*Amar

Russel T. Davies sabe cómo pocos creadores, brindar historias llenas de humanidad y de personajes fascinantes. Hay un florecer en esta historia, hermoso, cálido y enternecedor, que resulta rematadamente intrínseco de la juventud y la vida misma; aunque la juventud de una persona queer llega a verse ensombrecida y más, cuando uno la vive en la década de los ochenta. It’s a sin es una miniserie que te atrapa desde el minuto uno, por lo carismáticos y genuinos que llegan a ser sus personajes. Cada uno es muy distinto entre sí, pero ninguno de ellos te resulta irrelevante o simplón.

Las amistades y vivencias que llegan a cultivar entre ellos, los marcan de mil maneras posibles, en medio de una sociedad que los marginaba y los forzaba a esconderse del resto. Todo el mundo daba por hecho de que había que mantener en secreto la homosexualidad; ya que podía implicar despidos fulminantes, arrestos policiales, etc… A pesar de ello, los protagonistas de esta serie se atreven a gozar de la libertad de amar sin límites, creando un mundo paralelo a su alrededor. En ese aspecto, tiene una estructura narrativa muy parecida a la del largometraje de Robin Campillo, 120 pulsaciones por minuto; en ambas hay una catarsis emocional y sexual, que sirve como antesala de lo que posteriormente pasara.

*Culparse

Esa catarsis y libertad juvenil que experimentan nuestros protagonistas, acaba siendo quebrantada por el virus del VIH. La ambientación que exhibe It’s a sin está muy lograda, al igual que se narra de forma muy acorde con la realidad de aquella época. Había una confusión y desinformación atroz, con respecto a la propia naturaleza del VIH. ¿Cómo llega uno a infectarse de ello? ¿Qué se debe hacer para no contraerlo? ¿A qué grupo de la población le afecta? Son algunas de las preguntas sin respuesta que van afligiendo a los protagonistas. Esa estigmatización y discriminación por parte de la sociedad mayoritaria hacia el colectivo queer, es uno de los aspectos principales que se aborda en la serie; ya que el VIH sirvió como la justificación perfecta, para perseguir y castigar las conductas homosexuales.

Al final vamos viendo cómo va calando en este grupo de individuos, la gran falacia del castigo divino que recibe alguien por el mero hecho de ser gay. Es uno de los elementos que hacen de esta ficción, algo muy difícil y descorazonadora de ver; ya que vemos a personajes que derrochan una verdad y humanidad, que hace que te resulte imposible sentirte ajeno a su dolor. It’s a sin nos habla de un pasado que tiene semejanzas con el mundo actual. Un mundo que aún no ha sabido desprenderse de los enjuiciamientos y pensamientos dogmáticos de la religión.

*Avergonzarse

Otro dato interesante que me gustaría apuntar, es el que tiene que ver con el nombre de la serie. El nombre de la serie, hace referencia a la mítica canción de la banda británica, Pet Shop Boys. Os animo a todos aquellos que vayáis a ver la serie, a que escuchéis y leáis cada una de las estrofas de esta canción; ya que trasmite de manera directa, el espíritu de esta serie.

Después de la culpa llega la vergüenza y con ella, la fatalidad y el miedo. La vergüenza es otro de los elementos narrativos que trata la serie y que considero importante a destacar. Esto lo vemos principalmente, a través del personaje de Ritchie Tozer y su familia. Aunque es una serie coral en la que todos tienen un protagonismo equilibrado, considero que la historia de este personaje es la más clarificadora. El arco narrativo de este personaje tiene una evolución interesante y a la vez compleja, que lo convierte en el punto de inflexión final. Él es el resultado de esa culpabilidad y vergüenza a la que se han visto sometidos todos los demás, en menor o en mayor medida. Hay una especie de “plot twist” final (del que por supuesto no hablare), pero que le parara a más de uno la respiración por un instante.

*Conclusión

It’s a sin es una miniserie dura, desoladora y que va directa al corazón del espectador. Otra obra maestra más la que nos brinda Russel T. Davies, siguiendo la estela de otras series como Queer as Folk y Years & Years. Una miniserie que te encandilara desde el primer minuto por su increíble trama, al igual que por sus genuinos y carismáticos personajes. Una de las sensaciones seriefilas de este 2021, que no me cabe la menor duda que dará mucho que hablar. En definitiva, es una miniserie que alberga mucha verdad y humanidad. Una miniserie que se podrá disfrutar a partir del próximo 23 de Enero, a través de HBO España.

Escrito por Daniel Jimenez

*Un relato a lo Rashomon

Monster tiene como punto de partida la preocupación de una madre (Sakura Ando) por el extraño comportamiento de su hijo. Tras indagar, descubre que las razones del malestar de su hijo parecen provenir de su profesor, quién a su vez tiene una versión de los hechos que se opone, posteriormente, a la del niño. A lo largo del metraje veremos los acontecimientos desde desde la mirada de las tres partes, dándole a la película las características narrativas de lo que se suele conocer como efecto Rashomon: unos mismos hechos narrados desde distintos puntos de vista.

*Las "trampas" de Koreeda

Hirokazu Koreeda, director al que le gusta mucho valerse de herramientas que le vinculen emocionalmente con el espectador, utiliza este vistoso recurso principalmente para sorprender y jugar con las expectativas. Cuando creemos que sabemos todo sobre el hecho principal, añade nuevos detalles que nos hacen cuestionarnos todo. Una idea interesante, evidentemente, pero que el japonés utiliza de forma ciertamente tramposa. No es lo mismo relatar un mismo hecho desde distintos puntos de vista que ocultar deliberadamente información en cada uno de ellos. Y por desgracia, Koreeda cae en ese modus operandi que es en cierta forma deshonesto con la premisa .

Tampoco ayuda su tendencia al subrayado en los momentos más dramáticos, que suelen venir acompañados de tristes melodías, compuestas por el recientemente fallecido Ryuichi Sakamoto. Son partituras muy bellas, a la altura de su leyenda, que seguramente merecían un uso menos obvio.

*Claros y oscuros

Una pena que estos defectos sobresalgan por encima del resto de elementos de la película, porque por lo demás Monster tiene numerosas virtudes. Es una obra que maneja muy bien distintos registros, funcionando muy bien en las situaciones cómicas y consiguiendo generar escenas de indudable emoción (más allá de la insistencia de Hirokazu Koreeda en evidenciar que son, pues eso, emotivas).

Es igualmente una obra que aboga por la tolerancia y el amor, representada en la preciosa relación entre los niños protagonistas (Soya Kurokawa y Hinata Hiiragi) y que a raíz de sus múltiples puntos de vista (teniendo en cuenta ese "Monster" del título) se vale de la idea shelleyniana de que uno es un monstruo dependiendo de cuáles sean los ojos que miran. Son ideas discursivas y argumentales muy interesantes y valiosas que permiten que Monster consiga brillar en algunos momentos.

*Conclusión

Monster es un trabajo llamativo por su estructura y emotivo por su contenido, pero también afectado por una cierta deshonestidad de su director.

Escrito por Juan Galarza López

*El misterio de la felicidad

La mejor manera de adentrarse en El agente topo es ir sin ningún tipo de conocimiento sobre el largometraje. De esta forma, el espectador va descubriendo poco a poco la magnitud de la historia, la cual comienza como una comedia de espías muy agradable, que pronto acoge su verdadero ser. Por lo cual, no es un documental al uso, sino que ha buscado, a través de una aparente ficción, dar rienda suelta a la verdadera historia que se desea contar. Por un lado, ese aspecto de “agente secreto”, permite que sea el nexo de unión entre los distintos relatos que se plantean en el film. Una forma interesante de unificar las distintas partes. Incluso, llega a contar la suya propia y siendo parte de lo que se está narrando y la necesidad emocional de hacerlo.

Hablar de la tercera edad es una misión muy importante en sociedad, dado que se pueden ver perfectamente algunas de las problemáticas que envuelve la situación de estas personas durante la vejez. Sin embargo, lejos de mostrarse desde una vertiente más oscura, o triste, se consigue dar luminosidad con la alegría de las distintas personas que la forman. Gracias a desengranar las vidas que hay detrás, se conecta perfectamente con las distintas líneas que se conforman. Igualmente, hay un punto desgarrador en toda esa inocencia, donde las vidas en paralelo confluyen y es el sentimiento de la soledad. Por este motivo, las sensaciones invaden la película según va avanzando, dejando un final reflexivo sobre cómo son tratadas las personas de mayor edad por la sociedad. Aún así, no busca la lágrima fácil, sino que siempre alude a una solución, que cada uno debe mirar en sí mismo.

*Nuestros mayores

El principal misterio de El agente topo trata la misión especial de este particular agente secreto. Por tanto, el espectador va conociendo la realidad del asunto al mismo tiempo que va explicando la situación. Así, Sergio Chamy se convierte en el principal narrador de esta realidad, con una naturalidad muy agradable y con un carisma muy elegante. No se deja llevar por la comedia innecesaria, sino que se muestra tal cuál es, lo que da total verosimilitud a su presencia en pantalla. De esta manera, se asienta como maestro de ceremonias, al mismo tiempo que se convierte en un perfecto espía de las vivencias que se ven en la Residencia de ancianos. Asimismo, tiene carácter. Al mismo tiempo, tiene esa sensibilidad que equilibra ambas vertientes. Se comprende perfectamente que Chamy pasara, en su momento, el casting de agente de Rómulo Aitken.

Por otro lado, las grandes protagonistas son cada una de las mujeres que aparecen en escena, dejando momentos realmente descarnados y con un increíble golpe de efecto sobre el espectador. Su influjo es tan personal e íntimo, mezclado con ese humor propio de las ocurrencias que afloran a su alrededor. No necesitan de aditivos para captar la atención del público. Al contrario, permiten sumergirse en sus vivencias y experiencias, sin necesidad de ahondar en lo más recóndito. De ahí que se entiendan las motivaciones y anhelos que hay detrás de ellas, pero no se convierta en un juicio con todo su entorno. Únicamente se busca lo que hay detrás de su situación en la residencia y cuáles son las soluciones para acabar con esas dudas que surgen como leitmotiv del film. Por último, mencionar a Aitken, el cual es el contrapunto severo.

*007, licencia para contar

El mundo del documental no siempre tiene fácil obtener una propuesta visual y artística potente, que no se fundamente únicamente en la recolección del rico material que tiene entre manos. Por esta razón, Maite Alberdi ha sabido componer un largometraje en el que hay un montaje más cercano al lenguaje de ficción, que al del género documental. Sin duda, es una forma atractiva de romper con el estándar, no utilizando las famosas declaraciones a cámara. El agente topo se acerca más al docurreality, sin caer en la parafernalia que hubiera supuesto meterlo en este nicho audiovisual. Como resultado, trae una estructura dinámica, totalmente solvente, y donde fluye toda la energía, dejando un largometraje con una viveza que se nota tanto por sus protagonistas, como por la composición artística que le acompaña. Una creación que gana gracias a esta concepción fuera de lo común.

El trabajo de Pablo Valdés como director de fotografía es estupendo, colocando la cámara en todo momento dentro de la acción, pero sin ser intrusivo. No le falla el pulso y no trae unas imágenes irregulares, que es el efecto que se suele buscar cuando la imagen está tan cerca del objetivo. Además, da esa sensación de reportajes de investigación, acorde a la identidad de “espías” que se propone desde la primera escena. No obstante, la multicámara con las otras opciones que hay, como la de las gafas, satura un poco el concepto del montaje. Es una buena idea, pero no hay sintonía entre unas imágenes y otras, por lo que no empasta como debiesen. A pesar de ello, no se utilizan estos recursos tanto como para causar problema en el espectador. Por otra parte, el montaje y el ritmo son ágiles, siendo una experiencia cinematográfica muy amena.

*Conclusión

El agente topo es un documental vivo, que ha sabido innovar en su contenido y en su forma. Sin duda, sorprende por la manera de ir desengranando los misterios que se esconden dentro de esta particular misión secreta. Además, Sergio Chamy es el perfecto nexo de unión, que da su lugar a todas aquellas protagonistas que forman parte de la película. Tienen una verdad tan tierna y cercana, que es imposible apartar la mirada. Por tanto, marca la importancia de escuchar a las personas en su plena vejez. Luego, el despliegue técnico goza de un dinamismo interesante, que se aleja de los estándares del documental y ofrece una propuesta artística cautivadora y agradable. La misión de saber la situación de las residencias con la efectividad de comprender el importante mensaje que hay detrás.

Escrito por Diego Da Costa

Historia a medias

El argumento es más o menos entretenido, parte de la base de que el enemigo no es alguien externo, sino uno de ellos: Jean Grey. Tras un accidente espacial, no será capaz de controlar sus poderes y dañará a sus seres más cercanos y queridos.

Pero no llega a explotar de todo, se queda a medias casi siempre y se siente forzado. No termina de funcionar. La cinta te lleva por un recorrido de emociones que nunca terminan de impactar. Además, el argumento es poco imaginativo, insustancial y con falta total de riesgo. En cierta manera, tiene poco sentido el desarrollo de los acontecimientos.

Personajes antinaturales

Quizá este punto es el que menos me ha gustado del filme, los personajes no terminan de ser creíbles. Y no me refiero a sus poderes y que sean mutantes, sino que sus arcos se desarrollan de una forma muy atropellada y en muchos casos sinsentido.

Tras un evento crucial (no desvelaré nada más), Magneto y Bestia parece que van a tener una reacción de rabia tremenda, pero se queda en un dramatismo muy moderado. Y otros personajes igual, se queda todo a mitad de camino.

Ese intento por explorar las acciones de los protagonistas y sus consecuencias, falla en su ejecución. Se centra tanto la atención en este aspecto, pero no se desarrolla adecuadamente.

Buenas actuaciones a pesar de todo

La mejor categoría son las actuaciones, aunque con el elenco que tiene (Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain…) faltaría que fuesen malas.

Pero por la razón anterior de la construcción de personajes no terminan de convencer, pero aun así, casi lo hacen.

Falta de acción

No tanto por número de escenas de acción, sino por el impacto de las mismas. Nunca llegan a sorprender demasiado, y parece que son más un baile, ni siquiera al final se consigue una escena que merezca mucho la pena.

Se centran tanto en llevarnos por emociones y sentimientos de los personajes, que se olvidan de este tipo de escenas. Por el planteamiento deberían haber sido bastante claves, y podrían haber dado mucho juego.

Conclusión

Es entretenida, pero se pierde en un mar de emociones que nunca llegan a sacar un gran rendimiento en la película. Las actuaciones son buenas, pese a que los personajes no terminan de ser creíbles ni evolucionar naturalmente. Además, la acción es escasa y poco contundente.

Pese a todo lo anterior, puedes pasar un rato distraído con esta cinta. No te va a llenar del todo, pero te mantiene más o menos pegado a la pantalla.

Escrito por José Luis Arribas Gala

Un ejercicio magistral de interpretación

Labaki está paseando por medio mundo a Zain Al Rafeea, el joven actor sirio que ofrece una lección magistral de interpretación pese a su corta edad. Su personaje emociona hasta a las personas más impasibles, viviendo un maltrato hacia su propio individuo que roza lo excesivo. Aún así, la directora con alta probabilidad es bastante delicada con respecto a lo que sucede en verdad en Oriente. Si bien es cierto que el filme sí que está siendo bastante laureado entre la crítica especializada, es sorprendente que el nombre del joven actor resuene tan poco fuera de los círculos cinematográficos más especializados. Este hecho ocurre al igual con otros papeles en películas internacionales de 2018, como el del actor Victor Polster en el filme belga Girl. Hay que seguir luchando porque el cine internacional importe más que el de un único país.

Otra interpretación sublime es la de Yordanos Shiferaw, la actriz etíope cuyo personaje es conmovedor, en la búsqueda de una vida mejor fuera de su país de origen, y está lleno de complejidades. La relación creada entre ella, Zain y su propio hijo señala que a veces las familias no son sólo las personas de sangre directa, como muy bien demostraba este año también la japonesa Un asunto de familia.

Líbano y los problemas sociales

Labaki es valiente retratando la realidad de Líbano en el contexto de Oriente Próximo, un país anclado en el pasado. A pesar de que precisamente ha creado polémicas por su posible sensiblería fácil o el maltrato constante hacia los personajes, el filme sólo representa la molesta situación de mucha gente que gran parte de Occidente no quiere ver.

Pese a lo complicado de mostrar las miserias de un país en subdesarrollo, la realizadora libanesa intenta exculpar a su población de ciertos actos. La sociedad se ve empujada a ser como es debido a su forma de criarse. De igual manera, refleja multitud de denuncias sociales que las ONGs mundiales y muchos organismos vienen denunciando durante décadas. Entre estas nos encontramos los matrimonios concertados con menores de edad, la falta de escolarización, la explotación infantil, la violencia, las drogas, las trata de esclavos, la inmigración ilegal, las condiciones infrahumanas de vida… Verdades muy crueles mostradas al milímetro y que incomodan a muchas personas, que prefieren seguir cegadas ante lo que sucede.

Cafarnaúm está intrínsecamente ligada al drama de las guerras y de las cárceles. La sociedad libanesa vive sumida en un bucle de autodestrucción aupada por décadas de violencia en el país. Una vida con la que los ciudadanos se han criado durante su infancia y juventud. Niños que ahora son adultos pero postergan sus aprendizajes en sus propios hijos.

Pena y gloria

Pese a que la película está ganando mucho reconocimiento en festivales, premios y tiene una opinión profesional internacional favorable, es fácil escuchar críticas que la acusan de pornografía emocional. Si bien es cierto que Labaki castiga a los personajes hasta el extremo, no deja de ser la propia realidad que ella misma ha vivido. Un filme de denuncia necesario, hecho por una mujer y exigiendo el derecho de la defensa de la infancia, de las féminas y de los inmigrantes en Líbano.

La película fue presentada con largos aplausos entre los asistentes del pasado Festival de Cannes. De la misma manera, la cinta fue muy laureada en el Festival de San Sebastián, donde se quedó a una décima de conseguir el premio de público, que finalmente recayó en Un día más con vida. Posteriormente, Cafarnaúm ha sido nominada a diversos premios internacionales, como los Oscars, los Globos de Oro, los Bafta... Si bien es cierto que este año el cine de Europa, Asia y Latinoamérica ha sido muy bueno y películas como Cold War, Roma o La Favorita están cosechando todo el éxito internacional. No obstante, la directora oriental sitúa el cine de Líbano una vez más en el ojo internacional gracias a Cafarnaúm, con una mezcla de crítica social, realismo dramático y lucha por los derechos sociales.

Libreto oriental efectista

No se puede pasar por alto la excepcional fotografía del filme, basada en un toque verosímil en todo momento, así como la música con ritmos orientales y protagonista también en todo el largometraje. No es la primera vez que Labaki goza de tanta fama, pues el éxito la precede con ¿Y ahora adónde vamos? y Caramel. Este filme se produce bajo la producción de su marido Khaled Mouzanar, que aparte se encarga de la música.

El dramatismo de Cafarnaúm hace que la longitud de la cinta de 120 minutos pueda llegar a resultar pesada en algún momento. Sin embargo, el desarrollo de la misma funciona a la perfección, llevando al espectador donde la misma Labaki quiere. Esto hace que en los momentos álgidos sea imposible no sentir pena e incluso derramar alguna lágrima. Salir deprimido y pensativo del visionado no es una opción. Este mezcla de sentimientos sólo lo consiguen las grandes películas.

Conclusión

Cafarnaúm es una cinta real, cuidada, crítica y que denuncia cómo es la dura infancia de los niños y las niñas en Líbano: las condiciones de vida, la violencia, el trato a la inmigración… Nadine Labaki dirige excepcionalmente una vez más una cinta donde da a conocer a dos sublimes actores: el joven sirio Zain Al Rafeea y la etíope Yordanos Shiferaw.

Pese a que algunos se han mostrado críticos por su excesividad, el filme es enternecedor, efectivo y necesario. ¿El resultado? Multitud de premios y reconocimientos y entrar en la lista de las mejores películas de Oriente Próximo de las últimas décadas, coronada por directores como el iraní Asghar Farhadi y poca presencia aún de mujeres. Sin duda, la realizadora libanesa aún tiene muchos más regalos que ofrecernos, pues ya nos lo ha demostrado con su corta pero fructífera carrera.

Escrito por Miguel Ängel Romero
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