Para regocijo de futuros cinéfilos, un hábil fotografo empezó a experimentar con las filmaciones durante los comienzos de la década del 50 con tres cortos. Luego de "Day of the Fight" - el seguimiento de un día en la labor de un luchador de peso mediano narrado al mejor estilo "Sucesos Argentinos" - y "Flying Padre" - un documentalito pedorro sobre un cura de Nuevo México que se viaja de pueblo en pueblo visitando a sus feligreses en una avioneta - Stanley Kubrick hizo su primer mediometraje en colores: "The Seafarers".

Se trata de un demasiado largo y aburrido film promocional de un sindicato de marineros. Pura propaganda. "Marino, afiliese a nosotros y gozará todas estas bondades y beneficios".

Al igual que en los dos cortos previos, no hay nada notorio en esta cinta que haga valer la pena su visionado para un cinéfilo actual. Aunque están correctamente filmadas sin nada que objetar en el aspecto técnico, en esta "trilogía" sólo se adivina al Kubrick posterior en tres o cuatro planos. No había mucho espacio para ejerciera su creatividad en estos comerciales publicitarios disfrazados de documentales.

Sugiero al cinéfilo iniciar la restrospectiva a partir del primer largometraje del director, la rara e interesante "Fear and Desire" (1953). Aunque Kubrick la haya querido quemar, AHÍ SÍ se empieza a ver por todos lados el estilo que comienza a forjarse y que todos conocemos.

El gran éxito de la precuela de la saga de Alien, "Prometheus", es sin duda el nuevo villano, miembro de una raza llamada "Ingenieros", capaces de viajar por el espacio y realizar ingeniería genética, pero no de hacer de sastres y ponerse alguna ropa más decente que un taparrabos.

Y es que a estos ingenieros azules, que son la viva imagen de Calamardo, el compañero de Bob Esponja, les encanta pasearse en pelotas enseñando su trabajada musculatura lograda tras años de concurrir al gimnasio Megatlon. Por suerte son lo suficientemente pudorosos como para ponerse un calzón y no mostrarnos la picha, vicio que si aquejaba al otro pelado azul gay fisicoculturista famoso del cine: el Dr. Manhattan.

Poco sofisticado este ingeniero, que en lugar de fabricarse algún arma copada para enfrentarse a los humanos, prefiere hacerlo a puño limpio, tirando trompadas bien de matón callejero.

Riddley Scott defeca sobre la tumba de Dan O'Barron y destruye todas sus ideas en un santiamén. Al igual que con la Nostromo, vuelve a llenar la nueva nave de una tripulación de vagos mal aprendidos, a pesar de que es una misión científica multimillonaria buscando desentrañar el origen de la raza humana.

Scott, amigo mio, la Nostromo era un carguero comercial cuyos tripulantes eran bobos descartables enviados deliberadamente a la muerte con el objetivo de conseguir un embrión del bicho asesino, pero aquí no queda creible mandar una nave para una misión científica tan importante llena de patanes.

Sigo en spoiler.

Título original: Grave Halloween (The Last Halloween) (TV)
Año 2013
Género: Terror | Sobrenatural.
Sinopsis :Maiko (Kaitlyn Leeb) es una estudiante de intercambio en Japón que pretende descubrir la verdad detrás de la muerte de su madre biológica dentro del conocido “Bosque del Suicidio”. Para ello ira junto con unos compañeros que filmaran todo como parte de un trabajo escolar, aunque esto perturbará a los espíritus. (FILMAFFINITY)

¿ALGUNA VEZ SALDRÁ UNA PELÍCULA CON UNA IDEA QUE A NADIE SE LE HAYA OCURRIDO ANTES? QUÉ LO TIRÓ...

Vi este film porque había leído que ella hacía un doble papel, y a mí me gustaría tener una esposa que fuera parecida a Natalie Dormer, y engañarla con una amante que también se parezca a Natalie Dormer.

A quién no le gusta, con la fea belleza de sus raras facciones (“El alien más sexy del mundo”, como acertadamente la definió un usuario de IMDB) y su voz fuertona y gutural que recuerda en algo a la de Lauren Bacall, a la que Natalie ya personificó sin hablar en el cortometraje "Electric Cinema: How to Behave" (2012). (a Bogart lo hacía Benedict Cumberbatch, que ahí sí que no se parecían ni de lejos).

Conocida mayormente por sus roles en Game of Thrones, Hunger Games y como la ocasional antagonista en Elementary, la inglesa sin duda merecía que su debut como protagonista absoluta transcurriera en un producto mejor que este.

En esta historia, tenemos a la blonda en tierras niponas, en pos del objetivo de adentrarse en el infame bosque Aokigahara con la esperanza de encontrar a su hermana gemela desaparecida.

Un poco de investigación internerda sobre el lugar confirma que los japoneses están bien locos. El bosque está a los pies del monte Fuyi –ese que aparecía en Mazinger Z- y fue bautizado informalmente como “el bosque de los suicidios” debido a que, por inspiración de relato de 1960 de un escritor famoso llamado Seicho Matsumoto - en cuyas pátinas una pareja de amantes se quitaba la vida en el lugar- ahora todos lo que se quieren matar en ese país van a hacerlo a su vegetación para seguir la moda. Vendría a ser la versión ponja del Golden Gate de San Francisco. Ya saben, ese dichoso puente en el que en todas la películas de Hollywood hay uno que se quiere tirar, y siempre aparece el protagonista para intentar salvarlo y hacerlo recapacitar sermonéandole con que “no lo hagas, la vida es buena” y eso.

En este bosque tanta gente se quita la vida, que las autoridades han hecho colocar en sus ingresos también cartelería con mensajes esperanzadores pidiendo a la gente que piense en sus familiares, que pida ayuda, que se comunique con asistencia al suicida, que siempre hay una luz al final del tunel, etc.
Los productores de Hollywood también están adquiriendo esta conciencia social, y empezaron a poner carteles con mensajes similares a la salida de las salas donde se proyectó la última película de Keanu Reeves dirigida por Eli Roth.

Dicen los datos que se estima que solamente en 2010 hubo en el bosque 200 intentos de suicidio, de los cuales 54 personas terminaron muriendo, lo que revela que los japoneses hacen buenos equipos de audio pero tienen una efectividad de mierda para esto otro. Contrariamente a lo que esperaba este amistoso servidor, la metodología más común en los suicidios en el bosque ha sido por ahorcamiento y sobredosis de drogas, y no por harakiri, dato que nos descubre que TODO LO QUE NOS MOSTRARON DURANTE DÉCADAS DE CINE CLÁSICO JAPONÉS ERA UNA MALDITA ESTAFA. Los ponjas también tienen la creencia de que el Aokigahara está habitado por los llamdos yūrei (“espíritus enojados”). Aparentemente, están enojados de que siempre los usen sin permiso en películas de terror de mierda.

La atropellada presentación del “conflicto” en los minutos iniciales, más un confuso montaje de ida y vuelta a flashbacks, ya nos indica desde el principio que la cinta va a ser bien mala. Natalia, angustiada, se va a un bar donde se engancha a un guapo guía y se adentra en el bosquecillo, ya allí arranca una aburrida Proyecto Blair Witch sin cámara subjetiva y con sustos baratos de alucinaciones apareciéndose de golpe con ruidos fuertes. La parte que intenta dar más miedo, es una en que Natalia abre lentamente la cremallera de la puerta de tela de una carpa amarilla estilo iglú, muy, muuuuuuy lentamente, haciendo esperar al espectador que algo horroroso finalmente aparezca desde el interior.

Bajar una cremallera nunca fue ni será algo aterrador, a menos que hubiese sido la cremallera de la espalda del vestido de la Duquesa de Alba.

Realidades e identidades que se confunden y se apilan. Sueños que se mezclan con la realidad. Argumentos exagerados y por momento risibles. Juegos de histeriquéo y seducción lésbicos. La relación entre la mujer "buena" y la mujer "mala". Disfraces glamorosos, cuchillazos al son de violines. ¿Suplantaron a Brian De Palma? Yo diría todo lo contrario.

Otro usuario escribe más arriba:

"El bueno de De Palma no remonta el vuelo, y es que me jode que un tío que ha hecho Scarface o Carlito's way vaya por ahí haciendo pseudo-homenajes a Hitchcock con remakes que generan más pena que interés."

Ay, macho, que perdido que estás. El De Palma de Scarface y Carlitos, es el menos De Palma de todos los De Palmas. Es el De Palma haciendo "hollywood". El de “Passion”, ese sí que es el Brian De Palma auténtico. El de "Sisters", el de "Dressed to Kill", el de "Body Double".
El de "Femme Fatale". Aquí tenemos a dos candidatas a mujeres fatales, pero desde un principio no se sabe cuál será. Una lo lleva en la sangre -Rachael McAdams-, a la otra las situaciones le están creando un caldo de cultivo artificial para que se convierta en una -Noomi Rapace.

Cuando aparece el negro ojo izquierdo de Noomi por la derecha de la pantalla, inaugurando la inconfundible pantalla dividida, que enfatiza el paralelismo entre la danza de los bailarines con la otra danza macabra entre uno de los personajes y su misterioso y acechante agresor, sabemos que estamos ante el Brian De Palma en estado puro. El original, no acepte imitaciones.

¿El guión? Con este director ya estamos acostumbrados, con él lo que me importa es el estilo. Que este filmada, valga el burdo juego de palabras, con pasión.

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Dice la PNL, que los sistemas de creencias actúan como filtros a través de los que observamos e interpretamos la realidad, como cristales que colorean lo que vemos antes de que la luz llegue a nuestros ojos. Así como los cristales de las lentes de sol de Édith Piaf adquirían un tono rosado cuando estaba con su amante, todos llevamos lentes invisibles que afectan la forma en que percibimos la vida: nuestros sentimientos y sistemas de creencias.

El director de Escape de Nueva York imaginó aquí unos anteojos de sol mágicos que nos despojan de los anteojos psicológicos de las creencias y reglas sociales, permitiéndonos ver lo que realmente hay debajo de ellas. Los chobis esqueléticos son lo de menos, “Están vivos” es una sátira social, más cerca de cosas como Starship Troopers de Verhoeven, que de una película “seria” de ciencia ficción.

"Quitarse el velo de los ojos", se decía antes, "Ponerse las lentes de sol" dice John Carpenter. Cuando Nada intenta forzar a su amigo Frank a colocarse la versión Ray-Ban de la píldora roja de Matrix, el negro se pone terco como un burro y rechaza este simple acto con una violencia absurdamente desmedida, que desemboca en la polémica escena de la pelea de puños callejera que parece durar como 10 minutos, tal vez la lucha más bizarra vista en la pantalla.

Hay un interpretación estupenda de esta en The Pervert's Guide To Ideology. No la recuerdo palabra por palabra, pero la esencia era algo así: Carpenter nos dice que los sistemas de creencias que nos mantienen subordinados, no solamente nos son impuestos por la autoridad social, sino que necesitan de nuestra colaboración para permanecer allí. ¿Por qué el negro batalla tanto para evitar probarse unas simples lentes para el sol? Si recordamos que estas representan el ver la realidad sin filtros, ahí está la explicación. Aún en su escepticismo, Frank sospecha instintivamente que vive una mentira y que colocarse esos anteojos va a destruir sus ilusiones y toda su vida tal cual la conocía, pero de alguna manera disfruta de -o está acostumbrado a- la prisión de sus creencias y salirse de ella es traumático. Por eso no estoy de acuerdo con el amigo que se queja de esa secuencia:

<<La escena de la pelea entre al protagonista y su amigo para convencerle de que se pusiera las gafas la considero como una de las más enervantes de la historia del cine. ¡No termina nunca! ¡Qué desperdicio de todo: metraje, actores, todo!>>

¡Precisamente!, para mí la extensión de esa escena fue puesta por el director con total intención, tal vez para representar el esfuerzo instintivo del ser humano para rechazar un cambio radical en su sistema de creencias

A continuación una breve conclusión con leves spoilers (entre el póster oficial del film y la sinopsis, no queda mucho que spoilear =) )