He visto muchas películas del género carcelario (no sub-género) y las tramas y elementos son similares. Los códigos lingüísticos, las mafias internas, la conquista y control del poder, el hacerse respetar dentro del mundo del hampa, las prácticas sodomíticas (y el consabido "pescado fresco"), la corrupción funcionaria, las dificultades de rehabilitación social fuera de la prisión, y obviamente las fugas (cuando se trata de ellas).
Todos estos elementos son tratados con mayor o menor calidad y estilo (cinematográficamente hablando), según la película de que se trate, pero en general son cintas que destilan emoción e intensidad.
En "Sangre por Sangre", a todo lo anterior agregamos la sub-cultura de las pandillas de chicanos en Los Ángeles, EEUU, y, en ese sentido, nos muestra una visión interesante y que nos acerca a ese mundo, tan estereotipado.
La historia me parece muy atractiva, llena de acción, diálogos y situaciones verosímiles, episodios propios del tema, buena recreación de esa sub-cultura, en sus costumbres, rituales, mitologías, jergas, vestimentas y, especialmente, en el férreo espíritu de cuerpo a nivel de las relaciones familiares que demuestran sus integrantes.
Sin embargo, en mi opinión la película flaquea en dos puntos esenciales:
1) La débil interpretación de sus tres protagonistas (incluso, los secundarios parecen estar mejor).
2) Su excesiva duración. 180 minutos se hace pesada y en el último tercio de película, me parecía estar viendo "Sangre por sangre II ". Explico en spoiler.

Estos dos déficits disminuyen el puntaje en mi calificación, que, no obstante, alcanza la categoría de "buena".

El método pedagógico del profesor boliviano radicado en California, EEUU, Jaime Escalante, permitió que estudiantes deprivados social, económica y culturalmente pudieran acceder a estudios universitarios, en un contexto en el que el porcentaje de alumnos que lo lograban era casi nulo. Y por lo tanto, las expectativas de las autoridades del Colegio, de los profesores y de los mismos estudiantes, eran bajísimas en el posible éxito en las pruebas de selección universitaria. Y contra todo pronóstico, el profesor Escalante consigue lo que parecía imposible.
La película -traducida como "Con ganas de triunfar" en Latinoamérica y disponible en DVD- se basa en esta historia real y deja planteada una pregunta fundamental en el ámbito educativo: ¿ La educación, depende de la calidad del profesor o de la capacidad del estudiante? Y de paso, también deja de manifiesto que el llamado Efecto Pigmalión no es sólo teoría sociológica, sino una realidad en el mundo de la enseñanza. Aplicado a la educación, el Efecto Pigmalión es el proceso mediante el cual las expectativas o creencias que los profesores depositan en sus estudiantes, modificarán el comportamiento de éstos, haciendo que se cumplan dichas expectativas.

Escalante -brillantemente interpretado por Edward James Olmos, nominado al Oscar 1988- desarrolla su labor como profesor de matemáticas en la Escuela Garfield de Los Ángeles, una institución escolar neutralizada por reglamentos, prácticas rutinarias y temores de sus funcionarios y profesores. Se enfrenta a un curso de los llamados "conflictivos" y se propone impulsar un buen aprendizaje de sus estudiantes, cambiando rotundamente el método tradicional de un modelo educativo burocrático y anquilosado.

El profesor se da cuenta inicialmente que sus estudiantes adolecen de problemas de razonamiento lógico y que continuar con una educación solamente conductista no los llevará a ninguna parte. Entonces empieza a utilizar en clases ejemplos de la vida cotidiana, analogías y mucha gestualidad y los transforma en casos didácticos de fácil entendimiento, para la mejor asimilación de los estudiantes, de una materia siempre compleja y abstracta, como las matemáticas (en este caso, el cálculo).
Con muy buen manejo de situaciones en el aula y gran convicción en su sistema, el carismático pedagogo va ganándose la confianza primero y el cariño después, de sus alumnos, incluso a algunos de ellos logra aislarlos de sus pandillas e interesarlos en la educación. Cada dificultad la enfrenta como una oportunidad de enseñar, hasta es amenazado en clases, pero el maestro no cae en el juego del matonaje, al contrario, usa el humor y la empatía y así se gana el respeto del alumnado. Ellos pueden aprender matemáticas, se propone firmemente Escalante.
Entonces, plantea al Consejo de Profesores y al director de la Escuela, su filosofía pedagógica, que destaco con mayúsculas: “ PARA ENSEÑAR SÓLO SE NECESITAN GANAS”.
Debe luchar contra el escepticismo e incredulidad de sus colegas. Se entrega en cuerpo y alma a su labor, hasta sacrificando su vida familiar y su propia salud en cierto momento.
Debido a su duración (no extensa) la cinta no alcanza a mostrar en detalle la larga evolución de los cambios conductuales y académicos de los estudiantes. En la vida real se entiende que todo esto habrá tomado más tiempo que lo mostrado en la película, pero esto no le resta mérito alguno, ya que se muestra lo esencial y se capta el mensaje de fondo.

Buenas interpretaciones de los y las adolescentes "problemáticos", los profesores y autoridades, tanto del colegio como de la Agencia Estatal de Educación. Destacan un excelente Lou Diamond Phillips como el pandillero que se convence del valor de la educación y un acertado Andy García, en un papel diferente a sus habituales, y aquí -como funcionario de la educación estatal- se enzarza en un estupendo debate con Escalante.

¿Qué le falta a la película? Aunque están presentes claramente, tal vez haber profundizado un poco más los temas del racismo,la marginación, los prejuicios sociales hacia la población latina en EEUU, la discriminación y burocracia del sistema educacional y los criterios evaluativos de los exámenes de selección. Pero hubiera terminado siendo una cinta de 5 horas, con lo que sería un despropósito.
En resumen, una película para volver a ver y analizar, como ruptura de paradigmas educativos y sociales.

Lo mejor y lo peor de la película es:
Lo Mejor: Edward James Olmos, interpreta -notablemente imbuido de su papel- a un profesor apasionado por lo que hace, con fuertes convicciones y una vocación admirable.
Lo Peor: la corta duración.

Siempre es interesante ver películas que toquen temas existencialistas (que no de autoayuda) y así salir de lo predominante en la programación del cine "pandémico" por estos días (fundamentalmente vía Netflix), donde abundan cintas de acción superfluas, historias que se venden como "basadas en hechos reales" y comedias de escaso espesor, que, aunque algunas puedan entretener, se olvidan al instante.
Por eso me dispuse a disfrutar y reflexionar con esta historia humana ambientada en una gran metrópolis brasileña. Sin embargo, mis expectativas excedieron con holgura el producto que vi. Esperaba mucho más, en realidad, de un material que disponía de los elementos como para realizar una película de muy superior calidad. En forma y fondo.
Ingredientes tales como:
a) El suicidio, tema siempre complejo, ayer y hoy.
b) La lógica depredadora de lo humano, en el comportamiento de personas y empresas en el capitalismo salvaje.
c) En relación a lo anterior, recordamos el concepto del homo economicus, sustento antropológico de nuestro sistema social y económico.
d) El agitado ritmo de vida de las metrópolis modernas, que conduce a la instrumentalización de las relaciones humanas y al individualismo exacerbado.
e) La posibilidad siempre latente de redención humana.
f) El valor de la amistad y las cosas simples, por sobre barreras socioeconómicas y culturales.
g La importancia de la familia, tema siempre vigente.

No obstante, la trama empieza bien, es prometedora, con la historia de un prestigioso psicólogo que pretende suicidarse, tirándose desde un piso 21 en el centro corporativo de Sao Paulo, con impresionantes imágenes desde la altura. Hasta ahí sube un vagabundo de aspecto pacífico para, después de una conversación cargada de sentido, conseguir disuadirlo de su propósito.
Sin embargo, lo que viene después es un guión insulso, actuaciones opacas, diálogos ahora llenos de lugares comunes y aquellas frases de autoyuda, propias de un manual del género. En circunstancias que esas conversaciones ameritaban una mayor profundización, los ingredientes estaban como lo indicamos anteriormente. Está servida la mesa para ello, pero los comensales no tienen apetito.
El personaje del psicólogo casi no lo parece, hubiera dado lo mismo su profesión o formación académica, ni se nota aquí. Nada para el recuerdo. Y el mendigo si bien aporta bastante más, tampoco demuestra una interpretación convincente, no tiene matices, todo es previsible. Lo rescatable de él, es su propia biografía, que explica cómo se transformó en este errabundo personaje, que entrega brochazos de filosofía doméstica. Y finalmente, unos secundarios de cartón, para el olvido.
En resumen, sin haber leído el libro en que se basa la película (sólo referencias de él) , la cinta me parece que ha desperdiciado estas valiosas temáticas humanistas y la crítica a la racionalidad de la sociedad capitalista y sus lógicas conductuales en personas y empresas, que esboza muy tibiamente.
La califico con un 6, más que nada por el interés de su temática de fondo, que rompe con lo habitual, y que , de alguna manera, nos hace reflexionar sobre lo que verdaderamente importa en esta vida. Pero creo que no dejará impronta alguna como producto de cine.

Sin ánimo de reiterar las fortalezas y algunas debilidades que ya se han mencionado sobre esta interesante película de 1974, destaco lo siguiente:
1) La exquisita ambientación y reconstrucción epocal, con un tren de esos que ya no se ven (pura nostalgia personal).
2) Los estupendos diálogos, propios de las obras policiales de la autora.
3) El desenlace, pese a lo afectado del Poirot de Albert Finney.

Sobre el reparto estelar, un gusto para todo cinéfilo ver en pantalla a tanta figura reunida en la misma cinta.
Aunque se ven bastante contenidas y ajustadas a sus roles, que tampoco dan espacio para deslumbrar, hay por ahí algunos chispazos interpretativos a la altura de su fama respectiva (Bergman, Gielgud, Widmarck, Connery). Pero me sorprendió (y no para bien) ver a Anthony Perkins representando -exteriormente hablando- nuevamente una especie de Norman Bates, con los mismos gestos y tics, con similar actitud timorata, insegura y atormentada. Porque su gestualidad en el Expreso de Oriente no puede ser más parecida a la de aquel icónico personaje que le dio merecida celebridad por su brillante interpretación. Pero que, lamentablemente, lo encasilló.
En resumen, la versión de Lumet es una película que entretiene (pero hay que meterse en su ritmo), con un innegable sabor a clásico, que despierta añoranzas, pero me parece que le falta algo de nervio, una banda sonora más ad-hoc y otros elementos, como para ser una obra redonda. En todo caso, superior a la prescindible versión de Kenneth Branagh del 2017.

Kubrick, uno de mis directores preferidos. Tiene verdaderas joyas del cine y otras producciones con ciertos altibajos. Curiosamente, no se destacó por presentar grandes interpretaciones de sus actores/actrices en sus películas, con las claras excepciones de Peter Sellers (en Dr. Strangelov) y Malcolm Mc Dowell (en La Naranja Mecánica). A Jack Nicholson no lo incluyo, pues lo considero desaforado y excesivo en su interpretación en El Resplandor.
Las obras de Kubrick -que generalmente son adaptaciones personales de libros exitosos- destacan (y mucho) por la dirección, aspectos técnicos (como la fotografía, montaje, vestuario, estética en general) y por supuesto, las notables bandas sonoras adaptadas. Algunas de ellas hasta hoy son utilizadas en la publicidad y han quedado impregnadas en el público. Podríamos decir que sus películas -gusten mucho o gusten poco- son únicas e irrepetibles, no disponibles para remakes, ese filón comercial propio del cine del siglo XXI.
No es fácil analizar Barry Lyndon. Ya se ha dicho bastante en esta misma página y en otras similares, es una película estupenda técnicamente, extraordinario uso de la iluminación, con brillante ambientación de época (siglo XVIII europeo) y vestuario, batallas bien recreadas, muchas escenas son prácticamente obras de arte pictóricas.
Una maravilla visual, no cabe duda.
Pero -desde otra perspectiva- algunas de esas mismas imágenes, parecen también piezas de museo (no lo digo en sentido peyorativo, sino como algo inerte, sin vida). Vemos ciertos diálogos interesantes, pero sus personajes son poco trascendentes, no quedan en la memoria del espectador. ¿Quién podría recordar bien a uno solo de ellos, incluso al propio protagonista Barry? Hablando de él, y de la floja interpretación de Ryan O´Neal (aunque Kubrick logró sacarle más registro a un actor conocido por su ausencia de brillo interpretativo), observamos un personaje deslavado, que despierta poco interés a lo largo de la trama. Lo mismo sucede con el personaje femenino principal, una Marisa Berenson de indudable belleza, pero fría, inexpresiva y distante, con poco perfil psicológico y dramático. Los personajes secundarios están correctos, pero pecan del mismo defecto: la frialdad, la falta de nervio, la falta de profundidad psicológica, la carencia de diálogos para la historia (salvo excepciones, como ciertas situaciones provocadoras y algún momento cómico). Me parece que algunas escenas son demasiado largas, extendiendo innecesariamente la duración total de la película, con lo que ésta se hace algo pesada. Pese a su calidad técnica.
¿La música? Magnífica, como es el sello de fábrica de Kubrick. Aunque quizás, se abusa de ella en algunas escenas, que ameritan el silencio.
En resumen, la película casi no emociona, casi no conmueve, existiendo tema para ello, pues sí hay drama a lo largo de la historia que se nos cuenta. Es formalmente una obra artística del cine, pero que le falta alma.