A día de hoy el nombre de Ridley Scott suena con fuerza, algo que sucede cuando estrena película, en esta ocasión es la superproducción "Exodus", algo que me ha llevado a ver otro de sus grandes proyectos a día de hoy algo olvidado, y la verdad es que no me extraña demasiado,
"1492 La conquista del paraíso" es una película cuyo argumento nos hace volver la vista atrás y recordar las películas de género épico con las que Hollywood enloquecía a la gente que acudía en masa a los cines, nada más y nada menos que una narración fílmica del viaje de Cristóbal Colón a América y su intento de colonización , pero al final todo se queda en eso, en un mero intento.
El arranque es en cierta medida poderoso, llenando de entusiasmo al espectador ante una historia que promete deparar grandes momentos, pero conforme va pasando el tiempo se tiene la sensación de que el guión está atascado, no sabe en que dirección seguir para continuar en esa línea, y acaba llegando al final del camino, pero con demasiados tropiezos en dicho trayecto. La relación que tienen los colonos con los indios no queda bien plasmada, sin llegar a ofrecer algún momento para recordar y se termina cayendo en ciertas situaciones típicas que podrían estar mejor si se las hubiera dotado de mayor profundidad.
La falta de profundidad perjudica bastante a la cinta centrada más en ofrecernos momentos típicos, aunque alguno no deja de ser emocionante, pero al final se echa en falta unos personajes más logrados con los que poder conectar, y un ritmo lento que en este caso por momentos llega a hacer aburrida la película, amenizada al final con unas secuencias dignas del buen cine de acción/aventuras.
De todo el reparto obviamente destaca un Gerard Depardieu entregado por completo a su personaje, y en cuanto a los aspectos técnicos no hace falta decir que son notables con una buena fotografía y sobre todo una extraordinaria banda sonora de Vangelis, aunque no llega al nivel de brillantez mayúscula de su otro trabajo para Ridley Scott en "Blade Runner".
En fin, una superproducción fallida del cada vez más comercial Ridley Scott, al servicio de la industria hollywoodiense que no concede demasiadas libertades y que supongo que le da alguna patada que otra a la historia (Sigourney Weaber se parece bien poco a Isabel i), pero al menos me queda el recuerdo de otras superproducciones de este señor que si son dignas de elogio , aunque el nivel de sus primeras películas no creo que se vuelva disfrutar

En lo que llevamos de siglo, Francia en cuanto a cine es bastante irregular, sobre todo por la triste ausencia de algún cineasta de referencia a nivel mundial que en épocas tuvo e incluso en abundancia, sin embargo parece ser que tiene una virtud que comparte con otras naciones del mundo como Argentina y es la de conseguir que cuando una película tenga éxito dentro del país, no conforme con eso lo tenga a nivel mundial. "Intocable" es un buen ejemplo de ello, todavía recuerdo que esta película estaba anunciada por casi todos los rincones de un gélido Madrid, motivo por el cual uno llega a sentir necesidad de verla aunque sea con desconocimiento de su argumento.
Cuando concluyen las casi dos horas de duración de la película se tiene la sensación de haber pasado un rato agradable y sobre todo conciliador con el mundo, repleto de tragedias e injusticias, porque desde luego aquí se aprecia una humanidad y una dedicación a los problemas ajenos que ojalá se dieran más a menudo, pero dejando aparte estas sensaciones hay un vacío que lo anteriormente expuesto no consigue llenar.
Una trama como ésta no es la primera vez que se da, a bote pronto recuerdo "Esencia de mujer" con aquel inolvidable Al Pacino interpretando a un ciego amargado, en este caso no es un ciego sino un minusválido, y en aquélla el que le cuida no es un fenómeno como en "Intocable", más bien todo lo contrario, en ambas el éxito está en el contraste del carácter de los protagonistas. Es decir, es algo que ya conocemos, lo que provoca caer en ciertos clichés tan cotidianos como previsibles, como
la alternancia entre momentos cómicos y dramáticos, ciertas reacciones de los personajes, así como giros argumentales que a día de hoy y con tanto cine a las espaldas están muy vistos, y en todo esto se resume el principal defecto que lastra algo la película, y es su carácter demasiado previsible.
Hablando ya de aspectos que no sean defectos, dejando aparte la humanidad que desprende la película, lo más genial que hay en ella son sus dos personajes protagonistas de los que no es muy difícil enamorarse por varios motivos. El contraste que hay entre ellos consigue crear situaciones bastante divertidas, liderados sobre todo por el negro, todo un crack al que aunque no lo parezca le entendemos en bastantes cosas, en mi caso su fascinación hacia una pelirroja de gran similitud a Julianne Moore. Hay momentos entrañables, aunque los cómicos priman más que éstos, que en algunas ocasiones van acompañados de un piano( probablemente el instrumento más empleado para sacarle la lágrima al espectador) que aunque suena bien, a veces resulta ya molesto.
En definitiva, una película entretenida, divertida y algo entrañable a la que sería muy injusto de calificar de extraordinaria u obra maestra como muchos hacen porque su función es hacernos ver que en el mundo hay gente con la que todos soñamos tener a nuestro lado, pero sin ninguna pretensión artística o cinéfila

El 2015 acaba de empezar, un año más, tal y como decía el padre del actual rey de España, y yo lo he estrenado de, en mi caso, una manera especial. En mi casa hay una buena colección de libros, y cuando era pequeño había uno que me llamaba la atención por su título, "el Gatopardo", muy curioso para mi por aquel entonces. Años después apareció una de esas cosas tan maravillosas como eternas, y es mi pasión por el cine, que me desveló la existencia de una adaptación de esa novela que hace unos meses tuve el inmenso placer de leer. Mis ganas de ver esta película eran enormes, pero había un problema que me hacía tener ciertos prejuicios, y es que es del atormentado Luchino Visconti, del cual ya había visto las tediosas "La caída de los dioses" y sobre todo "Muerte en venecia", pero afortunadamente mi ansia ha estado muy justificada.
La cinta es deslumbrante desde los primeros segundos con la música de Nino Rota (de sus mejor trabajos desde luego) mostrándonos un palacio siciliano, y ese deslumbre continúa a lo largo de sus tres horas de duración adentrándonos en una trama cuyo escenario es la seca y calurosa Sicilia en plena revolución Garibaldina con sus posteriores consecuencias. Al igual que casi toda la filmografía de Visconti, es llamativa su puesta en escena, con fotogramas que se pueden confundir con cuadros, que tienen como protagonista el interior de recargados y lujosos palacios.
La temática de la película es bastante amplia y también compleja, cualquier espectador entusiasta de la política ( y de la historia) debe sentir fascinación por ella, ya que aquí se dan cita la eterna lucha de clases, la hipocresía, movimientos revolucionarios, la decadencia, el amor aquí juega un papel secundario, y todo esto gira en torno a alguien con nombre propio, BURT LANCASTER.
Es un reparto llamativo, en el que figura Alain Delon, la guapa Claudia Cardinale, y Burt Lancaster, un oscarizado actor norteamericano habitual en géneros como el western y las aventuras, y al que Visconti en principio no quería. Lo que aquí hace Burt Lancaster no es una interpretación, es una creación artística, mismas palabras salidas de la boca del propio actor haciendo referencia a la película, a su director, y al cine en general (algo que no había considerado hasta ese momento), metiéndose en la piel de ese aristócrata que ve y acepta de manera caballerosa e incluso emotiva como su clase social y el mundo que él ha conocido se desvanece como la propia vida.
La dirección es sublime, con un ritmo lento con el que se consigue fijar nuestra atención en todo tipo de detalles, con una fantástica banda sonora de Nino Rota y por supuesto de Giuseppe Verdi, y con esto queda patente el otro oficio de Visconti, director de ópera, que también le sirve para conseguir una puesta en escena y una fotografía para el recuerdo, y todo ello está sustentado en un portentoso guión con diálogos literalmente exactos de la excelsa novela de Lampedusa tan líricos como didácticos, porque en algunas escenas se repasan momentos clave de la historia de Italia.
Estamos ante una obra de arte no recomendada para todo tipo de públicos ( a los que aman "Iron man" y demás blockbusters no se la recomiendo) y que nos ofrece tres inolvidables horas de las que yo destaco una parte, y son las secuencias finales, sobre todo la del baile, probablemente el mejor que jamás se haya filmado, y termino con una inolvidable frase :
"Hace falta que todo cambie, para que todo siga igual"

Llevo bastante tiempo pensando en hacerme una cuenta en esta web, para hacer críticas, valorar películas y demás. Sin embargo me estaba reservando para un momento cinematográfico especial, y hoy ha llegado, ya que he vuelto a ver "Érase una vez en América".
La vi por primera vez más o menos hace un año, y la opinión que tengo de ella, y las sensaciones que me provoca afortunadamente siguen intactas.
La primera sorpresa que se puede llevar un espectador más o menos cinéfilo o simplemente que posea una cultura general más que decente es el género al que pertenece la película y el nombre de la persona que la dirigió, y efectivamente puede parecer contradictorio. Cada vez que uno piensa en Sergio Leone se le viene a la mente el desierto de Tabernas (Almería) poblado de hombres rudos, sucios y sin ningún tipo de moral y por su puesto envueltas en melodías compuestas a bases de silbidos, guitarras,armónicas, que a nuestros oídos siempre le resultarán familiares, afortunadamente para mi ya no es así. A todo aquel que la vea, le sorprenderá saber que "Érase una vez en América", además de ser la absoluta obra maestra de su director, es que es su película más personal y ambiciosa, y empezó tras el descubrimiento de una novela a cuyo lector le llegó al alma y quiso llevarla al cine a toda costa al margen que la odisea que eso supondría. Esta película es la historia de un perdedor, de un hombre ya casi anciano que vuelve a su Manhattan natal 35 años después, tras haber recibido una misteriosa carta anónima. Un primer aspecto a destacar es la estructura no lineal de la película, ya que se va narrando mediante flashbacks una historia ambientada en tres décadas (20,30,60), y en relación con dicha estructuración hay que decir que esta es una película que abarca todas las etapas de cualquier ser humano ; infancia, madurez y vejez, cada una con sus respectivas características. La recreación de la infancia con una interpretación magistral de los niños y la vejez es algo sublime en todos los sentidos. La dirección de Leone es sorprendente, ya que aquí es más convencional y no tiene las exageraciones que caracterizaban a sus spaghetti western, pero con señas de identidad, tales como el gusto por los primeros planos, largos y pausados movimientos de cámara, la violencia y el uso de la banda sonora de la que luego hablaré. El reparto de la película es notable, pero sin llegar al sobresaliente, protagonizada por un Robert De Niro en el apogeo de su carrera, pero que sin embargo es devorado en la pantalla por un James Woods en estado de gracia. La fotografía que corre a cargo de Tonino Delli Colli ( colaborador habitual de las películas de Leone) con tonalidades marrones, ámbares y grisáceas que tanto le caracterizan es magnífica, con algunos impresionantes fotogramas como el que aparece en el póster de la película, pero aún así no me parece su mejor trabajo. En cuanto a la banda sonora.......que decir de la banda sonora que una vez más en el cine de Leone corre a cargo del maestro Ennio Morricone, pero esta vez llegando a la cumbre de su inmenso arte, creando una atmósfera de emotividad y nostalgia pocas veces vista en el cine. En relación con la banda sonora, si hay un músico que se ha portado bien con las mujeres en el cine ese ha sido Morricone, porque si nos emocionó aquel tema que le dedicó a Claudia Cardinale interpretado por una soprano en "Hasta que llegó su hora", el que aquí le dedica a Débora no se queda atrás.
En definitiva, estamos ante una absoluta obra de arte, que habría entusiasmado al mismísimo Shakespeare debido a la cantidad de sentimientos humanos que aparecen ( comentado en el spoiler) y que podría haber dado lugar a una obra suya. Recomiendo ver esta película sin prisas, relajado, sin sueño y con la conciencia de lo que se va a ver. Y ya para terminar, decir que esta fue la última película de Leone, un cineasta incomprendido que vió como su obra maestra fue criticada y maltratada por los americanos, y que por culpa de su mal cuidado físico, la muerte se cobró la vida de un genio que tenía en mente proyectos muy prometedores como " Los últimos días de Leningrado", un remake de ¨Lo que el viento se llevó", y la adaptación cinematográfica de "Cien años de soledad", su aliento se apagó, pero sus obras serán eternas.