Algo impensable me resultaba el relacionar un pasaje del maestro Jesús en manos de Pasolini. Y es que a mis 17 años en aquel entonces en donde yo solo había visto “El Decamerón” y “Edipo Rey” Películas de amplio estudio a nivel bachillerato. No concebía tal relación.
Pero volviendo a este director italiano, heredero del neorrealismo. Y ahora 23 años después, y siguiendo el trabajo artesanal de Piere Paolo; debo reconocer que Pasolini tenía una forma brutal de llevar sus ideas al cine. Atrevido, controversial y sobre todo terriblemente político, en aras de expresar sus ideas, resulta agresivo a las conciencias de todos los tiempos. Por eso sus obras resultan atemporales.
Dícese que estaba a favor de las masas. Yo creo que estaba solamente a favor de su arte.
Los rostros cuadrados y marginados de “El Evangelio según San Mateo” no reflejan una idea religiosa, sino un espíritu rebelde y anarquista que encontró acomodo en los pasos del maestro Jesús.
No condeno a Pasolini, porque no buscaba poder. Ningún artista es morboso. Por eso los altos mandos religiosos aprobaron su trabajo en esta ocasión.
Pasolini, aún así… pisó callos y conciencias. Ya que su arte es incomprendido en nuestros días.

“Todo arte es completamente inútil, la belleza es una forma de genio, la belleza es un milagro de Jesús… el espíritu que anima el alma de Pasolini”

Buena fotografía en esta historia en escenarios naturales de la campiña inglesa.
He disfrutado de estas señoritas encabezadas por Keira y Rosamund que resaltan en su juventud y sus ansias de poder amar, cada una en su manera. No pude evitar re memorar el encuentro de dos inglesas que por primera vez pude ver “Otro Día para Morir” al lado de Pierce Brosnan. Estamos hablando de Judi Dench (excelente en este rol) y de Rosamund Pike que no desentona. Y casi puedo decir que en esta ocasión el pecado del orgullo se “perdona” al ver la elegancia con la que se mueven estas señoritas, en un mundo de glamur victoriano arropadas por la juventud y en un marco de postales magnificas. Aunque la historia en mi punto de vista personal, resulta demasiado melosa.

El verdadero mensaje de la encarnación de Ray-El en la India es el saber que la pobreza no se encuentra en las cosas materiales, se encuentra en el deseo de aprender, de superarse con el fin se servir a los semejantes. Seguramente Satyajit es un afortunado al saber esto y mostrarnos la invencibilidad del hombre en el rol de Apu. Las calles de Benarés, las de Calcuta, lucen deprimentes, pero estos escenarios le dan cierto merito al alma de Apu que ha sabido vivir y nutrirse del conocimiento como un verdadero tesoro que se llevará cuando ya no este en este mundo. Ray-El es un espíritu maestro, un espíritu invencible que hace un servicio que para Satyajit es un verdadero gozo, mostrarnos en su trabajo de como evoluciona el espíritu del hombre siguiendo los pasos de un gran iniciado como el avatar Krishná.

De las películas que he criticado en este espacio del maestro Wilder; debo decir que esta me parece un tanto atípica, a pesar de que trabajos como: “El apartamento” y “Primera Plana” realmente son divertidas. Tal vez “Uno, Dos, Tres” me ha parecido un tanto alejada de la mano de Billy por lo frenético de su ritmo. Aclaro que esto tiene buen resultado en una comedia que atrapa, sobre todo cruzando el muro de la guerra fría de una manera genial. Solo se concibe que una “diva” de una famosísima empresa refresquera mundial en plena lucha contra el comunismo, irrumpa en tal escenario como si una stripper bailara sobre el muro mientras rusos y americanos le aplaudieran, de la manera que la mercadotecnia puede trascender los sucesos mas convulsionados de la historia. Y como se dice de la cerveza mexicana: “su calidad no tiene fronteras” así podemos decir del ingenio de los grandes realizadores de comedias que marcaron época.
Un punto que bajo mi puntuación a este filme fue el blanco y negro que desentona en 1961, ya que era una guerra fría, no una guerra sin color. Pero irónicamente fue nominada al Oscar por esta categoría. No discuto para nada el punto de vista técnico, sino el enfoque global que el blanco y negro le da al filme de Wilder como un todo. Lo cual significa la esencia de la sensación que se ha quedado en mi “trinidad cinéfila” que es retina, mente y alma. Y que solo los que han sentido la magia del cine sabrán de qué estoy hablando.

La disparatada historia de Hitchcock es justificada en aras de alterar nuestro estado emocional. Porque primero nos muestra una familia “modelo” y luego con un estridente choque de bombos y platillos, ya estamos instalados en una intriga de espionaje en una tierra exótica, aduana misteriosa y épica.
Si de Fez a Marrakech es un largo y sinuoso camino; esto parece no importar, porque ya estamos acostumbrados a los cantos de Doris, que ahora se transforman en gritos histéricos buscando un hijo. Y esto a más de cuatro, por supuesto que impacta.
Resulta extraño ver a un hombre en Tánger o en Casablanca o en Fez o en Marrakech involucrado en una historia de espías. Pero todos lo aceptamos, aún incluso con los colores chillantes. Porque el “gordo” Hitchcock, era un titiritero que sabía bien eso del manejo del guiñol en aras del disfrute de los amantes del cine de aventuras e intrigas.