35 Rhums o 35 tragos de ron, es una película hermosa, preciosa, triste y melancólica. Claire Denis dirige con precisión, cuidado, detalle y con gran sutileza este canto triste y hermoso a las relaciones que tenemos en nuestra vida con nuestros u otras personas, a la monotonía, los miedos y a la vida en general.

En cada plano y cada movimiento se quiere trasmitir algo, para esto Denis con suma destreza crea ambientes acordes a lo que quiere que se sienta en la escena, lo acompaña con la banda sonora y los temas adaptados que complementan las distintas atmosferas del filme de maravilla. La conjunción de todos estos elementos junto con los protagonistas es tan precisa que traspasa la pantalla.

Hay escenas memorables, como esa en donde quedan atrapados en el bar, luego de que iban a un concierto y por fallos en el auto tienen que bajarse bajo la lluvia, empujar el carro y luego encontrar un refugio. Cuando encuentran ese refugio, todo lo que sucede en esa escena es mágico. Denis, utiliza la música de forma magistral, la ambientación y las actuaciones esplendidas de cada uno de los personajes, hacen que la escena permanezca contigo luego de verla.

Las interpretaciones, absolutamente todas fantásticas. Denis recurre a dos de sus actores fetiche, Descas y Colin, que acompañan al resto del elenco, que en cada escena no actúan, sino que la viven. Aprovechan los recursos de Denis y ellos simplemente se dejan llevar.

El filme hecho con gran sutileza, rebosa nostalgia, pasión y esperanza. El alma de los personajes queda desnuda antes nuestros ojos, los sentimos, los entendemos y nos identificamos con ellos. Ya sea por la represión de nuestros sentimientos, esos silencios eternos o por la inercia del constante vivir.

Es una obra maestra que estremece todos los sentidos. Te golpea, te traspasa con gran sutileza, te dejas llevar por la música y los hermosos planos con que Denis plantea y te muestra esta historia.

Es una historia relativamente sencilla y normal, pero muy humana y Denis la enaltece a un gran escalón, en donde sólo se encuentran aquellas escazas obras que alcanzan a ahondar en el fondo del alma humana y recorrer todos los sentidos y emociones, desde la nostalgia y la tristeza hasta la alegría y la esperanza. Muy recomendada.

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“Despedidas” o “Departures”, es una película hermosa y nostálgica. Narrada con gran sencillez es, con sutileza, cuidado y precisión. La fotografía, la dirección, la música, todo se conjuga en esta fábula sobre el perdón, el respeto y la reconciliación.

Cuenta la historia de Daigo Kobayashi, un violoncelista que se ve en una profunda crisis cuando la orquesta para la que trabaja quiebra. Sin poder hacer el trabajo que le apasiona se le ve muy triste y sin esperanzas al no poder conseguir ningún otro trabajo. Por lo que decide devolverse con su esposa nuevamente a su pueblo natal. Allí un día acude a una entrevista para un trabajo que ni se imaginaba nunca que iba a realizar: el de enterrador. Aquellas personas que limpian los cuerpos de los recién fallecidos, los arreglan y tratan de ponerlos de la mejor forma posible para que sus allegados se lleven una hermosa imagen la persona y se despidan de la mejor forma posible. Aunque al inicio Daigo tiene inseguridades frente al trabajo, por lo mal que es visto en sociedad, trata de ocultar su profesión, hasta que todos se enteran y le caen encima, justo cuando ya se ha enamorado de su nuevo trabajo y parece haber encontrado su misión en la vida.

En forma general ese es el argumento. El filme tiene muchas escenas que son excelentes. Desde el ancestral procedimiento del trabajo de Daigo hasta aquellas que son traídas desde el recuerdo. Entre todo hay un mensaje muy esperanzador, que es el de hacer tu trabajo, cualquiera que sea con amor, pasión y respeto. Dejara de ser un trabajo y se volverá una pasión, algo que llena tu espíritu.

Por eso, aunque en ocasiones roce la lágrima fácil, tenga un tono grandilocuente y las actuaciones en ocasiones se vean sobreactuados o sin naturalidad, por ese juego constante entre el drama y la comedia, la película me ha fascinado. Es al mismo tiempo muy humana, poética y conmovedora, esto hace que se pase por alto sus pequeños fallos.

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Kevin Macdonald, ese excelente director de documentales como “Un día de septiembre” y “Touching the void”, que también tiene algunos largometrajes interesantes como “El último rey de Escocia”. Después de sorprender el año pasado nuevamente con el documental de “Life in a Day”, este año presentó en Berlín el documental “Marley”.

“Marley” fue un proyecto apoyado por el hijo de Bob Marley, quien lo apoyó y puso por primera vez a disposición a la familia de Marley a hablar sobre el fallecido cantante.

El documental es una revisión de la vida de uno de los cantantes más importantes e influyentes de la historia de la música. Desde su infancia y los problemas que tuvo por su color en una comunidad donde todos eran 100% negros y él era mestizo, debido a su madre, una afro-jamaiquina y su padre, un jamaiquino blanco de ascendencia inglesa que casi nunca veía a su hijo por sus constantes viajes, y que murió cuando Bob sólo tenía 10 años.

Y así, continúa el recorrido por su infancia y adolescencia que es bastante minucioso. Aunque es muy interesante esa parte en la primera hora del documental, se hace a veces un poco pesada por el exceso de información. Pero el espectador no se debe desesperar porque lo que viene posteriormente es fantástico, en las más de dos horas que dura el documental completo.

Luego vemos el crecimiento de un ídolo, un artista con convicciones que nunca abandonó sus creencias y su esencia, y al contrario llevó afuera su música, el reggae y su estilo rastafari y lo convirtió en un estilo reconocido mundialmente. Vemos la gran influencia que tenía en su comunidad, y la neutralidad que mantenía dentro de los dos bandos políticos, que le generaron muchos problemas, hasta un atentado de muerte.

En el documental no se endiosa a Marley, solamente se muestra la realidad de lo que fue y lo que representó, y todo eso fue muy grande. Pero al mismo tiempo observamos que no era un ser perfecto, que en ocasiones hacía sufrir a su esposa por sus infidelidades, entre otras cosas. Pero a pesar de todo fue un artista comprometido con su música, su talento, y que creía fervientemente en la música como motor para construir, transformar y unir a la sociedad y a las personas.

Además, durante todo el metraje contamos con que mejor banda sonora, que la mismas canciones de Marley. Finalizando con una canción que lo inmortalizó e inmortalizó su causa, “One Love”, cantada por Marley y por distintas personas de todo el mundo que nunca olvidarán a este gran artista, un personaje fascinante, y uno de esos artistas comprometidos que ya no quedan. Muy recomendada para amantes y no amantes de Marley.

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Película animada muy interesante, narrada desde el punto de vista de un gato. Un gato particular que un día se come al periquito de su dueño e inmediatamente todos sus pensamientos empiezan a tomar cuerpo y sonido, y empieza a ser escuchado por los humanos.

Además de hablar, está dotado de gran retórica y por iniciativa de su amo, que es un rabino, empieza a estudiar las escrituras del amo, y las críticas sin ningún tipo de tapujos. Toda una experiencia que los llevará a vivir varias aventuras juntos.

Hay una crítica marcada constantemente en el filme a todo tipo de fundamentalismo y a la rigidez y el absurdo de varias religiones y regímenes. Porque tenemos además de la parte religiosa a fundamentalistas militares y patrióticos. ¿Qué acaso no es lo mismo?

Un filme muy interesante, que a pesar de que cumple con sus objetivos y es muy crítica, no alcanza a ser redonda. En ocasiones se pierde, pierde un poco al final. Sin embargo, vale la pena verla.

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Andrei Rublev fue un pintor religioso ruso de la edad media. El gran cineasta ruso Andrei Tarkovsky en el año 1966 hizo una película basada en su vida. Pero como podríamos esperar de Tarkovsky, no realizó un biopic convencional, ya que incluso detalles de la vida del pintor se desconocían, era su obra la que había trascendido. Tarkovsky en un gran ejercicio cinematográfico realizó una de sus mejores películas en su excelente filmografía. Ahonda en el mundo del arte, del artista, del ser humano y su relación con el entorno que los rodea. Muchas veces el artista vive en una burbuja de aire, apartado del mundo. Cuando este se enfrenta a la realidad por alguna circunstancia, su burbuja explota y cae en el barro. Pero este es un proceso que debe afrontar, debe vivir y sufrir la realidad, para posteriormente reflexionar y si es capaz de continuar con su trabajo artístico, servir de instrumento para la transformación de la realidad, y encontrar el verdadero estatus y valor del artista. Y en términos generales, “Andrei Rublev” nos muestra un poco la sustentación de ese argumento. No es explicado, porque Tarkovsky nunca explica nada, él le da las herramientas al espectador para que cada uno saque sus conclusiones y se identifique de forma individual con sus elementos.

Con un guión escrito por el mismo Tarkovsky y Andrei Kochalovsky, el director en esta ocasión nos traslada al siglo XV a su natal Rusia, donde el pintor medieval Andrei Rublev acude junto con su equipo de trabajo a Moscú para pintar frescos en la catedral de la Asunción de Kremlin. Rublev, que había pasado toda su vida pintando en su celda en un monasterio, sale por primera vez al mundo exterior y se percata de la violencia y la crueldad que azotan al pueblo ruso. El impacto con el mundo exterior es tan grande para Rublev que este renuncia a su arte, e incluso se niega a volver a hablar. Y de allí asistimos a un viaje personal de la vida del pintor, que fue famoso por sus iconos, en donde el director nos da un paseo a través de los detalles de la vida social, política y artística de la Rusia de principios de siglo XV.

La película esta maravillosamente dirigida, en un blanco y negro tan efectivo que se encarga de ahondar y profundizar en el significado de cada una de las imágenes, con una excelente fotografía, como es habitual en el director ruso, la música y la presencia indispensable de los elementos de la naturaleza en sus planos. Está estructurada en partes y capítulos, que representan cada una de las etapas de este viaje de descubrimiento del artista y un aprendizaje de vida del mismo.

Las actuaciones son muy destacadas, sobre todo teniendo en cuenta que Andrei Rublev no es siempre quien aparece en escena, todos muy convincentes, con reconocimiento especial para Andrei Rublev, y sobre todo para Nikolai Burlyayev, quien interpreta al joven fundidor de campanas, y quien ya nos había impresionado con su rol de Iván, en “La Infancia de Iván”, también de Tarkovsky. Su interpretación es simplemente inolvidable, principalmente porque es pieza fundamental en una de las mejores escenas del filme, ya al final, cuando le devuelve la esperanza a Andrei Rublev, le devuelve su arte y su habla.

En síntesis, una obra maestra imprescindible para entender la grandeza de este mítico director y una gran reflexión sobre la vida, el arte y el papel del artista en el mundo y consigo mismo. Al final del filme, luego de esa gran escena podemos ver imágenes a color con la obra de Andrei Rublev y sus imágenes icónicas.

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