El principal “fallo” de Full Metal Yakuza es su bajo presupuesto y en consecuencia sus bochornosos efectos especiales, tanto que cualquiera con un mínimo de buen gusto por el séptimo arte se sentirá defraudado y/u ofendido al ver este film, mas próximo a aquel superhéroe robótico de T.V. que salía en Zebraman (muy famoso en Japón, pero que ya no me acuerdo como se llama y no me refiero a Ultraman), que a Robocop, como consecuencia más de uno podrá adivinar que estamos ante un producto claramente de serie B, a mi en su manera de moverse y actuar me recuerda más a “El vengador tóxico” que a cualquier otro.
No voy a ser yo quien a estas alturas descubra a Miike, cualquiera que haya visto sus películas con temática yakuza, no debe esperar mucho más, todas están cortadas por el mismo patrón y que dichas películas tengan más o menos gracia dependerá del concepto de humor que tenga cada uno del mismo, a mi por ejemplo míticas comedias como “Arsénico por compasión” no me hicieron gracia, será porque soy un freak, será porque tengo mal gusto, o será porque no tengo criterio, pero a mi Miike me hace gracia, me hace gracia su humor negro, más incluso que Todd Solonz.
Por lo demás típica película de yakuzas con todas sus típicas situaciones, lealtad, traición, asesinatos a sangre fría, mas los aberrantes toques Miike, necrofilia incluida, todo desde el punto de vista del protagonista, posiblemente el peor yakuza que se ha visto.
Lo que hace que las películas de Miike tengan una legión de seguidores, no es ni más ni menos que lo que nunca tendrán otros a pesar de su presupuesto, o sea, encanto, algo que no se compra, ni se enseña, simplemente se nace con ello, y Miike lo tiene y los que aborrezcan sus películas nunca lo entenderán, pero así es la realidad, unos lo amarán y otros lo odiarán. Lo que aconsejaría yo es que nadie que se disponga a ver una película de Miike vaya con la predisposición de tomársela en serio, y en concreto esta “FMY” y si como lo que es, como ya dije anteriormente clase B, muy buena clase B, genero al que le ocurre lo mismo que al propio Miike, para algunos tiene encanto y para otros no y para un servidor lo tiene.

"La espada del samurái" narra desde una nueva perspectiva la historia del Shinsegumi durante los últimos días del Shogunato Tokugawa y el inicio de la Era Meiji. A través de los recuerdos de Hajime Saito (el capitán del 3er regimiento del Shinsengumi) y del caballero Chiaki, quien por entonces era sólo un niño, hijo de un daimyo provincial vamos adentrándonos en los difíciles tiempos que vieron el final de los más de 200 años de la época Edo.
La historia se centra en la difícil vida de Yoshimura Kanichiro un samurai de bajo rango que decide abandonar a su clan y convertirse en un ronin para unirse a los Shinsengumi y poder conseguir dinero con el que alimentar a su familia. En un principio Yoshimura se nos presenta como la antítesis del samurai; su única preocupación es ganar dinero. Pero conforme avanza la historia descubrimos que Yoshimura dista mucho de ser el pusilámine que todos creen. Su afán por reunir dinero nada tiene que ver con la avaricia, sino con el único deseo de sustentar a su familia, y cuando los tiempos se recrudezcan y la batalla sea inevitable Yoshimura tendrá ocasión de demostrar como por sus venas corre el espíritu Yamato.
Una película pasable del más actual Jidaigeki, leyenda de samuráis de Mibu, posa una mirada evocativa a los últimos días de una raza moribunda de hombres para quienes el honor era el valor más importante en la vida pero que no llega al nivel de las de Yoji Yamada y en la que el vestuario y el resto de elementos del denominado tratamiento histórico es lo mas destacado ya que están exquisitamente cuidados.

Chen Kiage nos muestra la vida en la montaña de una aldea que sobrevive enfrentada a la miseria más dura y aislada del mundo donde viven un grupo de adolescentes se podría decir que casi exiliados y un profesor muy joven pero con un dinamismo y de un carácter muy carismático que les da un cambio de cómo ver y mirar el mundo a través de las ruinosas aulas de la escuela, el profesor quiere que aprendan a pensar por sí mismos ganándose su simpatía pasándose por alto los métodos de enseñanza tradicional.
Con un lenguaje en busca de la reflexión, vertebrado por la acumulación de largos planos fijos y silencios de elocuencia visual, la hondura poética del film se concentra poco a poco en la relación que mantiene el joven profesor con el alumno más brillante del aula, que decidido a encontrar el mejor camino para perpetuar el conocimiento, se propone copiar el diccionario ideograma a ideograma. De este modo, el diccionario se convierte en la metáfora más significativa y en el objeto unificador del relato. En él está todo contenido, pues a partir de él, todo se puede formular y cualquier futuro es posible. La inteligencia y sensibilidad del profesor y la voluntad y el orgullo del alumno son el brote de esperanza y el camino hacia el mañana que propone Kaige para un país anclado en la herencia feudal y el analfabetismo rural, donde el profesor también recorre su aprendizaje por el camino de la enseñanza. Hace frente a su limitada formación y escasos recursos con una extraordinaria actitud moral.
Es un film pausado, bello y con un final imprevisible.

Historia de una familia china, desde que un niño nace en 1967 hasta nuestros días. El film presenta tres momentos bien precisos. Arranca con la infancia del niño, cuyo padre regresa un día de modo inesperado, tras haber estado internado en un campo en los años de la revolución cultural. El padre soñaba con ser pintor, pero su estancia en el campo ha estropeado su pulso, su carrera se ve frustrada. Entonces pone todo su empeño en que el chaval, coja el testigo y se convierta en un buen pintor. Ya de joven, el chico progresa como pintor, pero trata de escapar del férreo control paterno: no va a clases, y dibuja por su cuenta, lo que le supone una dura reprimenda. Además conocerá a una joven de la que se enamorara (Zhang Yue, imposible no enamorarse de ella, yo también lo hubiese hecho)

La espina dorsal de la película es la relación padre-hijo. El padre es un hombre duro, que está convencido de que toda su vida no ha hecho otra cosa que buscar lo mejor para su hijo. Él ha reconocido el talento de su hijo, y no es que quiera proyectar en él lo que no pudo hacer, sino que reconoce su superioridad, porque advierte un don. Esto no quita para que se vea la distancia que se ha creado entre los dos, la falta de libertad y responsabilidad en que ha criado a su hijo; se ve claramente como el respeto reverencial a los padres, muy confuciano, debe compaginarse con la independencia personal.

En la narración, aunque sean presencias pasajeras, se ven las dificultades de la vida en China, a la hora de conseguir un piso. Los rascacielos que se construyen sobre los antiguos callejones son el cambio visible en esta nueva sociedad que cambia a la par que las relaciones humanas. También se aborda el tema del aborto, presentado como hecho traumático; la visión que se da del aborto no es complaciente, pero se ve como una opción personal, dura, pero que atañe sólo a los padres de la criatura.

La decisión final del padre, algo disparatada para mi gusto.

Salvo un gran elenco de actores, sobretodo con un Tom Wilkinson que es el que lleva todo el peso de la película nada diferencia a “En la habitación” a cualquier otra película de sobremesa, y su nominación a los Oscar no hace mas que evidenciar la decadencia actual del cine norteamericano. Aunque la obra sea merito de Andre Dubus, Todd Field se estrena con pies de plomo, ya que en ningún momento decide arriesgar y, su final es uno de los mas previsibles que he visto en mucho tiempo, lo peor de todo es que sin dicho final la historia se hubiese podido convertir en un autentico coñazo.

En un país donde la realidad supera la ficción hace falta algo más que un asesinato y los problemas que acarrean vivir con un asesino como vecino, por desgracia aquí, la sociedad vasca también sabe mucho de eso. Por lo que se puede decir que en ningún momento consigue impactar, al menos como debería de pretender.

Que quede claro que la película no es mala y tiene sus virtudes, pese al tema que trata, queda todo reflejado desde una perspectiva mas sosegada y perspicaz que las de películas semejantes, donde los personajes en la mayoría de los casos se dejan llevar por la histeria y el dolor y el sufrimiento de perder a un ser querido son todo su sustento.

Que huyan de ella los que le tengan pánico a las películas lentas, “En la habitación” se deja ver, pero el tiempo la hará fácilmente olvidable.