Excepcional película del maestro Raoul Walsh, manifiesto existencialista sobre la ascensión y caída del principal protagonista, un veterano de la Primera Guerra Mundial, empujado por las circunstancias a convertirse primero en un poderoso gánster, durante la ley seca, luego en víctima de un amor no correspondido y del crack de Wall Street, hasta llegar a la redención de una forma heroica, aunque a “Los violentos años 20”, siempre se le encasilla en el género del cine gansteril, comienza como cine bélico, luego pasamos al melodrama, para terminar efectivamente como cine de "gánsters".

En realidad es mucho más, es la crónica social de una época a la que da nombre a la película, inspirado en una historia del periodista y luego productor de “Forajidos” de Robert Siodmak, Mark Hellinger, quien estaba bien conectado con gente de los bajos fondos. Como curiosidad hay que decir que Walsh era uno de los pioneros de Hollywood, trabajó de ayudante de dirección de David W. Griffith, interpretó el papel de asesino de Lincoln en “El nacimiento de una nación”, de 1915. Por lo tanto vivió en la época que narra la película.


Hay en este film una rara armonización entre los dos fragmentos que la integran, tanto el ficticio como el documental, llegando por momentos a lograr una envidiable calidad técnica y de textura de los materiales de archivo, recurriendo a la voz en off de los noticiarios como hilo argumental del devenir de los tres protagonistas: Eddie Bartlett (genial, James Cagney), veterano de guerra sin trabajo; Gerorge Hally (Hunphrey Bogart), asesino sin escrúpulos y Lloyd Hart (Jeffrey Lynn), un estudiante de derecho que busca abrirse camino en el mundo de las leyes.

Todo ello en manos del vigoroso Walsh, lo resuelve con una puesta en escena sencilla, que no simple, pues encierra una complejidad y una forma de captar la vida. Dejando que el destino y el azar intervenga de forma directa sobre los personajes. Tampoco es menos letal la presentación de las féminas: Jean Sherman (fascinante, Priscilla Lane), la joven que escribió a Eddie cuando estaba en las trincheras y que quiere abrirse camino en el “music hall”, y Panama Smith (estupenda, Gladys George), una mujer en las antípodas de Jean y con contactos dentro del hampa, enamorada de Eddie, que al no ser correspondida le ofrece su lealtad y amistad.

A propósito del estreno del musical “Los Miserables” en la gran pantalla, me ha parecido oportuno revisar y comentar esta interesante versión de la inmortal obra de Victor Hugo.
Billy August (Pelle el conquistador, La casa de los espíritus) es un interesante realizador aunque no siempre afortunado a la hora de elegir un trabajo. August, discípulo de Dreyer y Bergman, suele dirigir estupendas películas europeas, aunque a veces recala en producciones americanas donde no está tan acertado. En esta ocasión retoma un proyecto que estaba en manos de Polanski y que debían interpretar Gerard Depardieu y Jack Nicholson, la verdad es que no puedo imaginar al histriónico Jack en el papel del inspector Javert.

Esta producción americana está muy bien narrada por el director escandinavo, con el estilo concienzudo y detallista que le caracteriza. Rodada en Praga y Paris, con una brillante escenografía de Anna Asp (Fanny y Alexander), y con el cuidado vestuario de Gabriella Pescucci (La edad de la inocencia).
El novelista Rafael Yglesias hace una gran adaptación de la novela de Victor Hugo, más allá del naturalismo, de ahí que la reconstitución histórica y recreación ambiental de la Francia del primer cuarto del Siglo XIX esté muy lograda. Al tiempo que destaca la interpretación del británico Liam Nesson (La lista de Schindler) y del australiano Geoffrey Rush (El discurso del Rey), como Jean Valjean y el inspector Javert, respectivamente. Secundados por Uma Thurman y Claire Danes que están a la altura del film.

Con todo, la nueva versión ha sido trasladada de época, hasta la sublevación de 1820, en la etapa de la Restauración de Luis XVIII. Porque la película pretende ir más allá del naturalismo y el romanticismo de la obra original, el tema principal es la redención, pues es imposible incluir toda la novela en dos horas de metraje. También trata sobre la necesidad de la justicia, el perdón y el respeto a los seres humanos, dentro de una gran historia de amor.

La cámara de Jorgen Persson escruta el alma humana, a la vez que provoca en el espectador, una reflexión acerca del Bien y el Mal, profundizando sobre el principio filosófico de la bondad redimida y en torno a los eternos temas del odio y la venganza, la soledad y el destino. Critica también la hipocresía y el puritanismo de cierta sociedad decimonónica, en suma, expone la fuerza del amor y el poder del perdón. Sin llegar a obra maestra es una digna película comercial, que gustará a los buenos aficionados al cine y la literatura clásica.

Está basada en la novela “Indómito” de Herman Melville, que en la película es rebautizada con el nombre de: “Vengador”, pero la versión cinematográfica no se sitúa entre las densas páginas de Melville sino en una versión teatral de su novela “Billy Budd, marinero”, escrita esta en 1889 y publicada póstumamente en 1924. La obra constituye una clara muestra del pensamiento de Melville, la oposición entre un ser inocente y una sociedad cerrada, a veces hostil, siempre inhumana, claro exponente del mundo que le tocó vivir.

Billy Budd (impresionante, Terence Stamp), un joven ingenuo y analfabeto trabaja como gaviero en un mercante llamado curiosamente: “Derechos del hombre”. La fragata “Vengador” cuyo capitán, Vere (Peter Ustinov, lo borda), tiene la orden de reforzar la flota británica frente a España y Francia, sale al paso del mercante y recluta a la fuerza a Billy. Una vez a bordo de la fragata, la situación es, para Billy completamente distinta de la anterior embarcación, la tripulación vive bajo el terror de John Claggart (Robert Ryan, está genial), un suboficial despótico que a menudo manda azotar a la tripulación. El ambiente se hará irrespirable con azotes, crímenes encubiertos, mentiras y abusos de poder.

La película plantea un dilema moral que seguramente era lo que más interesaba al director, apoyado por una soberbia fotografía en un blanco y negro luminoso de Robert Krasker. Ustinov recrea ese drama de la inocencia imposible dentro de un mundo carente de humanidad. El film es sobrio, centrando la atención en unos magníficos diálogos, porque no es la típica película de aventuras al uso. Recomendable para todos los amantes del cine.

Durante los años 90, en Hollywood se puso de moda, la cultura oriental, especialmente la budista, como panacea de la crisis de valores del mundo capitalista. Todos reivindicaban el carácter pacifista del Dalai Lama, y las reivindicaciones políticas y humanas que sufría el pueblo tibetano, bajo la tiranía despótica del gobierno comunista chino. Actores como Richard Gere, directores como Scorsese y su film “Kundun”, se sumaron a la causa, así mismo ocurre con esta oportunista “Siete años en el Tibet”.

Se podrá culpar a Brad Pitt, de no ser el actor más indicado para encarnar a Heinrich Harrier (a pesar de mostrar interés en el proyecto), yo creo que el problema de esta historia es el guión, pues no está bien construido, el protagonista no genera empatía desde el punto de vista formal. No es creíble, que un nazi egoísta y altivo pueda cambiar su actitud ante la vida, tras unos meses en la montaña y caer como prisionero de guerra, pues no encuentro razones objetivas para creerlo. Tampoco es creíble que durante la fuga a través de Lahsa, se convierta en el consejero cultural del Dalai Lama.

Creo que Jean-Jacques Annaud (“En busca del fuego”, “El oso”), es un director apasionado por la naturaleza, las culturas primitivas y la evolución humana. Con un gran estilo visual, que intenta mostrarnos la redención personal de este montañero, tras la experiencias vividas en el Tibet, pero le faltan recursos dramáticos, para llevar a buen puerto el proyecto.

También le falta algo de ritmo, pues es la segunda vez que la veo, la primera fue cuando se estrenó y la encontré algo aburrida, tras el nuevo visionado, tengo mejor opinión de ella, muy bien la música de John Williams y el secundario David Thewlis. Recomendable para amantes de la naturaleza y la culturas orientales.

Hace pocos días que compré en dvd la película "Capricho", nunca antes la había visto, la adquiri más que nada al ver que el director era Frank Tashlin, director infravalorado (nunca fué reconocido por la Industria) que realizó grandes comedias durante los años 50 y 60, algunas de ellas disparatadas con Jerry Lewis. Sólo la critica de la revista Cahiers du cinéma, y Goddard, el cineasta en particular defendieron su cine. Después de ver este film y comprobar que ninguna persona había escrito nada sobre él en esta web, pues me he animado a hacerlo, quizá para revindicarlo un poco.
En primer lugar decir que los actores (protagonistas) para esta comedia, no son los mejores, pero Tashlin supo sacar de ellos lo mejor con su ingenio, el look de la película es muy genuino de los 60 con las virtudes y defectos típicos de esos años, en cambio los secundarios me parecen magníficos, finalmente destacar la escena de Doris Day con el perro en la casa de la piscina, antolólgica.