Hacia mayo de 2013 escribía que habría que seguir a la directora Céline Sciamma tras el visionado de la asombrosa "Tomboy". Con "Retrato de una mujer en llamas" (2019) se confirma su habilidad para transmitir intensidad emocional con una aparente sencillez. No sé si es necesario insistir en la consolidación definitiva de esta creadora después de disfrutar de una propuesta singular y de una magia que impacta.

"Petite mamá" comienza con la muerte de la abuela de Nelly y los días posteriores de luto en la casa donde la madre de la niña pasó la infancia y donde la familia irá a recoger sus pertenencias. Es allí donde conocerá a una simpática vecina de su misma edad con la que establecerá una relación muy especial que la conectará directamente con el pasado y las vivencias íntimas de su madre. Esta fusión intergeneracional de espacio y tiempo se produce a través de un realismo mágico sugestivo y con múltiples insinuaciones sin recurrir en ningún momento a efectos fantasiosos o impactantes. Los gestos, miradas, diálogos justos o conexiones diversas entre las dos amigas son las herramientas más importantes que la directora utiliza con habilidad para elaborar un auténtico poema de amor y de luto.

La directora ya nos demostró en "Tomboy" su especial habilidad para dirigir a niños a la hora de captar su particular universo con una capacidad sorprendente para descubrir códigos, miradas y silencios para empaparnos de una mezcla de espontaneidad e inocencia muy difícil de ver en cine. En este último trabajo lo vuelve a conseguir sacando lo mejor de dos niñas actrices que son hermanas en la realidad.

Aunque la cinta sólo dura unos fascinantes setenta minutos podemos decir que cada plano es esencial a la vez que añadir algo más estropearía la integridad de la obra.

No se lo piense dos veces si desea establecer una maravillosa conexión con un singular universo infantil y sus propias pautas para enfrentarse a un duelo y reforzar el vínculos amorosos con una madre. (8,5)

Paulina es la hija de un juez consolidado en una carrera prestigiosa que, una vez terminados los estudios y con la posibilidad de emular a su padre, decide ir a trabajar en un proyecto sobre derechos humanos en una zona marginal y deprimida. Al cabo de unos días es víctima de una agresión sexual y, a partir de ahí, todos los principios y convicciones deben mostrarse en una cruda realidad.
Todo comienza con un plano secuencia magistral de una conversación intensa entre padre e hija. Todo muy normal. Como en cualquier familia acomodada con unos vástagos que quieren pasar una breve temporada en una ONG, a ser posible, en un país bien exótico . Una buena manera de bregarse y volver con un buen lavado de conciencia. Otra cosa es mantener las determinaciones poniendo el propio cuerpo por medio. Otra cosa es romper con la palabra la espiral de violencia que supone una justicia burocratizada y vengativa que realmente lo que busca son culpables y no la verdad. Y mucho menos la convivencia o la justicia social.
Si recordáis "Relatos salvajes", "Paulina" si sitúa en las antípodas. Mientras en la primera gira todo en torno a la venganza, la obra que nos ocupa se acerca mucho más a la búsqueda de las causas de los sucesos para remediarlo sin alimentar en ningún caso el rencor a través de una represión desmedida y que se ceba en los más débiles y marginados. Estamos ante una propuesta desconcertante para las conciencias acostumbradas a la lógica desnuda de delito-castigo. Un conflicto ético, vivido y alejado de las divagaciones demagógicas que ya nos tienen muy hartos.
Este desafío lleno de compromiso, además, está narrado de forma brillante y plenamente acorde al mensaje que se quiere transmitir a cargo director Santiago Mitre, desconocido para mí. Los juegos temporales de cortar el hilo de una escena para volver atrás desde el punto de vista de otro personaje, nos muestra continuamente que la realidad no es única sino que está filtrada por la vivencia de cada uno. Si añadimos una cámara que te sitúa dentro de las sensaciones y angustias de los personajes sin resultar convulsiva y unas interpretaciones de altura, destacando la protagonista Dolores Fonzi, podemos concluir que estamos ante una excelente película.
No se la deje perder si desea experimentar lo que significa caminar con la fuerza de las convicciones con la dignidad por bandera en una secuencia final memorable. (8/10)

El formato miniserie, que viene a ser una película larga, se está imponiendo de forma contundente y David Simon ha querido entrar... ¡Y de qué forma!
La trama está basada en hechos reales de la historia de la ciudad de Yonkers durante los años 80 donde el jovencísimo alcalde Nick Wasicsko tendrá que hacer frente a una orden judicial que le obliga a construir vivienda de protección oficial enfrentándose a la oposición de la ciudadanía.
Estamos ante una experiencia llena de sentido y contenido a la vez. De ritmos pausados ​​y medidos que te va empapando de una intensidad plena y emotiva, en un crescendo que no te deja en ningún caso indiferente a pesar de los hechos reales sean conocidos. Una exposición coral de los diferentes perfiles que habitan la ciudad alrededor, claro, de un protagonista que tiene que bailar un baile que no le apetece y hace las cosas porque le toca hacerlas. Una multitud de personajes que representan perfectamente todo lo que nos vamos encontrando en la vida real: la esperanza de mejora, el activismo testarudo junto al más empático y solidario, el oportunista desleal, las bofetadas que te da la vida, el miedo a todo aquello que no conocemos, el amor que crece y se marchita, el peligro de creernos el papel o las diferentes caras del odio y el racismo.
El retrato que se hace de la política municipal es de un realismo y una profundidad que demuestra el poso de The Wire y el trabajo periodístico acumulado por David Simon. Un gobierno municipal donde los personajes más grises y funcionariales se convierten con su trabajo intenso y poco gratificante en los auténticos protagonistas (¡nunca héroes!) que hacen funcionar de forma más o menos eficiente la maquinaria municipal. No sabría mencionar una interpretación que destaque entre todas pero se puede citar a Oscar Isaac en el papel protagonista y la vuelta de Clarke Peters (el entrañable detective Lester Freamon de The Wire).
Una serie para los que ya no buscamos héroes ni líderes para ninguna parte porque no existen. Un relato complejo, cosido al milímetro y que dibuja una sociedad donde el miedo se retroalimenta junto a una esperanza que hay que cuidar con deleite si no queremos echarlo todo por la borda. Por el momento, la mejor serie que he visto este año y creo que será difícil superarla. (9/10)

Después de unas buenas críticas (con algunas excepciones como la de Boyero) a partir de una verdadera prueba de fuego como es la inauguración del Festival de Cannes nos llega una singular y colorista narración alrededor de la idealización del primer amor pre-adolescente. El director Wes Anderson lo deja muy claro en una entrevista al confirmar que no son sus recuerdos del primer amor sino “los recuerdos que le hubiera gustado tener”.
Hecha esta prevención tenemos que valorar la cinta a partir de las formas que presenta y todo aquello que rodea la trama más allá de la historia como tal. La magia que lo envuelve consigue crear un estado de ánimo juguetón y mirada simplona a pesar de que cada escena, cada diálogo y cada detalle están encajados y muy elaborados. A destacar cada uno de los personajes “adultos” que rodean a la pareja protagonista y que vienen a representar acertadamente todas las miserias e hipocresías del mundo de la madurez: el padre anímicament desvalido y fuera de juego, el solitario un poco ignorante pero emocionalmente empático y solidario, la encargada de los servicios sociales que simboliza la fría y distante eficiencia o los diferentes jefes de campamentos juveniles que llevan como bandera la rigidez para esconder la inutilidad. Esta riqueza de retratos adultos también se encuentra en los compañeros de campamento o hermanos de los protagonistas dibujando perfiles estereotipados de personalidades muy definidas. Esta riqueza es, en mi opinión, uno de los valores más importantes de esta cinta.
Por otro lado, el tratamiento formal se excede al dar un tono muy personal y único que no consigue del todo crear un ambiente mágico y con un ritmo dinámico. El guión tiene momentos con excesivas repeticiones y la figura del narrador externo no acaba de enlazar con explicaciones, a veces, innecesarias.
En definitiva, estamos ante un film muy, pero que muy, particular (cine de autor, tal y como le gusta al Festival de Cannes) al cual se tiene que mirar con la predisposición de quien asiste a un cuento juguetón, un poco “naïf” y lleno de una ingenuidad inquietante y con un doble sentido muy muy conseguido.

Blog en catalán: http://gmapesa-somni.blogspot.com.es/2012/06/moonrise-kingdom-exaltacio-de-la.html

Si el valor de una película se calculara por su relación calidad/precio está claro que esta se llevaría un 10 muy merecido. Si tenemos en cuenta que la ayuda institucional a todo cine Rumano está mucho por debajo de cualquier de las indemnizaciones que se han llevado estos ilustres rateros de la banca española el mérito se incrementa como una típica burbuja inmobiliaria.

Hecha la bromita, hay que decir que la cinta nos narra un drama de reformatorio que está a la altura de "celda 211" o "un profeta" si tenemos en cuenta su fortaleza y contundencia, a la vez que también me recuerda la angustia de "la soledad del corredor de fondo". A partir de una propuesta sencilla y muy típica (la vida de un joven residente para superar cualquier obstáculo y humillación para conseguir proteger a su hermano) se nos muestra toda una serie de imágenes y escenas sugerentes con unos diálogos mínimos -incluso en exceso- que van perfilando, con una historia de amor incluida, un final necesariamente dramático pero digno y lleno de sentido para el protagonista.

La obra, a pesar de ser la ópera prima del joven director Florin Servan, llega avalada por máximo galardón al Festival de Berlín y por ser candidata a los Oscars. A destacar la magnífica interpretación del joven protagonista y el ritmo de guion que no permite ningún descanso a pesar de que los diálogos no sean más que los imprescindibles. La cámara con sus movimientos y encuadres nos permite ser partícipes de casi cada una de las respiraciones y angustias del protagonista hasta el límite de meterte en su piel y "entender" su expiación. Y éste, a mi parecer, es el gran mérito de la cinta: hacerte sentir todos los miedos de un joven que la vida ha maltratado de una forma brutal y persigue con toda su energía un objetivo muy loable a pesar de un sistema represivo e inútil el el sentido de la reinserción.
Mi puntuación llega hasta un 9 para premiar un cine que sale de la absoluta nada y que comunica sin pontificar ni ningún victimismo una trama potente y que te engancha.