Hay dos tipos de personas en el mundo a favor del cambio; Los que se sientan esperando que llegue, y los que hacen que ocurra.
Hollywood, fue de los primeros.
Tras Hattie McDaniel por su papel de criada en "Lo que el viento se llevó", tuvieron que pasar casi 15 años más, para que otra actriz de color, Dorothy Dandridge, fuera nominada al Oscar. En 89 años de historia de los Oscars, solo 17 personas de raza negra han conseguido uno.
Rock Hudson, aunque su homosexualidad era por todos conocida, nunca la hizo pública, ni se besó con ningún novio frente a un cine abarrotado de gente o se die la mano en la calle con la persona que realmente amaba.
Anna May Wong nunca volvió a la gran pantalla tras la negativa del estudio a que actuase como actriz principal en "La buena tierra" y que en cambio le sugirieran hacer de concubina asiática. Se retiró a los 37 años.
Y no, Hollywood no luchó por los derechos civiles raciales en los años 40, pudiendo, tal como sugiere Eleanor Roosevelt en una escena, cambiar el mundo.
Y así sigue siendo. Ni en Philadelphia Antonio Banderas y Tom Hanks se dan un mísero beso, ni Elsa de Frozen será lesbiana, ni el protagonista de Dallas Buyers Club era transexual, ni veremos muchas películas con protagonistas transgénero o de color sin que el tema de la película sea precisamente ese.
Ryan Murphy nos ofrece una ucronía, una película de historia alternativa, en la que Hollywood dio un paso firme y, harto de la doble moral, se lanzó como vanguardia dispuesto a cambiar lo que estaba bien y lo que estaba mal.
¿Es una forma de surrealismo de lo que Hollywood podría haber sido y no fue, tal como Manolo Caro nos presentó México en La Casa de las Flores? ¿Es una forma de, avergonzado, pedir perdón a los marginados en nombre de la industria, reescribiendo la historia a una más amable e inclusiva? ¿Es, simplemente, una historia divertida en la que da rienda suelta a su imaginación? ¿Un ensayo de ""qué hubiera pasado si hubiera pasado"?
Sea como sea, nos presenta una historia de superación personal, de sacrificio, de empoderamiento y de lucha, que aunque en los primeros capítulos no se vislumbre otra cosa que la degeneración de la industria y sus pobladores, más adelante nos cautiva y nos hace creer, que las cosas podrían haber sido distintas, con el único reproche de que, por desgracia, no lo fueron.
Y aquellos que no vean nada de esto en la serie, y se queden sólo con el surrealismo típico del director, con los detalles o personajes ficticios, o defraudados creyendo que sería una serie histórica al pie de la letra, sólo decirles, que eso es porque nunca se sintieron como unos marginados.
Gracias Ryan Murphy.

La vida es colorida, libre y preciosa.
La juventud, la ambición, los planes de futuro... Sin embargo, todo ello se ve truncado por un hecho inesperado. Rumores de una pandemia proveniente de otro continente llegan a Europa, y con ellos, los negacionistas, las teorías de la conspiración y las cifras de cientos, miles, y millones de muertos abandonados en salas de hospital por el terror al contagio.
No hablo del Covid, sino de la pandemia que asoló el mundo en los años 80, y que aun hoy día sigue haciéndolo especialmente en países con bajo nivel de desarrollo. Hablo del SIDA, que barrió, en sus peores años, a más de 35 millones de personas.
Russell T.Davies, ahonda en los horrores de esta pandemia, lanzando sutiles comparaciones con la de ahora, como, la mordaz crítica, de que si esta nos preocupa mucho más que aquella, en aquellos años, es, simplemente, porque afecta a todo el mundo, y no solo a los LGTBQ+, desgraciados que viven en pecado (guiño al título), y que, para parte de la sociedad, se lo merecen.
Creador también de la serie Years and Years, trae ese ambiente "tipical british", esa fotografía impecable, y a la maravillosa Lydia West, descubrimiento absoluto y que nos enseña la cara más amable de este sórdido submundo que se enfrenta a su mayor tragedia como comunidad.
Después de tantas series de empoderamiento feminista, (justificadas y necesarias), entra "It´s a Sin" en escena, que a modo de rebelarse contra la vergüenza, los tabúes, las familias intolerantes, la sociedad y la enfermedad, llega a constituirse como toda una declaración de intenciones a favor del empoderamiento queer.
A pesar de que los capítulos son sólo 5 y de una duración aproximada de 45 minutos cada uno, logra hacer que empaticemos con todos sus personajes, siéndonos a veces imposible, el poder decantarnos por uno en concreto. Aunque, confieso, la dureza de ellos, hizo que alguna vez tuviera una percepción temporal mucho mayor de algunos caps o escenas.
Elenco perfecto, guión realista, personajes complejos y fotografía magnífica, hacen de esta serie, una serie que creo, y espero, de mucho que hablar en los próximos meses.



Lo peor: La decadencia y la marginación sistémica al colectivo mostrada en los años 80/90, recuerda en ocasiones en exceso a series como "Queer as Folk", o "Pose", no siendo una perspectiva especialmente novedosa.

Lo mejor: Humaniza a sus personajes sin tener que maquillarlos para el público heterosexual ajeno al mundo LGTB, al punto, que uno puede llegar a sentir rabia, impotencia, alegría, tristeza y ganas de luchar por personas con las que, de otro modo, no habría tenido contacto.

Tuve el honor, (y el placer), de asistir a la premiere de esta película que organizó la cumbre hispano-francesa en la noche de la amistad, y lo que comenzó como un compromiso, teniendo en mente "la típica película francesa" (debería existir un género así), acabé disfrutando, riéndome prácticamente toda la película, y no queriendo que acabase.
Un hombre, al cual da vida el también director Franck Dubosc, es un exitoso ejecutivo de una marca deportiva, que en sus ratos libres, se dedica a flirtear con mujeres haciéndose pasar por todo tipo de personajes con el fin de tener un momento de adrenalina y de poder cambiar de registro con cada cita.
Sin embargo y debido a una confusión, acaba enredado en una situación en la que debe fingir ir en silla de ruedas.
¿Que cómo logra que una película no pare de hacer chistes sobre discapacitados sin apestar ni ofender a nadie? Es algo que aún me sigo preguntando.

La idea se centra en un avión secuestrado (ya de por sí esto es interesante y más desde aquel fatídico 11S), en el cual el secuestrador sostiene que deben ir hacia el Oeste huyendo del Sol, ya que por equis razones, se ha enterado de que los rayos solares mataran a todo ser viviente debido a la potencia de los rayos, incluso los que se refugien en búnkeres.
Con un elenco de 10 personajes y un escenario de un avión (perfectamente recreado, ya que trabajé como azafato aéreo en su día y cuyos detalles están perfectamente cuidados), las historias de los supervivientes van saliendo poco a poco a la luz, conformando un grupo de lo más variopinto y dinámico que agilizará la trama especialmente en las escenas en las que tengan que aterrizar para repostar, que es donde se viven los auténticos momentos de tensión.
Sin embargo y por desgracia, no sólo las actuaciones no son destacables, sino que hasta cierto punto, nos es difícil empatizar con alguno de los personajes (salvo, quizás, con el turco y la azafata).
Y esto es un grave error, ya que aunque sí logra transmitir la tensión del momento, (y más quizás ahora con el Covid 19 que nos hace estar más sensibles a cuál propuesta del fin del mundo), no terminamos de pasarlo mal por sus personajes, empatizar con sus problemas o pérdidas, ni encariñarnos de ninguno de ellos especialmente.
Aún así, es una idea original que se agradece en un tiempo en que todo son ataques zombies, alienígenas y catástrofes naturales, aunque el final abierto a una segunda temporada vuelve a pronosticar una decaída inevitable de la serie como tantas otras.
Y es que, algunas series, no dan más de sí, y la fiebre de estirarlas al infinito que parece reinar ahora y desde hace algunos años, solo puede hacer que una buena premisa se diluya y se envenene.

Antes de nada, agradecer no sólo a Miguel del Arco y a Clara Roquet (los creadores de la obra), sino especialmente a Bárbara Lennie y a Irene Escolar su propuesta tan innovadora de, en tiempos de Covid en el que el teatro pende de un hilo, querer acercar 6 piezas teatrales a los espectadores a través de la pantalla y de la plataforma HBO.
En ésta, Carmen Machi encarna a la gran Helena de Troya, caída en desgracia, inmortal pero envejecida con el paso de los años y los sufrimientos, que se dirige a una audiencia cuanto menos misteriosa, para contar su versión de los hechos que marcaron la guerra y exigir ser olvidada de una vez por todas.
Además, no sólo es interesante ese declive de su persona con cada copa de vino que no deja de consumir en ningún momento, hablando a duras penas pero con una dicción perfecta, tambaleándose y mostrándose enloquecida (algo que lejos de incomodar al espectador, nos cautiva y nos atrapa en ese morbo de "que pasará"), sino que también tiene cierto mensaje feminista, proponiendo un revisión ado de la historia, libre de romanticismos o edulcorantes, con el que pretende señalar a los monstruos como monstruos y a las víctimas reales como víctimas.
Merece la pena su visionado.