Mientras que el remake norteamericano de 1992, protagonizado por un sublime Al Pacino parece buscar un fin para cada una de las acciones del protagonista, el filme original se reivindica a sí mismo como una obra fresca, donde no se busca matizar el oscuro pasado del capitán para entender la propia esencia del personaje, que se describe por si misma con el devenir de los acontecimientos.

Salvando la distancia entre la Italia de los años 70, los Estados Unidos de la década de 1990 y dos maneras muy diferentes de hacer y concebir el cine, el filme de Dino Risi nos muestra la espontaneidad, la forma de entender la vida de manera desenfadada, la lejanía y a la vez la necesidad de contacto, el relativismo en cualquier parte de la existencia a pesar de las circunstancias. Un también poderosísimo Vittorio Gassman en la interpretación hace que el personaje del capitán no solo sea posible sino creíble.

En definitiva, sabiendo que las comparaciones son odiosas, no sabría cuál de los dos filmes me gusta más, ya que aunque el norteamericano tenga más proyección y quizás intención, el italiano goza de libre albedrío para llegar a una conclusión común: la gran humanidad que desprenden ambas cintas.

Retrato sobre la alta sociedad de finales del siglo XIX y su declive frente al ascenso de una cada vez más poderosa burguesía. La aristocracia es personificada por un joven malcriado que se enamora perdidamente de la hija de un magnate de la clase burguesa, el cual a su vez estuvo enamorado y abandonó en su juventud a la madre de George, el representante aristocrático.

Pero esta historia, este drama familiar, es solo la parte superficial por la que nos mueve Welles para profundizar sobre cuál es el fondo real sobre el que trata el filme, que no es sino otro que la sustitución de los valores burgueses sobre los aristocráticos. El ascenso y la rápida progresión de la industrialización frente a las formas y modelos del Antiguo Régimen. Esto se expresa a través de una serie de personajes donde se enfrenta una anquilosada clase aristócrata que reclama una serie de privilegios con cada vez menos cabida en la sociedad de finales del siglo XIX frente a la clase burguesa, cuyos valores distan mucho y entre los que destacan el trabajo duro, la facilidad para adaptarse al cambio y el riesgo que proporciona la innovación tecnológica.

Magnífico filme que adapta con autoridad al género cinematográfico la obra de Miller. La narración de los juicios de Salem es, con un paralelismo histórico extrapolado a la caza de comunistas durante la época más dura de la Guerra Fría en Estados Unidos, la muestra idónea de que las rencillas personales entran en juego para convertir a cualquier vecino o individuo que nos estorbe en aquello que es perseguido.

Más allá de las valoraciones sobre el guión de indudable calidad, cabe destacar la genialidad de las interpretaciones. Un siempre soberbio Daniel Day-Lewis, sin dejar de lado la gran actuación de Winona Ryder, nos atraparán y nos harán testigos de primera mano de lo que sucedió en Salem a finales del siglo XVII. Una buena fotografía y una correcta producción en la adaptación al momento histórico convierten El Crisol en una película que se deja disfrutar desde principio a fin.

A las costas españolas llega un capitán del ejército inglés con una misión. Tras conseguir ponerse en contacto con la fuerza guerrillera de resistencia española, quienes realmente no eran el objeto de su visita, se ponen en marcha. La misión prioritaria del oficial británico es el traslado de un cañón de guerra a Santander, sin embargo el líder guerrillero, interpretado por un mediocre Frank Sinatra en su labor actoral, considera la necesidad de llevar el cañón a Ávila para tomar la ciudad, en manos francesas.

Con esta premisa arranca un filme considerado como una de las grandes superproducciones que la industria de Hollywood rodó en los años 50 en España. Éste, concretamente del año 1957, coincide con la fase del fin de la autarquía y el aperturismo de la dictadura franquista. Se entiende por este mismo hecho que el rodaje de esta película tenga esos tintes de gran patriotismo. La cinta dirigida al gran público estadunidense en general, no dejaba de estar influenciada por la idea que proyectaba la dictadura que quería dar de España al mundo, buscando ciertos paralelismos entre la sublevación fascista con la Guerra de la Independencia.

A pesar de ser un filme rodado plenamente en España, da la impresión de que no es sino una necesidad de hacer efectivas las localizaciones y no en un afán de empaparse de la cultura nacional para hacer más sólido el guion, lo que movió a los magnates del séptimo arte norteamericano a rodar la película en suelo peninsular y no en cualquier lugar del medio oeste estadunidense. Orgullo y pasión está plagada de todos los peores tópicos que los españoles arrastramos fuera de nuestro suelo patrio aun a día de hoy; bailes flamencos, toros y Semana Santa. Además las imprecisiones en el itinerario recorrido por la expedición que desciende desde el norte del país camino a Ávila, pasando previamente por Cuenca, que realmente está más al sur, hace que la rigurosidad en representar fidedignamente algo que no fuesen las pretensiones de hacer dinero con la cinta eran escasas o nulas.

Por razones como las ya expuestas, a mi parecer, no hay más opción que enmarcar Orgullo y pasión en el género cinematográfico de aventuras. El contexto histórico utilizado es el pretexto y no el fin en sí mismo, por lo tanto, considerar el filme como un drama histórico me parecería una afirmación atrevida y falta de análisis. Imagino por otro lado, que todas las escenas de acción rodadas como la de las bolas de fuego rodando por la colina, el duelo de navaja entre Cary Grant y uno de los guerrilleros o el puente explosionado por la guerrilla española mientras lo cruzaba el ejército francés, fueron en su día reclamos para hacer el filme algo más atractivo, pero que visionadas a día de hoy no aportan absolutamente nada a nuestra época, dominada por un cine hiperrealista.

En definitiva nos encontramos ante un filme que pierde toda opción de considerarse como representante de la historia y cuyo galardón de superproducción ha quedado relegado al pasado y ni como vieja gloria de la industria cinematográfica hollywoodiense ha quedado en la memoria. Quizás el único suspiro que nos arranque Orgullo y pasión sea ver la siempre belleza eterna de Sophia Loren.

Quizás con demasiada pretensión, Milos Forman, intenta abordar una situación tan compleja de la historia de España como son la ruptura con el Antiguo Régimen, la invasión y ocupación napoleónica y la restauración del absolutismo. La duda que cabe preguntarse es si realmente este es el objetivo del director checo, o si por el contrario, estos acontecimientos de la historia contemporánea de España, le sirven como telón de fondo para representar el devenir de unos personajes hijos de su propio tiempo. En todo caso, desde mi punto de vista, interpreto que intenta mantener un equilibrio entre éstas dos cuestiones y que a mi parecer, resuelve ante la cámara de manera más satisfactoria, la idea de pincelar el retrato de sus protagonistas.

A pesar de su título, la aparición del pintor Francisco de Goya es meramente anecdótica y sirve únicamente como hilo conductor entre las diversas situaciones y personajes de la obra. Si hay algún matiz respecto a sus fantasmas, éste pasa casi por desapercibido y solo la aparición de alguna de sus obras, como la magnífica escena donde se muestra el proceso artesanal de creación de grabados, salvan al título con respecto de su contenido.

El punto más fuerte de la cinta pasa por el desarrollo temporal de los ya destacados acontecimientos a través del personaje de Lorenzo Casamares, hombre atrapado entre el pasado y el futuro que supo adaptarse a las circunstancias para sobrevivir en aquellos convulsos tiempos. La hipocresía para conseguir su objetivo es patente aunque las decisiones que toma no se pueden criticar desde nuestro punto de vista pues nos encontramos ante un fenómeno anacrónico a nuestros tiempos.

La fuerte crítica a las antiguas instituciones del Antiguo Régimen, en este caso al Santo Oficio y a la Iglesia católica es una de las partes más destacables de la obra.