Para empezar, Bukowski narra en el libro - a través de su álter ego Henry Chinaski - las aventuras metropolitanas que vivió recorriendo el país en autobuses (San Luis, Nueva Orleans, Nueva York, Filadelfia, y vuelta a Los Ángeles), huyendo del servicio militar con tal de no ir a la II Guerra Mundial. Entonces nos encontramos en la década de los 40 en Estados Unidos; Hank Chinaski tiene algo más de veinte años, pasa hambre, padece hasta el tuétano sus vicios, y tiene muy mala suerte para demostrar sus virtudes.
Viendo ésto la película no tiene nada que ver con el libro, pero está impregnada del estilo y de la temática del amigo Charles. No he visto ni Ordinaria Locura ni El Borracho para comparar, pero dicen que ésta es la mejor adaptación de una obra de Bukowski.
No se me hizo en ningún momento lenta ni tediosa, es más, es esa narración lacónica, fría, la que hace que la película sea como leer alguno de los libros del escritor. Gracias al cielo que el proyecto cayó en manos de un europeo (noruego), pues está latente el estilo nórdico de filmar, sobrio y sin tapujos.
Es, creo yo, una crítica arrolladora hacia todo lo falso y absurdo de nuestra sociedad, a través de un ser absurdo también, despreciable, misógino y alcohólico; pero también es un "escéptico revolucionario", "un truculento mártir enfrascado en una burocracia desalmada y sin escrúpulos", un hombre que se revela contra todos los mal llamados "principios". Una obra llena de un humor negro y sardónico impagable.
Todos lo hacen a la perfección, destacando sobre todos Lili Taylor y Matt Dillon, que sencillamente bordan sus papeles.
Hacer una mención especial a la fotografía, muy conseguida; cada imágen derrocha esa sordidez y esa oscuridad que se encuentran en las páginas del escritor.
Y por último, destacar ese diálogo absolutamente genial que dice más o menos así, y que también está en el libro:
- ¿De qué va su novela?
- De todo un poco.
- ¿Va del cáncer, por ejemplo?
- Sí.
- ¿También sale mi mujer?
- Claro.
Genial. Sin palabras...

Cuando me dejaron ésta película y me dijeron que era un manga, pensé en un producto de acción similar a Ghost In The Shell, pero cuando me fui dando cuenta, a medida que la veía, de que era un drama, me decepcionó un poco. Pero, evidentemente, sólo fue al principio...
Hacía mucho tiempo, cuando me la dejaron y la pude ver, que no me llevaba un impacto tan enorme, tan sublime. No me hace falta ver Platoon para odiar las guerras, con ésta película, sin ni un sólo tiro y casi ninguna secuencia de acción, yo lo hago. Es imposible, salvo que alguna persona sea un iceberg o algo parecido, que quien la vea no se sienta inundado por la náusea más baja, más deplorable, más agotadora y más negra. Película tortuosa, dura, a la que le gusta jugar con los sentimientos de los espectadores y hacerlos llorar; creo que es imposible no hacerlo con ése final tan descarnado, tan obviamente trágico.
Uno se da cuenta, poco a poco, del constante deterioro que sufren los dos hermanos - inolvidable Setsuko - a causa de la guerra; y cómo unos caducos y absurdos principios japoneses, y mundiales, como son el orgullo y el honor, hacen derrumbarse toda posibilidad de esperanza. Película demoledora, sin concesiones, emotiva y seria. Una visión inteligente y no tan convencional del terror, de la lucha por la supervivencia y del egoísmo, y de sus causas y sus consecuencias. Da donde más duele, en pleno corazón. No deja indiferente a nada ni a nadie. Desbordante de sentimientos y dulce a la vez, con una música deliberadamente melodramática, compuesta para acentúar y manipular. Pero no le quito mérito. Es una auténtica obra maestra indispensable. Te hará reír (no mucho), te hará sufrir, pero no será en vano.
Por último, os pido a quienes lean mí crítica, que nada nuevo dice, y le entren ganas de verla, que por favor la veáis en japonés.

Alguien dijo hace poco que quizás los años 70 no serían lo que fueron sin Robert Towne, y a lo mejor tenía razón. Él es autor, según muchos críticos, de uno de los mejores guiones jamás escritos: Chinatown; y ha realizado numerosas colaboraciones de vital importancia. Pero aquí la ha liado, ha metido la pata de lleno. ¿Qué ha fallado? Todo prometía bastante: a Colin Farrell le iba el papel de Arturo Bandini, y a Salma Hayek el de Camila López; Robert Towne parecía indicado para adaptar la novela y pasarla a la gran pantalla. ¿Entonces? Pues nada, que la película es un auténtico bodrio. La relación amorosa que Fante convierte en una genial obra maestra, aquí Towne la echa por tierra y destruye todo atisbo de originalidad, degradando la historia a un vulgar y esperpéntico melodrama de domingo tarde.
Tenía la pasta, tenía dos buenos actores que encajaban en sus personajes, tenía toda la producción necesaria para poder retratar el Los Ángeles de los años 30, tenía la suficiente habilidad como para poder llevar a buen puerto esta cinta, esta idea de reproducir visualmente el inmenso libro de John Fante. Pero no, ha preferido hacer algo cercano al delito, sino al aborto repulsivo que es esta película. Además, no respeta, como suele ocurrir, nada, y cambia todos los acontecimientos originales (como lo de darle tanta importancia a que Camila fume marihuana, que es una estupidez).
Una gran decepción. No hay nada que merezca la pena. Es una gran perdida de tiempo y un gran puñal en la espalda para todos los admiradores del escritor del libro.
Por cierto, ¿no es para meter en la cárcel al traductor del título de la película? Por una vez que tienen un título fácil para traducir, como es "Ask The Dust", prefieren cometer la traición de cambiarlo al tópico y más que mil veces visto "Pregúntale Al Viento".

"Es "Arrebato" un instante oscuro del pesimismo", dijo Ángel Fernández Santos de dicha película. Si bien la que en FilmAffinity se lee es fabulosa, más le habría valido guardarse esa sentenciosa frase para la película que ahora me ocupa: "Es "El Tiempo Del Lobo" un instante oscuro del pesimismo".
Película hecha con la víscera más honesta de Michael Haneke. "El apocalípsis sin ciencia - ficción", reza el subtítulo del film, y no podía ser más exacto. Se trata de un ensayo, de un estudio inteligente y mordaz sobre el comportamiento del individuo y del grupo en situaciones extremas; sobre el fracaso del ser humano, sobre la caída del imperio occidental. Película, como todas las de Haneke, seca, sobría y dura. Para mí, sin embargo, pecó de abarcar un excesivo realismo.
Esa severidad, esa terca ambición de mostrar en todo momento y de manera abiertamente explícita la realidad tal y como es, y como se nos podría mostrar, es lo que hace que esta cinta se haga muy incómoda de ver. Es tal su veracidad, que el cineasta hace un rechazo constante de los tópicos generales del cine, usados para conmover, y para sazonar la historia: no hay música incidental, y casi nada diegética, por ejemplo. Aquí, pues, no hay sal y todo es gris, como el destino. Cierto que es un planteamiento tenebroso al máximo, pero, ¿podría ser de otra forma?
Retrato, aunque áspero, conmovedor del horror que a veces puede suponer la tragedia de existir. La película empieza y acaba de una manera genial y brillante, abruptísima. Es lo mejor del film. En medio hay altibajos: en ningún momento dejan de suceder dramas que nos desgarran; éste, dije antes, es el sombrío ejercicio que hace que yo le ponga un ocho con cinco a la película. Es demasiado incómoda de ver, demasiado hosca, demasiado brutal, demasiado cruda, demasiado realista.
Como conjunto es estimulante y profundamente turbadora, con momentos que rozan el milagro. Hecha con las entrañas y con las uñas y no con otra cosa. Éste sí es cine en carne viva, cine que queda. Un escupitajo amargo y furioso a la cara de nuestra sociedad, con ese toque kafkiano que caracteriza la absurdez del género humano. No apta para mentes y espíritus frágiles.
P.D.: En la noche después de verla tuve un sueño intranquilo y no descansé bien. ¿O fue un sueño lúcido?

¿Qué se puede decir de Tran Anh Hung? Mil cosas. ¿Tendrá importancia lo que yo diga?, no lo creo. No voy a decir nada nuevo. Pero bueno. Me arriesgaré a ser aburrido. Ahí va mi crítica.
Para empezar decir que Cyclo es una película atípica en la filmografía de este realizador vietnamita. Si El Olor De La Papaya Verde y Pleno Verano eran luminosas y bienintencionadas películas, ésta es todo lo contrario. Es confusa, sí; no creo que sea hiperviolenta, quizá tan sólo violenta. Sordida seguro que sí. Y eso es lo que me llamó la atención de esta película. Es una historia típica, pero narrada con una fuerza arrolladora y con tan poco convencionalísmo, que apabulla. Puede fulminarte con unas imágenes o emborracharte de poesía con otras. Una obra capital, visionaria, confusa, sórdida, oscura y bella, bellísima. Los poemas en voz en off conjugados con la imágen y luego con la música hacen de esta cinta una sinfonía eléctrica, enérgica a veces y acompasada otras.
En mi memoria aun arden algúnas imágenes que se quedarán ahí para siempre. Asombrosas. Nunca vistas. Mágica es la escena de la discoteca en la que la increíble Nguyen Nhu Quynh baila al son de Creep de Radiohead. Y Tony Leung y Le Van Loc lo hacen que se salen. Sobre todo Le Van Loc. Si os gustó La Anguila vedla. Eso sí, y no sé por qué, es muy dificil de encontrar. Y eso que tuvo algún premio en Venecia.
Y fijaos en el dato curioso de que Tony Leung, siendo chino, trabaje en una co - producción franco - vietnamita donde todos los actores son de este país y hablan vietnamita. ¿Cómo hacer que ésto funcione?, muy fácil, no otorgándole a Tony ni una sólo palabra en el guión. Bueno quizás un par de ellas. Pero la vi por desgracia en español y presumo entonces que hablaría esas pocas palabras en vietnamita.
Por último, dejar patente que Tran Anh Hung, junto con Hou Hsiao Hsien y Wong Kar - Wai y no muchos otros más son los directores de cine más vanguardistas, arriesgados, iluminadores y visionarios en el panoráma contemporáneo del séptimo arte. Y esto es una opinión. Como todo lo demás, claro está.