*Los inicios pueden despistar

Hasta el fin del mundo arranca con una escena cargada de tensión, acción, violencia y sangre que puede dar un indicio falso de lo que va a ser el devenir de la historia. Mortensen plantea una trama que bien podría verse reflejada en los western clásicos de búsqueda, captura y venganza. Nada más lejos de la realidad, el director decide tomar un camino muy distinto, presentándonos un drama —melodrama, a mi parecer— familiar en el que las relaciones de los protagonistas son las verdaderas conductoras de la historia.

*Dirección Vs. Montaje

Si algo tiene claro el realizador es que no pretende hacer un ejercicio de dirección rocambolesco. Viggo Mortensen presenta una película de corte clásico en la que deja que los protagonistas sean los que se luzcan en pantalla. No busca hacer grandes movimientos de cámara ni trampantojos de ningún tipo, tampoco busca llenar el encuadre con elementos que pretendan cargar con gran simbolismo la escena. Él está ahí por y para los actores. Y sí, como director no busca destacar, pero a nivel interpretación está bastante bien, haciendo ver que para él no pasan los años.

Sin embargo, el montaje se contrapone a la dirección. En este caso, el director opta por una estructura más postmoderna, dejando el relato al servicio de los continuos flashbacks sobre la vida de los protagonistas, en especial, la de Vivienne. El personaje de Vicky Krieps, se encarga de tomar las riendas en los acontecimientos pasados y además, en oposición al corte clásico mencionado anteriormente, denota cierta carga simbólico-fantástica en los recuerdos de su infancia.

*'Hasta el fin del mundo' para nostálgicos

Viggo Mortensen se regala una película de lo más personal, permitiéndose un particular homenaje a sus raíces europeas, pues ninguno de sus dos protagonistas es americano y, concretamente, el del director es danés.

No es un western de acción, sino una película movida por el amor y la añoranza en la que todos sus personajes brillan. Vicky Krieps se encarga de tomar el peso de la narración en todas sus escenas interpretando a una mujer fuerte e independiente, mientras que el antagonista, Solly McLeod, está de lo más terrorífico portando, en todo momento, sombrero y guardapolvos negros, como en las clásicas películas del oeste. Aunque es cierto que el montaje fragmentado hace que cueste más seguir el hilo narrativo, Mortensen puede estar satisfecho del trabajo que ha realizado.

Escrito por Alejandro Sanjuán Giménez

*En busca de su madre

Deep sea: viaje a las profundidades, es una película de animación que viene desde el país de la Gran Muralla. San Su, es una niña que fue abandonada por su madre hace unos años. Su padre ha rehecho su vida al lado de otra mujer, y le ha dado un hermanito. Un crucero familiar será el detonante del alucinógeno viaje que esta jovencita vivirá. Una noche guiada por lo que parece la voz de su madre, a la que añora continuamente, cae por la borda y su viaje comenzará en un mundo acuático a bordo de un submarino lleno de seres pintorescos. Que es una especie de restaurante gigante. Así nace lo que será un descubrimiento en pos de dar con su madre. Estamos ante una película que su director construye de forma inteligente, pero algo difícil para niños.

*Algo rebuscada la animación

Esta nueva muestra de animación, es un viaje para los sentidos. Estamos ante una película que está diseñada para que el espectador deje por casi dos horas la realidad atrás. La paleta de colores, viajes psicodélicos, y un torbellino de piruetas abstractas, se dan la mano durante todo el film. Los sentimientos de la pequeña, su anhelo por su madre, y el poco caso que su padre le hace tras contraer nuevas nupcias, la sumergen en una burbuja de invisibilidad ante su familia.

El director nos ofrece esos sentimientos de pena y búsqueda, atraves de todo un caleidoscopio de arte pintoresco. Juega con las formas y colores, en una animación realmente brillante, pero que por momentos se me hizo algo cansina, ante el aluvión de imágenes a toda velocidad. Es como estar delante de un cuadro abstracto, y sentir que al final con menos intensidad de colores habría valido igual. Lo que nos quiere transmitir está ahí, eso lo hace de fábula, pero tal vez, hacerlo más sencillo, habría supuesto que los más peques la disfrutaran igual que los adultos.

*Bebe de otras fuentes pero manteniendo su origen

Deep sea: viaje a las profundidades, tiene un aire que bebe indudablemente del mejor Miyazaki. Ese que nos deslumbró con El viaje de Chihiro (2001) o El castillo ambulante (2004). Pero sin renunciar al propio arte de su país, con los retorcidos personajes (el chef del submarino es una especie de Joker del universo DC ) que aparecen en pantalla, su humor totalmente diferente al japonés, y sobretodo como contar la historia. El ritmo del film es trepidante, tomándose solo determinados momentos para la reflexión, y dejando que nosotros descansemos de la amalgama de fluidos y retorcimientos que la animación nos ofrece. Con todo, el film se labra por el buen hacer de la trama, y eso hace que se nos vaya en un suspiro.

*Conclusión

Apuntar en vuestra agenda la fecha de estreno de este film de animación. Deep sea: viaje a las profundidades, es una muy buena película. Ofrece algo nuevo dentro de lo ya clásico, y eso hay que alabarlo. Su director Tian Xiao Peng, ha conseguido parir una película que una vez vista perdurará en el tiempo. No se si por la historia, pero desde luego por lo arriesgado de como hacerlo. Esa mezcla de CGI a la última, con la tinta china clásica, han creado un aspecto visual muy rico, pero como decía más arriba, el ritmo trepidante es algo sofocante, sin llegar a molestar del todo.

Estamos ante una de las mejores cintas de animación de lo que va de año sin duda, eso sí, yo no la recomendaría para menores de 10 años, pues las metáforas y diálogos en ocasiones se pueden hacer confusos a esas edades. Con todo, quién se acerque a ella, desde luego no la olvidará. Un drama con aventuras marinas a la cabeza.

Escrito por Víctor Vega Cuervo

*Basada en un libro

La idea de tenerte es una agradable sorpresa. Basada en la novela homónima de la escritora y actriz Robinne Lee. La cinta es una bonita historia de amor que reivindica el género. Brindando una historia encantadora de amores improbables. En este caso entre Solène (Anne Hathaway), una madre divorciada que acaba de cumplir los cuarenta y Hayes (Nicholas Galitzine), el líder veinteañero de una banda de pop mundialmente conocida. Dos almas un tanto faltas de confianza, que fruto del azar y del mítico Coachella, se darán una oportunidad para explorar esa conexión que parecen tener.

Un inicio prometedor que se nutre, innegablemente, de la presencia de un director como Michael Showalter, experto en tratar eso tan universal del amor y las relaciones desde perspectivas muy interesantes y originales. Él estaba detrás, entre otros, de la loca serie Love (2016) y él cuenta en su filmografía como director en solitario con la encantadora y diferente La gran enfermedad del amor (2017). Ejemplos de que es posible acercarse a estos territorios sin fórmulas fáciles y monótonas. Sabiendo lo que al fin de cuentas busca el espectador en este tipo de historias, pero dotándolas siempre de una voz propia y un pulso verdadero.

*Reivindicación del disfrute sin importar la edad

Siendo, en La idea de tenerte, el placer uno de sus temas principales. El placer para decidir hacer con tu vida lo que quieras, sin importar si tienes veinte o cuarenta. El placer para disfrutar de aquello que la vida te brinda. Aquí y ahora. Sin ese miedo a lo que los otros puedan decir o pensar. Simplemente dejarse llevar y sobre la marcha decidir. Sin importar si tienes una hija de dieciséis años o de doce. Porque, ¿acaso se es peor madre por desear? Esta es una interesante reflexión, ya que en la película el personaje interpretado por Anne Hathaway tendrá que hacer frente a bastantes miradas entrometidas. Miradas y lo que no son miradas.

Ya que este peculiar romance a la diferencia de edad habrá que sumar el anonimato de ella y la inmensa repercusión pública de él. De hecho en algunos momentos puede llegar a recordar a la inolvidable Notting Hill (1999), aunque en este caso el conflicto o dificultad aparente es la diferencia de edad. Así como la vertiente absolutamente pública que tienen hoy en día las personas públicas. Con esta era digital que ya no permite a las estrellas entrar de extranjis en una pequeña librería con una gafas de sol oscuras y una boina. Aquí Hayes, el cantante que podría estar influenciado por bandas como One Direction, es perseguido allá donde va por una nube de paparazis. Con lo que su amor deberá pasar la prueba del ojo público y de las consecuencias que ello puede provocar en las personas cercanas.

*Anne Hathaway y Nicholas Galitzine trasmiten mucha complicidad

Aunque más allá de conflictos inevitables, La idea de tenerte destaca por el inmenso atractivo que desprende su pareja protagonista. Anne Hathaway está maravillosa como una madre divorciada y sensible que se arriesgará a lo desconocido. Una mujer real, que la americana desde una adorable sencillez. Ella llena cada plano. Incapaz de resignarse ante aquello que a nadie puede hacer daño. Y Nicholas Galitzine está también estupendo. No debe ser fácil no desentonar ante la experiencia y naturalidad de Hathaway, pero el británico se muestra atractivo, vulnerable y entrañable. Al tiempo que demuestra sus habilidades musicales.

Dos interpretaciones cautivadoras y muy convincentes fruto de un guion que sabe moverse armoniosamente por los derroteros de la comedia romántica. Muchas veces divertida y tierna. Siempre real y pegada a la tierra. Ni tan siquiera sus casi dos horas parecen un lastre. Ya que la cinta sabe lo que quiere. Siempre tomándose muy en serio a su público, cosa que es de agradecer.

*Conclusión

En definitiva, La idea de tenerte es una estupenda comedia romántica. Una adaptación muy, pero que muy digna de una novela del mismo nombre. Un romance de esos inesperados, entre una madre divorciada de cuarenta años y un veinteañero líder de una banda de pop. Un romance que con originalidad y simpatía consigue una bonita historia, muy creíble e inteligente. Con una Anne Hathaway realmente cautivadora y muy cómoda, que consigue brillar con fuerza en un papel mucho más profundo de lo que pueda aparentar. Estando a su lado un Nicholas Galitzine que le aguanta el tirón con mucha solvencia. En un ejemplo de comedia romántica bien hecha y de reivindicación del placer. Del ahora. Aunque a algunos les pese.

Escrito por Laura Tabuyo Acosta

*El retrato de un sistema abusivo

Corea del Sur recoge una de las mayores cifras de suicidio anuales, siendo la población más joven los más afectados. Su sistema estudiantil competitivo y la obsesión de las corporaciones y empresas por tener el mayor rendimiento lleva a sus estudiantes y trabajadores a situaciones de presión extremas.

La competencia por llegar a lo más alto empieza en la escuela, seguido de la presión familiar y social por entrar en las mejores universidades y en las mejores empresas, un ciclo de perfección y exigencia que no tiene fin. Justicia para Sohee es el ejemplo perfecto de este sistema tan abusivo y el resultado desolador de la presión a la que se somete a los jóvenes surcoreanos.

Justicia para Sohee está dividida en dos partes, la primera está basada en hechos reales: cuando una joven estudiante de instituto en prácticas en una empresa de atención al cliente termina suicidándose debido a las malas condiciones de trabajo y la presión por parte de la propia escuela. La segunda mitad de la cinta nos adentra en las investigaciones de una agente de policía que descubre el sistema corrupto detrás de las instituciones encargadas de adentrar a los estudiantes a la vida laboral.

Con Justicia para Sohee, la cineasta pretende abrir los ojos de la sociedad exponiendo las situaciones a las que se enfrentan la juventud del país, la poca empatía por parte de las instituciones y la obsesión con las cifras y los buenos resultados que parecen estar por encima de las propias personas. Es imprescindible que no exista una nueva Sohee, y ese es precisamente el objetivo de July Jung, ofrecer justicia a la joven a través de una magnífica pieza cinematográfica.

*July Jung nos deleita de nuevo con su cinematografía realista

La cineasta, conocida por su cinta de 2014 Un monstruo en mi puerta, vuelve a centrarse en la crítica social y el retrato pausado y realista de una parte de la sociedad surcoreana. Justicia para Sohee es una pieza honesta, con una fotografía aparentemente sencilla, pero que realza ese realismo tras su historia. July Jung es una directora con una visión terrenal de los problemas mundanos en la sociedad coreana, contando historias a través de tópicos controversiales dentro del país asiático.

Con apenas música ni giros de guion dramatizados, la cineasta consigue envolver al espectador en una nube de desolación y frustración, con unos personajes atrapados en las garras de la corrupción de un sistema que pone más en valor sus beneficios que la propia salud de sus trabajadores. “Como un pez que se muerde la cola”, la película nos lleva paso a paso por el proceso de moldeamiento de la juventud surcoreana en una sociedad donde el trabajo y las apariencias lo son todo.

De una forma discreta, aunque eficaz, Jung nos muestra la importancia del apoyo familiar, en este caso, las consecuencias de la falta de este. La salud mental sigue siendo un tema delicado en Corea del Sur, y Justicia para Sohee nos enseña la frialdad y la vergüenza con la que algunos núcleos familiares y laborales pueden llegar a tratar un tema tan desolador como el suicidio.

*Dos protagonistas femeninas hundidas por la sociedad

Justicia para Sohee hace un trabajo excepcional demostrando que la presión laboral, los abusos y la depresión son problemas que afectan a todo el mundo. La joven Sohee es una chica fuerte, decidida, que no se deja someter por nadie. Pero toda esa fortaleza y resiliencia se va apagando poco a poco por culpa de aquellos que más deberían haber reforzado su tenacidad y pasión.

Ese es precisamente uno de los temas que trata el filme: los malos tratos en el trabajo afectan a cualquiera. La pobre Sohee se ve atrapada en un sistema que se aprovecha de su corta edad y desconocimiento del mercado laboral para explotarla. Kim Si-eun, la actriz que da vida al personaje, consigue dibujar con destreza el proceso depresivo por el que puede llegar a pasar una persona, desde física hasta emocionalmente.

Por otro lado, la agente de policía interpretada por la magnífica Bae Doona nos presenta a un personaje hastiado, hundido del mismo modo que Sohee por el sistema y la sociedad. ¿Qué nos quiere decir Jung con eso? La cineasta ilumina tenuemente el camino. Es una mirada positiva al futuro, pues sí que existe gente dispuesta a luchar por la justicia de los demás.

*Conclusión

Justicia para Sohee es una mirada realista y desoladora a las condiciones laborales de los jóvenes surcoreanos. La cineasta de Un monstruo en mi puerta nos trae una historia basada en hechos reales. En ella critica la corrupción y los abusos en el mundo laboral, así como ese sistema competitivo al que hacen frente los estudiantes surcoreanos.

July Jung desborda con un filme pausado, pero emocionalmente cargado. Con unas actuaciones sobresalientes tanto por parte de las dos protagonistas Kim Si-eun y Bae Doona, y el resto del reparto. Un thriller dramático con tintes de slice of life que no deja indiferente a nadie.

Escrito por Gemma Rubio Massó

*Polanski carga contra la alta sociedad y el público

El sello de Roman Polanski va innegablemente ligado a lo que conocemos como cine en mayúsculas, pues así lo demuestra su extensa y multidisciplinar filmografía. Del mismo modo, está estrechamente vinculado a la polémica (el caso más sonado el de haber sido declarado culpable de un delito de violación en los años 70 por el que cumplió una pequeña parte de la condena al huir a Europa). Por esta razón se le conoce por ser uno de los grandes exponentes en la dicotomía artista-obra. Empero, tenemos por seguro que tanto separatistas como unionistas encontrarán consenso ante la última película del polaco.

Al parecer, y a pesar de sus 90 años, el cineasta galardonado con el premio Óscar no se achanta. Y es que, de igual manera que utilizó el caso Dreyfus para construir un discurso autobiográfico y lanzar los pertinentes dardos envenenados sobre aquellos que lo incriminan “injustamente”, ahora arremete contra la opinión popular tirando de mal gusto.

Con un guion secundado por nada menos que Eva Piaskowska y Jerzy Skolimowski, The Palace nos recuerda a la reciente El triangulo de la tristeza; advirtiendo también claras reminiscencias a Gosford Park o El gran hotel Budapest. Sin embargo, este alojamiento no parece compartir las características de los anteriores; más bien es una pensión de mala muerte rodeada de lujo artificial.

*`The Palace´ y su hermosa envoltura visual frente al ridículo y lo escatológico

El visionado arranca con una prometedora primera escena que, tal y como advertíamos antes, bajo su belleza y buen manejo de la cámara esconde una trampa para los espectadores. Y no es otra que convertir una elegante crítica hacia la jet set y sus extravagancias en un relato caricaturesco, desconcertante y vago en humor (casi tanto como el CGI).

La presentación corre a cargo del director del hotel, Hansueli (interpretado por un correcto Oliver Masucci), quien realiza las inspecciones finales en el personal ante la llegada de los invitados. Una vez finalizada la reunión, llega el momento de recibir a los pintorescos huéspedes. Mafiosos rusos, estrellas en declive, cirujanos plásticos de dudosa profesionalidad… ¡Hasta un Mickey Rourke irreconocible! Todo cabe en el escenario planteado por Polanski donde los preparativos de una fiesta legendaria poco a poco desbordan al servicio y nos conducen hacia el apocalipsis.

Quizás los muchos problemas que tuvo The Palace con la financiación económica durante su producción tengan algo más que ver con el hecho de causar vergüenza ajena que en las polémicas que rodean a la figura del director. Lo que en un principio tiene como propósito causar risa realmente resulta bochornoso. Y decimos "en un principio" porque es imposible creer que el autor de El Pianista, La semilla del diablo o Repulsión haya sido capaz de idear semejante bodrio de forma impremeditada.

The Palace pone el foco en la jornada de los peculiares visitantes previa a la gran celebración. Los malabarismos del personal y la sucesión de ridículas situaciones a las que deben hacer frente logran contagiar la risa en algún momento puntual, pero ni siquiera las extravagancias consiguen salvar los muebles en un texto carente de conflicto. ¡Si es que ni las obscenidades resultan estimulantes ni escandalosas!.

*Conclusiones

Ver a los ricos y poderosos haciendo el idiota y el mequetrefe, demostrando que la clase no está en la capacidad económica, siempre está bien. Con todo ello el desarrollo de la narrativa aclara que estamos ante una tragedia adrede. Uno llega hasta los créditos finales y cuesta creer, especialmente teniendo en cuenta el último plano, estar ante una película de Roman Polanski.

Eso sí, al menos debemos reconocer que el director ha cumplido con creces su objetivo, pues no puede ser otro que el de crear una obra ridícula y gratuita. Tan absurda que solo interesa en ella el apellido de quien está tras la cámara y tan decepcionante que no es capaz ni de provocar al público. Cualquiera estará deseando hacer el check out de este hotel una vez dado al play.

Escrito por Antonio Fuentes Belando