En el cine cada día se hace más difícil innovar. Las secuelas y los ‘remakes’ están a la orden del día, de manera que casi todo suena a visto y oído. Pero hay excepciones. Hay algunos valientes que, en un alarde de atrevimiento, lanzan propuestas más arriesgadas. Pablo Berger, director de Blancanieves, es uno de ellos. El director vasco ha hecho lo que parecía imposible, revisitar el clásico cuento y ofrecer una perspectiva absolutamente original. De momento, la película ha conseguido ser elegida para representar a España en los Oscar. Y no será fácil, porque enfrente estarán otras 70 películas, entre ellas Amor (Austria) o Intocable (Francia), las grandes favoritas.

Por las salas de cine han pasado numerosas Blancanieves, pero ninguna como la ‘spanish’ versión creada por Berger. La primera versión se estrenó en 1916, una obra muda dirigida por J. Searle Dawley. En 1936 llegó la más popular de las Blancanieves, la ideada por los estudios Disney y que todos hemos disfrutado como ‘enanitos’. Esta historia también ha sido realizada con la técnica del ‘stop motion’ en un corto de 1954 (Blancanieves y Rosarroja) y hasta tuvo su versión musical en 1961 protagonizada por los humoristas ‘The Three Stooges’ (Blancanieves y los tres vagabundos). La adaptación más extravagante la realizó el portugués Joao César Monteiro con una película sin imágenes en 2000.

Este mismo año, se han estrenado otras dos versiones del cuento. Blancanieves y la leyenda del cazador, con Kristen Stewart y Charlize Theron como cabezas de cartel, y Blancanieves (Mirror, Mirror) con Julia Roberts como la malvada madrastra. Ambas películas pretendían ser originales, pero la escasa calidad del producto final restó méritos al intento. La primera ha recaudado en España doce millones de dólares y la segunda casi cinco, según datos del Box Office Mojo. La versión española, pese a su excelsa calidad, no alcanzará esos números. ¿Deberíamos preguntarnos por qué?

Debo comenzar esta crítica realizando una confesión, no he leído Jane Eyre. Tampoco he visto ninguna de las múltiples versiones que se han rodado sobre el clásico de Charlotte Brönte. Una vez reconocida mi ignorancia culpable sobre el original literario (que espero remediar cuanto antes), puedo empezar a valorar esta nueva adaptación dirigida con acierto por Cary Fukunaga.

Grandes directores se han atrevido a hincarle el diente a Jane Eyre. En 1943, Roberto Louis Stevenson estrenó Alma Rebelde con Orson Welles y Joan Fontaine como protagonistas. Delbert Mann, director de Mesas Separadas o Marty, también lo intentó en una producción para la televisión. Ya en la década de los 90, el preciosista Franco Zefirelli ofreció su particular visión sobre la rebelde institutriz. Ahora, es Cary Fukunaga el que acepta el reto y sale fortalecido del envite. Tras una excelente ópera prima (Sin Nombre) en la que nos acercaba el drama de las maras, ahora el realizador californiano cambia de tercio trasladándose al siglo XIX.

A Fukunaga le facilitan la labor un par de actores en estado de gracia, Mia Wasikowska como Jane Eyre, y Michael Fassbender como el Señor Rochester. Los que dudaron del talento de Wasikowska tras su anodina interpretación de Alicia en la película de Tim Burton, empezaron a cambiar de opinión tras su aparición en Los Chicos Están Bien. En esta película, la joven actriz demuestra estar labrándose una ascendente carrera con su portentosa interpretación de Jane Eyre. Vemos a una Jane Eyre madura y valiente, una heroína encerrada en el siglo equivocado. Fassbender es el actor de moda y su nombre suena de cara a los Oscars, aunque no por esta película, sino por Shame. Su Señor Rochester transmite a la perfección esa carcoma interior, producto del terrible secreto que oculta su personaje.

¿Qué esconde Thornfield House? Esta pregunta solo puede hacérsela alguien que, como yo, no ha leído Jane Eyre. Este déficit tiene un efecto positivo a la hora de ver la película, y es que desconocemos el misterio que oculta la sombría mansión. A acrecentar esta sensación de inquietud ayuda sobremanera la fotografía de Adriano Goldman, que capta a la perfección el ambiente gótico que impregna la historia. Para terminar de alabar los aspectos técnicos, cabe destacar la banda sonora de Dario Marianelli (ganador del Oscar por Expiación), utilizada en los momentos adecuados y no como un hilo musical molesto y repetitivo.

Viendo este documental, entran unas ganas tremendas de ver ‘The Man who Killed Don Quixote’. El problema, que Terry Gilliam parece incapaz de sacar adelante este proyecto. En los últimos meses se ha hablado de un nuevo intento con Robert Duvall como Don Quijote y Ewan McGregor, como ese peculiar Sancho Panza procedente del futuro. Pero parece que la financiación se ha vuelto a venir abajo.

Gilliam sigue fomentando su fama de ‘gafe’ y es que la mayoría de sus películas han tenido problemas. Haciendo un poco de memoria nos encontramos con conflictos con los productores de ‘Brazil’ que querían una película más optimista, a lo que el ex Monty Python se negó; con el fracaso comercial y económico que supuso ‘Las aventuras del barón Münchausen’ y que dañó casi definitivamente su relación con Hollywood y los grandes presupuestos; por no hablar de su última película ‘El imaginario del Doctor Parnassus’, que tras la muerte de su actor principal, Heath Ledger, se vio obligado a terminarla con otros tres actores, Jude Law, Colin Farrel y Johnny Depp. Al menos estas películas pudimos disfrutarlas, no como ‘The Man who Killed Don Quixote’ que sigue encerrada en la genial mente del director británico.

Este documental nos ofrece algo inusual, ver como trabaja la mente de un genio. Gilliam podrá ser criticado, sus películas podrán ser más o menos aburridas, pretenciosas o polémicas, pero lo que nadie puede negarle al británico es que es un CREADOR, así con mayúsculas. Su mente es capaz de imaginar situaciones que otros ni siquiera alcanzaríamos en sueños y lo que es mejor aún, sabe transmitirlas a través de una cámara de cine, haciéndonos partícipes de ese universo tan particular. Es uno de los pocos directores de los que merece la pena ver hasta sus malas películas, porque siempre habrá alguna imagen capaz de dejarte con la boca abierta, aunque el film en su conjunto deje bastante que desear. Para acabar, un deseo; que Terry Gilliam pueda terminar (o sería mejor decir empezar) ‘El Hombre que Mató a Don Quijote’ y nos permita compartir con él la película que guarda su ‘cabecita’. Yo iré a verla (lo digo por si algún productor duda del éxito de la película a la hora de poner la pasta).

Gran muestra de cine negro, aunque personalmente creo que no la mejor. Una de las características del cine azabache son sus tramas enrevesadas, pero es que la de esta película llega un momento en que se enreda más de lo que debiera, porque no era necesario. Me refiero al segundo encargo al personaje encarnado por Robert Mitchum. Destaca una acertada voz en off que nos regala grandes frases que parecen sacadas de la cabeza del detective Phillip Marlowe y su creador Raymond Chandler. La influencia no acreditada en el guión de otro escritor de novela negra como James M. Cain se nota. El final es otro de los puntos a destacar de esta obra, Tourneur y sus guionistas saben cerrar la película, algo que no habían sabido hacer en obras anteriores como “La Mujer Pantera” o “El Hombre Leopardo”.

Mitchum está muy bien, la mejor interpretación que le he visto, aunque destaca la ‘femme fatale’ encarnada por Jane Greer. Muchas de las críticas en esta página la sitúan como la mejor del cine negro, pero yo discrepo y me sigo quedando con el personaje de Joan Bennet en “Perversidad”. El personaje de Greer en “Retorno al Pasado” tiene sentimientos, aunque los acaba traicionando tomando decisiones erróneas para salvar su propia vida. Quizás sea un poco ingenuo, pero yo creo que ella siente algo por el personaje de Robert Mitchum, aunque sus continuas mentiras y engaños puedan llevar a equívocos. Douglas está bastante bien en un personaje con bastantes similitudes al encarnado en su primera película, “El Extraño Amor de Martha Ivers”, muy recomendable también.

La precuela de ‘X’ es una de las mejores películas de terror de los últimos años. Y su prota, Pearl, interpretada por una espectacular Goth (ese primer plano que cierra la película es antológico), es una villana inolvidable: conmovedora, patética, ingenua (casi infantil) y terriblemente siniestra. West, que vuelve a recolectar influencias para parir algo propio, narra con contención y se toma su tiempo para construir la psique del personaje; ella solo quiere huir de su particular cárcel.

@pildoras_de_cine