De vergüenza ajena es la escena en la que el protagonista va en busca de los datos y las armas para su última misión. Su contacto le da una dirección: “Consigna xxx Union Station Baltimore”, y el director nos lo manda a un taller abandonado, en las afueras de la ciudad, donde hay dos taquillas desvencijadas, un coche abandonado y unas mesas llenas de polvo y basura. Atención especial al candado de alta tecnología que cierra la taquilla-consigna oxidada.
La consulta del siquiatra siniestro tampoco tiene desperdicio, con sus archivos científicos ultrasecretos: un armario ropero sin cierre con una caja de cartón dentro. En realidad parece el piso de alguno de los miembros del equipo del que se han sacado los muebles y se ha tapado la pared que aparece siempre tras el protagonista con una cortina. Atención especial también a la funcional mesa del loquero.
El escenario final en un supuesto subterráneo es también bochornoso, salpicado de llamitas y chatarras que supuestamente forman un sofisticado laboratorio de biotecnología. Destaca el botellón donde tienen al clon regenerándose, que revienta con un golpecito de la chica. Y una vez fuera, el clon es activado ¡con una llamada de móvil!

Llegó un momento en que dudé si no estaría viendo un ensayo de minimalismo cinematográfico.

Y luego el guion. ¿Para qué necesitan al clon asesino si continuamente lo siguen unos tipos con un francotirador encargado de matarlo si no obedece su “condicionamiento”? (Por cierto los guionistas no tienen ningún escrúpulo en copiar de “La naranja mecánica” el método de condicionamiento, con los alambres que le obligan a abrir los ojos incluidos, pero no para asociar lo que quieren que olvide con escenas de nazis o de terror, sino con unas imágenes neutras: o no entendieron nada de la película de Kubrik, o quieren reírse de los espectadores) ¿Cómo regeneran al clon? ¿Cómo lo vuelven a instalar en su casa? ¿Cómo le restauran siempre una misma personalidad que le permite reanudar su vida cotidiana con su “mujer”?
Y sobre todo, en la escena final ¿cómo se cruza la chica con el ascensor que cae al fondo mientras ella asciende por el mismo hueco del cajón agarrada al cable que ha cortado el protagonista? ¿Y cómo huye luego de la casa que camufla la entrada al subterráneo, una cabaña de madera que explota totalmente –en un efecto tan cutre que pone la guinda final a la película– en medio de un bosque virgen, sin instalaciones de acceso de energía, o simplemente una carretera para los que allí curran?

Describir la búsqueda de un camino por una actriz en medio de unos arbustos, sin mover la cámara y dejando que la pobre actriz pase una y otra vez por delante como un zombie, es muy cutre, chico.
Dejar la pantalla en negro durante varios minutos mientras se oyen –o no- palabras sueltas de no se sabe quién, podría tomarse como una respetuosa y trasnochada cita de la normativa “dogma” – filmar sólo lo que habría en un escenario real, sin luces ni sonidos añadidos- , suponiendo que los directores sepan qué era aquello tan “mode’no” y tan coñazo; o podría pasar como detalle estilístico galaico (uno de los críticos habla de minimalismo, jejeje), pero cuando se repite la broma cada vez que en la narración (¿qué narración?) se hace de noche, la cosa se pone muy petarda.
Repetir una pregunta y su respuesta tres veces en la misma escena, tal vez tenga un profundo sentido expresivo que se me ha escapado, pero me da a mí que no, que es torpeza pura y dura del guionista, si lo hay.
Y la guinda final es la pira crematoria del último plano: una pira construida con ¡helechos secos!, y ¡enterrada!