Sean Baker se ganó la confianza de la crítica con el estreno ‘Tangerine‘, película independiente que contaba con una prostituta transgénero de protagonista y cuyo principal reclamo fue haber sido grabada con un iPhone. Dos años después vuelve al celuloide con ‘The Florida Project‘, arriesgada cinta que explora, a través de los ojos de una niña, las miserias de los olvidados que aún sufren los efectos de la crisis económica, y que convierte a su director en unas de las voces más prometedoras del cine indie.

Moonee es una niña de seis años que pasa el verano en un motel muy próximo a Disney World Orlando. El motel y los alrededores constituyen para ella y sus amigos su particular patio de recreo, un patio marcado por una miseria social imperceptible para ellos al estar enmascarada tras el cristal opaco de la mirada infantil. Una mirada, la suya, tierna y mágica.
En esa realidad, la única que han conocido los personajes, se las apañan para divertirse. Intentan conseguir helados gratis, imaginan sus habitaciones ideales en casas decrépitas de una urbanización abandonada, o acuden puntualmente a observar a una señora mayor tomando el sol en topless. Todo constituye para ellos una aventura, manteniéndose alejados de esta manera de la marginación social que les rodea.
Sin embargo, la película deja entrever que, a pesar de todo, sí que son conscientes hasta cierto punto de su situación, tal y como refleja lo que le dice Moonee a su amiga en un determinado momento: “You know why this is my favorite tree? ‘Cause it’s tipped over, and it’s still growing.” Y es así como podría definirse la triste realidad de los personajes, árboles podridos que crecen hacia donde pueden y donde se les deja.
Dicha escena parece casi una antesala de lo que está por llegar, la pérdida de la infancia y su correspondiente paso a la edad adulta, aquella en la que todo lo que antes era una celebración se convierte en una sensación de injusticia y desesperanza, algo que Moonee experimenta con su primer y desconsolado llanto desconsolado, no siendo ya solo capaz de saber cuándo un adulto está a punto de llorar, sino entendiendo también el porqué de dicho llanto.

Los adultos, por el contrario, no corren semejante suerte. Sus vidas están infestadas de responsabilidades, estando al cuidado de niños a la espera de un marido que huyó de casa para jamás regresar, trabajando en empleos mal pagados en cafeterías o tiendas de regalos, o recurriendo a todo tipo de engaños para lograr pagar el alquiler. Aparecen representados principalmente por dos personajes: Bobby, el gerente del motel, y Halley, la madre de Moonee.
Bobby intenta compaginar sus obligaciones como principal responsable del correcto funcionamiento del motel con el cuidado y la protección hacia sus huéspedes. En particular, hacia los niños que habitan en él, siendo una especie de guardián de su inocencia, lo que se percibe en escenas como en la que deja de lado la tarea de pintar la fachada del motel para acudir raudo ante la presencia de un posible pedófilo para echarlo del lugar. Un particular ángel de la guarda que, no obstante, acaba sucumbiendo y rendido ante las inclemencias que sufren los que le rodean, incapaz de preservar la inocencia de sus protegidos. La bondad del personaje se deja entrever en numerosos actos: prometiendo arreglar las lavadoras que no funcionan ante la indiferencia de sus usuarios, espantando a las aves que se plantan frente a la entrada para evitar que sean atropelladas, o prestándose a pagar el incremento de la tarifa de un motel contiguo en el que Moonee y Halley tenían que pasar una noche.
Halley, por su parte, es el personaje en el que más se aprecia la flaqueza moral, dispuesta a recurrir a engaños, robos y prostituirse para lograr dinero con el que poder pagar el alquiler, dispuesta a cualquier cosa por salir adelante, y fracasando en el intento. Sin embargo, es loable su empeño en lograr que su hija no sea consciente de la realidad que les rodea tomándolo todo como un juego, tal y como los castigos de limpiar un coche en el que ha escupido previamente o limpiar la habitación ante la visita de los servicios sociales.

La película cuenta con numerosos aciertos, entre los que se encuentran una narrativa que huye de una estructura formal y opta por ofrecer pequeños fragmentos que resumen las vivencias de los protagonistas, permitiéndonos observar de esta manera su devenir diario, una exquisita puesta en escena, saturada de colores cálidos y preciosos encuadres, y una magnífica labor interpretativa por parte de todos los implicados, con unas extraordinarias Brooklynn Prince y Bria Vinaite y un maravilloso Willem Dafoe, nominado a mejor actor de reparto en la próxima edición de los Oscars.
Sin embargo, no todos los aspectos del film están igual de logrados, pudiendo achacársele un constante subrayado de las miserias de sus protagonistas o una excesiva cantidad de escenas que no aportan nada y no hacen sino inflar el metraje.

La precariedad laboral, la ruina económica, las familias disfuncionales, la fatalidad de lo inevitable, el peso de ser adulto teniendo apenas veinte años. El inclemente sol de Florida, el arcoíris posado sobre el tejado púrpura del motel, los fuegos artificiales en plena oscuridad de la noche, la magia de ser niño. Es en esta dualidad donde la película crece, ofreciendo dos universos, Disney World Orlando y el motel, tan cercanos como alejados entre sí.

En definitiva, ‘The Florida Project’, es un triste relato sobre el fin de la infancia que sirve a su vez de retrato de la clase marginal más afectada por la crisis, olvidada y apartada de la sociedad, con sus miembros refugiados en moteles de carretera cubiertos de pintura de colores, a un paso del paraíso prometido, pero privados de la pulsera para acceder a él.


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Denis Villeneuve es un director que se atreve con todo. En su filmografía se encuentran títulos tan diversos como ‘Incendies’, road movie sobre una intriga familiar con la Guerra de Líbano de fondo, ’Enemy’, drama psicológico sobre un profesor que lleva una vida monótona hasta que un día descubre que tiene un doble, ‘Prisioneros’, thriller sobre un padre que decide actuar por su cuenta ante el secuestro de su hija pequeña, o ‘Sicario’, dura crónica sobre la lucha contra las drogas en la zona fronteriza entre Estados Unidos y México. En esta ocasión, el director canadiense se pasa a la ciencia-ficción y rueda la mejor película del género de los últimos años.

‘La llegada’ cuenta con un guión de Eric Heisserer basado en el premiado relato ‘La historia de tu vida’ de Ted Chiang. La historia se desarrolla a partir de la repentina llegada de unos alienígenas a nuestro planeta, ante lo cual el Gobierno estadounidense contrata a la lingüista Louis Banks, interpretada por una soberbia Amy Adams, para averiguar si vienen en son de paz o si suponen una amenaza a nuestra especie. Louis afronta la difícil tarea de intentar comunicarse con los extraterrestres, cuyo lenguaje difiere mucho del nuestro. Para ello contará con la ayuda del matemático Ian Donnelly, interpretado por Jeremy Renner.

La película dista mucho de la típica cinta del género, ya que aquí la acción y las batallas dejan paso a una exploración sobre cómo el lenguaje determina la manera en la que vemos el mundo. Sin embargo, el film no es ningún tratado sobre lingüística, siendo el vínculo de una madre con su hija fallecida el verdadero núcleo del argumento. Es más, la llegada de los alienígenas es tan solo el punto de partida para el desarrollo de la historia, siendo ésta un insólito relato con elementos de ciencia-ficción cuya vertiente emocional engulle todo lo demás.

Amy Adams realiza la interpretación de su vida. Ella es el corazón de la película, cuya actuación resulta vital para creernos lo que le ocurre a su personaje y asimilar que esto no va realmente sobre extraterrestres, sino sobre cómo su llegada afecta a la humanidad. Su interpretación es soberbia, exponiendo con acierto tanto la fragilidad de su personaje y sus dudas como su determinación y valentía.

A ello se suma la excelente dirección de Villeneuve, teniendo siempre claro lo que quiere contar y la forma en que quiere contarlo, la magnífica fotografía de Bradford Young y el buen hacer en la banda sonora de Jóhann Jóhansson, creando entre todos ellos un espectáculo visual con una lograda sensación de agobiante calma.

En definitiva, ‘La llegada’ es una intimista película que nos habla del amor, el miedo y la pérdida como pocas veces se ha hecho. La mejor película de 2016 y una obra cumbre del género.

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Matthew Vaughn, una vez dejó el mando de ‘X-Men: Días del futuro pasado’ a Bryan Singer, se puso manos a la obra con la adaptación del cómic ‘Kingsman: Servicio secreto‘ de Mark Millar y Dave Gibbons, en lo que resultó una de las cintas de acción más frescas y salvajes de los últimos años, una especie de película de James Bond muy pasada de rosca. Tres años después estrena su secuela, ‘Kingsman: El círculo de oro‘, película que mantiene el tono de la anterior y amplia su universo, pero que adolece del factor de sorpresa con el que contaba aquélla.

La película comienza con la destrucción de la agencia secreta Kingsman, recurso ya visto en multitud de películas de este tipo, dejando a los protagonistas supervivientes con la misión de averiguar quién se encuentra detrás de dicho ataque. En el proceso descubren otra organización de espías, llamada Statesman, paralela a Kingsman pero ubicada en Estados Unidos. Ambas organizaciones unirán sus esfuerzos para luchar contra los responsables del ataque, cuyos planes no se detienen ahí.

En esta entrega se introducen una serie de personajes nuevos, interpretados por actores de la talla de Julianne Moore, Jeff Bridges, Channing Tatum, Halle Berry o Pedro Pascal, componiendo un reparto estelar. También volvemos a ver a numerosos personajes de la primera entrega, entre ellos a Harry, una resurrección que debería haber supuesto una sorpresa para el espectador tal y como deseaba Matthew Vaughn, pero que tanto tráilers como pósters arruinaron desde que vieron la luz hace meses.

Así mismo, muchos de los elementos del anterior film siguen presentes en esta secuela, tales como el humor absurdo (ojo a todo lo que rodea el cameo de Elton John), las vertiginosas escenas de acción o la violencia explícita de las mismas. Sin embargo, se aprecia cierta dejadez que no se vislumbraba en la primera entrega, como si los chistes estuviesen menos elaborados y no se hubiese intentado recrear una escena de acción tan icónica como la de la iglesia de la primera entrega.

Lo que no se le puede negar es que no logre su objetivo, que en una película de este calibre no es otro que entretener. A ello ayuda un ritmo endiablado, a pesar de que se vea algo afectado por un metraje excesivo, el carisma de sus personajes y la labor de su elenco. Sin embargo, el resultado final no deja de ser una simpática y entretenida cinta con una historia intrascendente y que acaba pagando sus excesos y descuidos. Algo que, teniendo en cuenta quién es su director y la calidad de la anterior entrega, no deja de ser decepcionante.

En definitiva, ‘Kingsman: El círculo secreto’ es una digna secuela pero que queda por detrás de su predecesora. Si bien resulta muy entretenida, su apuesta por la acción y el humor gamberro, dejando de lado historia y personajes, no acaba de sentarle del todo bien.


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Martin McDonagh, conocido dramaturgo británico, decidió dar el salto al cine con ‘Escondidos en brujas’, película extraña de clasificar.

Sus obras de teatro están caracterizadas por su gran brutalidad y violencia extrema, y es que él mismo ha reconocido que considera aburridas las obras de Shakespeare y se declara fan de Tarantino.
Ya se había puesto detrás de las cámaras anteriormente con el corto ‘Six Shooter’, ganador del Oscar al Mejor Cortometraje.

La película está protagonizada por un excelente Colin Farrell, que seguramente realice el mejor papel de su carrera interpretando a Ray, un joven irlandés metido a mafioso que comete un error en su primer encargo, y el siempre efectivo Brendan Gleeson, que interpreta a Ken, mafioso entrado en años y protector de Ray. Curiosamente Gleeson es también el protagonista de ‘El irlandés’ y ‘Calvary’, películas dirigidas por el hermano mayor de Martin, John Michael McDonagh.
Entre los secundarios se encuentra un Ralph Fiennes tan sobreactuado como soberbio, interpretando al jefe de ambos matones.

Es difícil encontrarse con propuestas originales hoy en día, y ‘Escondidos en Brujas’ lo es.
La trama no se desarrolla en Nueva York, Londres o París, sino en Brujas, ciudad medieval de Bélgica que sirve de perfecto escenario para lo que se nos quiere contar y que se convierte en un personaje más de la película.
Los protagonistas no son criminales que vistan trajes caros y conduzcan coches de lujo, sino dos mafiosos de poca monta que han de esconderse en la ciudad por un tiempo y que discuten sobre temas tan banales como hacer turismo o emborracharse.
Los diálogos están llenos de acidez, tacos e incorrección política (se permite la licencia de llamar cerveza gay a una cerveza pequeña, por no hablar de toda la escena sobre la guerra de los enanos vs el resto del mundo).
Y, al igual que en sus obras teatrales, McDonagh imprime su sello de violencia, que no resulta gratuita, si bien es cierto que, cuando la escena lo reclama, no se corta en explicitud.
Es una película que arriesga y que corría el riesgo de estrellarse, pero afortunadamente no fue así.

Otro de sus puntos fuertes se encuentra en la banda sonora, que corre a cargo del compositor Carter Burwell (‘Fargo’, ‘El gran Lebowski’, ‘Carol’) y encaja como un guante a la película, y su metraje, 107 minutos en los que nada sobra ni falta.

El resultado es una ópera prima sobresaliente, una mezcla de thriller y tragicomedia tan oscura como humana.

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‘Rogue One’ es el primer spin-off de ‘Star Wars’, ambientado entre los episodios III y IV y centrado en el robo de los planos de la Estrella de la Muerte.

En octubre de 2012 Disney desembolsó más de 4.000 millones de dólares por la compra de Lucasfilm, una cifra que a priori puede parecer desorbitada, pero que la compañía tenía previsto recuperar y rentabilizar solo con la explotación de una de las creaciones de la compañía de George Lucas: la saga ‘Star Wars’.
Entre sus planes, una nueva trilogía que continuase los eventos mostrados en la trilogía original, estrenando un episodio cada dos años entre el 2015 y el 2019. Y, entre dichos episodios, un spin-off de la saga, siendo el primero la película que aquí nos ocupa y un segundo sobre el personaje de Han Solo, a estrenar en 2018.
La idea de realizar estos spin-off fue acogida con cautela y no estuvo exenta de polémica entre los fans de la saga, ya que muchos se temían que Disney estropease su querida saga convirtiéndola en una franquicia anual sacacuartos. Todo temor ha quedado disipado con el estreno de ‘Rogue One’, que ha sido acogida con el beneplácito tanto de la crítica como del público.

Gareth Edwards, que venía de realizar el reboot de ‘Godzilla’, fue el elegido por Disney para ponerse al mando de este primer spin-off. Sin embargo, su labor ha quedado en entredicho tras filtrarse que los directivos de Disney no quedaron muy satisfechos con el primer resultado de la cinta y ordenaron volver a filmar casi la mitad del metraje, contratando para ello a Tony Gilroy. Disney intentó quitarle hierro al asunto alegando que el volver a rodar escenas era algo común en la industria y que Gilroy se encargaría solo de ayudar a Edwards. Futuras filtraciones indicaron que, en realidad, Edwards fue apartado y Gilroy estuvo al mando, llegando a embolsarse cinco millones de dólares por su trabajo. Todo esto hacía presagiar un sonoro fracaso, ya que hace poco se dio el caso de ‘Escuadrón Suicida’, cuyas regrabaciones estuvieron rodeadas por una gran polémica y el resultado final rozó el ridículo. Afortunadamente no ha ocurrido lo mismo con ‘Rogue One’, que ha salido airosa de toda la polémica previa al estreno y ha resultado ser una entretenida cinta que expande el universo de la saga y profundiza en él.

Mucho se habló también sobre la necesidad de realizar esta película, estando yo mismo en un primer momento entre los que argumentaban que no había tal necesidad, pero he de reconocer que funciona espléndidamente como precuela a la trilogía original, explicando y solventando uno de los defectos más comentados de dichas películas.
La historia nos introduce a Jyn Erso, quien se ve obligada a huir tras observar cómo soldados del Imperio llegan a su hogar, matando a su madre y secuestrando a su padre, el científico Galen Erso, que será el encargado de construir la Estrella de la Muerte. Años después, Jyn se une al bando rebelde en una misión de alto riesgo para intentar robar los planos de dicha nave.

Al igual que ocurría en ‘Star Wars: El despertar de la fuerza‘, Disney vuelve a apostar por una protagonista femenina, interpretada en esta ocasión por la actriz británica Felicity Jones, estando acompañada por Diego Luna, Donnie Yen y Baze Malbus como sus compañeros rebeldes, Forest Whitaker como su protector y Mads Mikkelsen como su padre. En el lado del Imperio, Ben Mendelsohn ejerce de malo de la función. Cabe destacar entre los implicados a Mads Mikkelsen, mientras que la peor parte se la lleva Forest Whitaker, con un personaje repleto de tics y un tono verbal irritante (si bien esto puede ser culpa del doblaje). El problema es que, a pesar de la buena labor actoral, los personajes resultan un tanto planos y no se aprecia en ellos el carisma de los personajes de la trilogía original o de la nueva.

En cuanto a lo ocurrido con la banda sonora, no queda sino culpar al estudio por lo sucedido. Michael Giacchino tuvo que sustituir a Alexandre Desplat a última hora, teniendo apenas un mes para terminar de componerla, siendo el resultado decepcionante si se compara con el trabajo realizado hasta ahora por John Williams. No es que llegue a ser mala, pero sí que pasa bastante desapercibida.

Por otra parte, el ritmo de la película va de menos a más, teniendo la película un comienzo más lento y pausado y desembocando en un tercer acto que es uno de los más entretenidos de los vistos en cualquiera de los blockbusters de este año, siendo verdaderamente el punto fuerte de la película. Un clímax que se desarrolla en dos niveles: tierra y espacio, en el que todo funciona a la perfección gracias a un soberbio montaje.
Además, la película cuenta con un final atípico y arriesgado, habiendo declarado el director que, cuando se lo presentó al estudio, no pensaba que se lo fuesen a permitir rodar.

Otro de los puntos fuertes de la película es la breve pero emocionante aparición de Darth Vader. Apenas dos escenas en las que nos recuerda por qué es uno de los villanos más famosos del cine.

En definitiva, ‘Rogue One’ no pasará a la historia como la mejor película de la saga, pero sí que resulta una entretenida aventura que expande el universo de ‘Star Wars’. Tiene sus defectos y dista de ser perfecta, pero su tercer acto hace que le perdonemos sus errores y que disfrutemos de este digno primer spin-off.

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