La historia parte con la contraposición de dos parejas Andreas y Anna, pareja modelo que tienen un bebé muy deseado, y una pareja de drogadictos, padres de un bebé al que no prestan atención y por el que nadie interviene para rescatarlo de esa situación. Andreas, desde su trabajo como policía hace un primer intento fallido. A partir de ahí comienza la historia con el fallecimiento de Alexander, hijo de Andreas y Anna y la posterior depresión y locura de unos padres incapaces de asimilar la pérdida de su hijo. En su desesperación, Andreas encuentra la solución errónea de cambiar los bebés.

La película engancha desde el momento en que se produce este hecho y te va guiando por los sentimientos de incredulidad, desesperación y dolor que viven ambas familias. Casi sin entrar en sentimentalismo de un drama de estas características, los protagonistas mantienen en tensión al espectador y consiguen tocar su propia fibra sensible. Buenas y creíbles actuaciones de todos los personajes que llevan a la reflexión sobre cómo las apariencias engañan, la delgada línea entre el bien y el mal, la responsabilidad de la paternidad y, como el propio título indica, las segundas oportunidades.

Como punto negativo destacaría, en la parte final de la película, lo descabellado de la historia como menciona el propio Simon en la historia y que el enredo de personajes hace que roce y casi llegue al cansancio. Por suerte, no lo alarga mucho y llega a un final contundente y creíble.

NOTA: 6

LO MEJOR: Las preguntas que plantea al espectador y las actuaciones.
LO PEOR: La historia se entrelaza rozando la inverosimilitud.

Con 10.000km somos testigos de una película sencilla sobre la distancia en el amor y la consecuente dificultad de que todo fluya y la alta probabilidad de que todo se destruya. Los protagonistas, Alex y Sergi, evolucionan del planteamiento de la paternidad a la lucha por mantener una relación a pesar de los 10.000km que los separan.

El tema que trata la película es de total actualidad, teniendo en cuenta los miles de jóvenes que se han tenido que buscar el futuro en otro país aplazando sueños e ilusiones, y es por ello que es cercana al espectador, atrae sobre todo al público nacido en los 80. Cualquiera de ellos puede estar o verse en esa situación. Pero, la película es solo eso. No aporta mucho más. Es una visión más de una relación en la distancia, de una pareja en lucha por mantenerse. Quizá si la película se hubiera abierto a mostrar la vida de ella y la vida de él tras la separación, podría resultar más creíble y menos aburrida.

He sentido cierta decepción al verla porque esperaba bastante más. Suelo conectar bien con las historias de amor, las hago mías y entro de lleno pero, en este caso, me ha parecido todo muy aséptico. No hay sorpresa, no hay un sentimiento que traspase la pantalla y te haga ser ella o él. Bueno, él quizás un poco más. David Berdaguer si consigue, mejor que Natalia, trasmitir la desesperación de saber que las nuevas tecnologías no harán más fácil la distancia, que la infidelidad y los celos son el gran enemigo y que el olvido está cada vez más presente.

Cabe destacar las ya mencionadas nuevas tecnologías, presentes desde el comienzo de la película hasta el final de la misma. El ordenador y las múltiples aplicaciones de comunicación que existen en la actualidad se muestran como una ayuda totalmente necesaria para que todo funcione pero el film deja patente que el amor es mucho más que eso, que Skype puede ayudar, pero nunca será suficiente. Puede ser que la frialdad que deja el ordenador esté en consonancia con ese amor frío que los protagonistas demuestran.

Por último, subrayar que aunque la película me ha dejado fría si que consigue llevar a la reflexión sobre el amor: ¿cuándo se quiere, se puede? ¿hasta que punto estamos dispuesto a sacrificarnos por lo que se intuye como el amor de tu vida? Ahí lo dejo.

NOTA: 5
LO MEJOR: La realidad y actualidad de la película.
LO PEOR: La incapacidad de traspasar la pantalla y llegar al espectador.

Alberto Aranda presentó en el Festival de Cine de Málaga 2013 su película La Estrella en la que se contrapone la vitalidad y fortaleza de Estrella (Ingrid Rubio) frente a la depresión y sumisión de Trini (Carmen Machi) que, víctima de malos tratos, intenta luchar y dejarse ayudar por los que la rodean y superar las dificultades a las que se enfrenta.

Se trata de un drama al que no le faltan las pinceladas cómicas y características de Carmen Machi que se presenta totalmente encasillada en su papel de madre, maruja, luchadora... que le ha marcado tanto en su serie televisiva Aida. Desde luego con este film no conseguirá salir de ese encasillamiento puesto que refleja en ella el día a día de una mujer maltratada, muy bien mostrado, pero como actriz es “más de lo mismo”. A veces me cuesta creer que pueda llegar a hacer algún otro papel...

El peso de la película recae en Estrella (Ingrid Rubio), que con su actuación impecable, hace que la película suba de nota. Es su gracia, su simpatía y su salero el que consigue hacer de la película algo más que una film sobre el maltrato a la mujer. A la vez de mostrarse como la amiga preocupada y entregada, cuenta su propia historia y refleja una evolución del personaje que, en cierto sentido, también puede ser considerada como maltratada.

Del elenco masculino destaca Fele Martínez sobre Marc Clotet en todos los sentidos. Se presentan como personajes contrapuestos y ese es el punto más interesante en ellos. Vistos de forma conjunta comprobamos que son la noche y el día, la alegría y despreocupación del primero frente a la rectitud y seriedad del segundo. Desde mi punto de vista, creo que se podría haber dado más protagonismo, sobre todo en la primera parte de la película, a la parte masculina y ha faltado una clara visión del no al maltrato, en cualquiera de sus formas.

En relación a esto último, no considero que sea una película que sirva de ayuda para tratar el tema de los malos tratos en centros docentes, teniendo en cuenta lo que he podido leer, puesto que no es una película categórica y, sobre todo, por la parte final de la película.

NOTA: 6
LO MEJOR: El mensaje de lucha que transmite Estrella y el juego de contrarios Estrella/Trini.
LO PEOR: El encasillamiento de Carmen Machi y la falta de rotundidad en torno al tema tratado.

Película profunda e intimista en la que los actores nos muestran dos formas de manejar el dolor: las dos caras de una moneda ante un hecho común.

Con un tono psicofilosófico que algunos podrían calificar de libro de autoayuda de cuarta, citando frase de la película, Isabel Coixet nos muestra a una ex pareja, separada en cuerpo y alma, por un hecho dramático. A través de los diálogos, y los silencios, de los personajes somos testigos de la forma tan diferente de superar/sobrellevar el dolor ante una
circunstancia trágica.

Javier Cámara, muy brillante como siempre y en un papel muy alejado de sus comedias anteriores. Íntimo y profundo, fuerte, luchador y superviviente; frente a Candela Peña que se muestra abatida, superada por tanto dolor y resignada a vivir en ese estado. Algo que, a mi parecer, se aleja mucho de su imagen en la vida real.

Diálogos exquisitos y actuaciones brillantes que muestran la sensibilidad de los personajes y a los que Coixet nos tiene ya acostumbrados. Quizás se echa de menos algo más de movimiento puesto que el uso del diálogo hace que la película resulte en su conjunto, para el público en general, lenta; prueba de ello los ronquidos de algunos de los asistentes a la proyección de la
película. Yo, sin embargo, he estado completamente enganchada de principio a fin.

Importante destacar la música, la fotografía y la escenificación que le dan el toque final a la película y son, simplemente, perfectas.

Por último, destacar la "ficción" sobre la situación de España en un futuro cercano (2017), recurso utilizado por la directora para mostrar la indignación e impotencia ante la situación actual de España y que utiliza para hacer crítica de ello.

NOTA: 7
LO MEJOR: El texto, los actores, la música y las imágenes.
LO PEOR: Falta ritmo en la película.

Para los amantes de la literatura y el cine, creo que la adaptación al cine de la novela El abuelo que saltó por la ventana y se largó hace un buen resumen de lo que nos viene a contar en el libro aunque, como es habitual, se quedan en el tintero aspectos importantes.

El título de la película es el resumen perfecto de lo que cuenta: abuelo que se escapa por la ventana para hacer lo que le apetece en lugar de asistir a la celebración de su centésimo cumpleaños. En su devenir tras la escapada nos va contando tanto su presente como todo lo ocurrido en su vida, que no es poco. Haciendo uso del flashback nos va recomponiendo su vida de forma ordenada pero con un toque de humor y entretenimiento que hace que las casi dos horas de film pasen relativamente rápido.

De los personajes destaca Allan Karlsson (Robert Gustafsson) como el protagonista absoluto de la historia que se acompaña de un grupo tan pintoresco y entretenido como él y que le ayudan a configurar el relato de su presente y sirven como oyentes de su pasado. Así, Allan nos cuenta sus aventuras desde su niñez, quedando huérfano y teniendo que buscarse la vida para sobrevivir, hasta sus relaciones con los más importantes gobernantes mundiales del siglo XX. Así, aparecen retratados y ridiculizados personajes como Franco, Stalin, Hitler o Churchill. Es la suerte de avatares lo que le lleva de uno a otro y es precisamente el saber qué le pasará ahora al abuelo lo que te engancha.

En resumen una comedia divertida que consigue el objetivo de entretener al público que, por cierto, suele ser de avanzada edad.

NOTA: 6
LO MEJOR: El sentido del humor y la ironía del protagonista.
LO PEOR: Olvida aspectos del libro.