, no aportan nada, y sus personajes no están nada desarrollados. Es una pena, porque podrían haber aportado mucho más y enriquecer la cinta.
- Los diálogos son bastante malos, y la química entre Norris y Karen Carlson es imposible.
- A Norris, que es bajito, le ponen botas con tacón para no parecer tan bajo en los planos que comparte con terceros. Incluso en el duelo con el guardaespaldas de Seikura, cambian al actor que interpreta a éste por uno más bajito, para que Chuck parezca más alto de lo que en realidad es. Una lástima, porque el guardaespaldas se vuelve menos amenazante.
- Norris es la inexpresividad elevada a la quinta potencia. A algunos esto les gustará porque dirán que así es más duro. A mí, personalmente, me parece un déficit actoral.
- La banda sonora es cutre, y los encuadres, pésimos.
- Da la sensación de que es una película hecha con cuatro dólares.

Lo mejor: Chuck Norris en plena forma contra un ejército de ninjas asesinos dispuestos a todo. Es muy entretenida sin demasiado presupuesto.
Lo peor: Casi todo lo demás. Si le quitas a Norris, la película no tiene un pase. Pero Norris es mucho Norris, y por esto, y porque la puedes ver repetidas veces sin cansarte (yo lo he hecho) y pasártelo bien, le pongo un 6.