Ta'm e Guilass es una interesante película del director iraní Abbas Kiarostami que le valió la Palma de Oro en Cannes el año 1997. Formulando un tema complicado como es el suicido, permite mediante los diálogos elaborar una buena reflexión acerca de éste, planteando los aspectos morales y éticos que el suicidio conlleva.

El Sr. Badii (Homayon Ershadi) es un hombre de mediana edad que busca alguien que le ayude a suicidarse. La tarea es fácil: le muestra el lugar dónde quiere hacerlo, un agujero preparado al lado de un árbol y le cuenta que, por la mañana del siguiente día, a las 6, venga y pregunte para él. Si responde, le ofrece su mano y le ayuda a salir; si no, lo entierra. Aun así, el protagonista busca a alguien que se comprometa a hacerlo y ésto le permite conocer a gente diversa que no reaccionará igual y que no compartirán la misma opinión, respetándolo, en esta situación. El director tiene la oportunidad de mezclar los diferentes puntos de vista: como lo ve el hombre normal, el religioso, quién lo entiende, quién se asusta. No todos reaccionan igual, no a todo se los puedes plantear de la misma forma. Un hombre que decide que ya no quiere vivir más y pide como última voluntad que alguien le ayude a dejar de ser un estorbo cuando él ya no esté aquí.

Puesto en escena de forma muy inteligente y efectiva, con un pequeño despliegue de recursos podem seguir de cerca la búsqueda del Sr. Badii sin perder detalle de lo que le pueda pasar por la cabeza y lo que pasa por la cabeza de quien intenta reclutar para esta tarea aparentemente sencilla pero moralmente muy difícil. Des de dentro del coche vemos como el Sr. Badii tiene siempre la vista atenta buscando a gente que esté sola para ofrecerle el trabajo. Desde fuera vemos como la furgoneta va deambulando de un lado a otro de Teherán y como las vida siguen independientemente de lo que esté haciendo el individual. Esto también sirve para nosotros; la vida continua más allá de nosotros. Además, este entorno que no muestra de Teherán, un pedrera (allí todos trabajan con la tierra, vemos la relación), sirve, en parte, para construir una cierta crítica social y mostrar al resto del mundo como es la vida en una ciudad como sería la capital del Irán.

El director persa consigue crear una serie de diálogos y reacciones muy verosímil que van desde la duda, a la negación, a la esperanza, remordimiento, etc. Suicidarse es muy difícil y por mucho que hayas meditado, por duro que sea el problema que afrontas o al cuál te rindes, es una acción definitiva en la que no hay vuelta atrás. La religión lo ve como un pecado, ya que suicidarse es matar, sin embargo, el protagonista solo pide que lo entierran, como si fuese abono para un árbol. ¿Es que nunca has abonado un árbol? No pide más, el resto son sus asuntos.

En resumen, película que cualificaría de interesante que indaga en el ser human y la reacción de éste enfrente el suicido. Consigue profundizar en el protagonista y la gente a quién pide el favor. Recomendable sabiendo que estás viendo una ganadora de Cannes, que como sabemos todos, no es del estilo al cual estamos acostumbrados.

7/10

Muy buen documental acerca de la segunda guerra mundial, concretamente centrado en Garbo, espía catalán que consiguió engañar a los alemanes durante 4 años. Lejos del clásico documental en que un grupo de historiadores, o narradores, te cuentan con voz en off sobre imágenes históricas lo que saben, Edmon Roch consigue darnos una lección de historia con una mezcla de interpretaciones, imágenes y la opinión de quién sabe acerca el tema en cuestión.
Joan Pujol Garcia más conocido como Garbo fue un espía catalán, que trabajó por los alemanes y por los británicos, y tuvo un papel crucial para el transcurso de la segunda guerra mundial. Acompañado sólo por su ingenio y su capacidad inventiva, o sea, él solo, consiguió engañar a los alemanes haciéndoles creer que era un espía y que tenía toda una red de agentes a su disposición, cuando, de hecho, al principio no sabia nada de nada. Viendo que poco a poco iba teniendo credibilidad dentro del ejército nazi, prestó su servicios a los aliados dónde lentamente consiguió un puesto. El objetivo más importante que tenían en mente era conseguir que el desembarco de Normandia tuviera éxito, ¿Como? Hay que mirar el documental. Si el 6 de junio de 1944 los hechos no hubieran ido de la misma manera Alemania se podría haber defendido mejor y hubiera tenido más recursos a su disposición, las cosas no seguirían igual ahora mismo, salvó el mundo; pero ya se sabe que el “si” condicional en la historia no sirve de mucho.

Documental, pues, que destaca únicamente por su transcurso inusual, pero que merece ser recomendado. Para los que no sean unos fanáticos de la historia, os gustará; para los que creen saberlo todo de la segunda guerra mundial, yo supongo que les encantará porqué esta historia no la deben saber. Un producto muy bien entregado.

7,5/10

Howl es un biopic de Allan Ginsberg (interpretado por un más que correcto James Franco) poeta del siglo XX famoso por su poema Howl que fue declarada obscena y llevada a juicio a San Fransisco para ser censurada. La película se centra en la vida del poeta en los momentos iniciales de su vida poética, en la creación del mismo, el juicio que lo quería condenar y una entrevista posterior dando su punto de vista de su visión de la vida y de como funciona todo. Reivindicando su homosexualidad y tratando temas como las drogas con un lenguaje a priori vulgar y obsceno, sin pelos en la lengua, deja verso tras verso su idea de la vida.

Realizada correctamente va mezclando los diferentes momentos cronológicos que marca la vida de Howl y de Allan. Usando el cambio de color para separar lo que es juicio – pasado – poema, poco a poco la película avanza sin contratiempos y aun ritmo constante pero pausado. Las tres, o cuatro, líneas paralelas en el inicio del fil consiguen pasarse el protagonismo de forma adecuada, pero a medida que pasan los minutos, éste cambio continuo resulta ser demasiado metódico y matemático hasta volverse aburrido y previsible.

En lo que sería a cine no me ha aportada nada diferente ni nuevo, nada que merezca ser destacado. Sin embargo, si sabes quién era Allan Ginsberg y te interesa saber un poco más de él, la película puede ser hasta recomendable. En resumen, humilde homenaje a Allan Ginsberg quién, expresándose de forma natural, consiguió hacer abrir los ojos a una generación que iba de capa caída.

5/10

«I very soon realized that nobody was really shocked by anything. [...] People would never really be shocked by an expression of feeling»

Natural Born Killers es por delante de todo una crítica a la violencia gratuita que se tiene al alcance en los Estados Unidos de América, ¿o no lo es? Con ésto dicho ya puedo empezar el comentario.

Con un guión incial de Quentin Tarantino que ha sido bastante modificado hasta obtener Natural Born Killers de Oliver Stone. Un film de lo más controvertido que se dedica a bombardearnos con imágenes violentas con la escusa de querer ser una crítica y pretendiendo adornarlo con una “historia de amor”. El resultado, una obra confusa, curiosa, con un argumento trabajado, que puede ser atractiva o odiosa. Un resultado que provoca escalofríos al mismo Tarantino de cuya película no quiere oír hablar (¿cómo sería el guión original?). Con una cámara frenética que no para de moverse en ningún momento con la más clara intención de marearnos. Movimientos continuos, cambios de estilo de cámera (B&W, color, dibujo animado), cambios de estilo de secuencia (sitcoms irónicas) y todo para vomitarnos violencia cuando los que deberíamos vomitar somos nosotros.

Aún así, las actuaciones protagonistas de Woody Harrelson y Juliette Lewis consiguen dar bien la idea de locura que sienten. Porqué aunque Mickey y Mallory Knox nos quieran hacer creer que no están locos sino que matan porqué les es natural, quitar la vida a alguien con esta sangre fría es síntoma de que algo no funciona. Puede que sean traumas infantiles, padre maltratadores. Esta dualidad del personaje que nos quiere vender que no está loco pero que actúa como uno está muy bien conseguida. Además de la caracterización física de los personajes: estas gafas pequeñas redondas y rojas no se olvidan.

¿Historia de amor? Todo empieza con cómo se conocieron Mickey y Mallory. Ella vive en casa con su familia y con un padre autoritario que abusa sexualmente de ella. Feo ¿verdad? Pues imagínatelo como si fuera una sitcom de hace 50 años. Entonces conoce a Mickey y surge el amor a primera vista con la misma velocidad que surge su instinto “natural” de matar. Huyen juntos y empiezan a vivir en la carretera. Así que, si dos jóvenes que se fugan de casa por sus maltratos, que se dedican a matar gente como un pasatiempo conjunto, que ésto los une, se quieren y tienen crisis de pareja es una historia de amor, pues sí, en cierta manera hay una. Pero ésta queda reducida a muy poco por la matanza que realizan en su viaje. Matan por diversión a todos los que se encuentran por el camino y dejan un sobreviviente para que cuente la historia. Sin embargo, ¿qué pasa cuando se cuenta la historia? Los medios de comunicación entran en acción y con la oportunidad de mendigar un poco de audiencia hacen eco de la noticia. Y es entonces cuando surge también una crítica a los medios de comunicación y su capacidad de caer en los más bajo para ser vistos y sensacionalizar todo. La gente adora a Mickey y Mallory y empieza a salir a la calle con carteles de “Mickey Murder Me”. Si la tele nos dice que son guays, nosotros nos lo creemos.

Dividida claramente en dos mitades: crítica a la violencia y critica a los medios, la película se queda a medias de todo. La crítica a los medios es regular. Cierto que los relega a una posición inferior y humillante, pero no consigue que sea un tema principal. En cuanto a la violencia es una crítica fallida, ya que el film provoca más ganas de matar que de otra cosa. Y si lo que sale mejor es la “historia de amor” cuando éste no es su objetivo... qué quieres que te diga.

Si gusta es por la apariencia, por la sensación de sorpresa que te llevas más que nada, pero no todo lo que no te deja indiferente es bueno. No conseguirás desconectar en ningún momento, pero al final no sacarás nada bueno. ¿Parte positiva? Alguna escenas buenísimas y el trabajo de los actores que hacen bien lo que les piden; otra cosa es que si lo que les piden no es bueno. ¿Intención del film? Escenas de muerte, construir asesinos atractivos, matar y volver a matar con el pretexto de decir que hay un mensaje detrás. Natural Born Killers es una mentira bien construida pero que poco a poco te das cuenta que no lleva a ningún sitio.

5,5/10

Si nunca nadie tiene que diseñar mi vida por favor que lo haga Aki Kaurismäki. Quiero vivir a Le Havre! Es un sueño. Qué mundo: los colores, la gente, el amor que se respira, la magia... todo. Sin lugar a dudas el deseo de muchos. Y es que Le Havre consiste en darnos una lección de hermandad, es un descanso de la curda realidad que nos permite refugiarnos en el corazón de la honradez humana. Si con esta película no aprendes nada es que ya has perdido la esperanza (o no es de tu estilo). El director finlandés deja el territorio nórdico para filmar a Francia dejando a casa nada más que nada ya que en el equipaje lleva toda su personalidad lapona que lo caracteriza.

Le Havre empieza con la presentación de Marcel Marx, que por quiénes no lo conozcan es un hombre sencillo que intenta ganarse la vida limpiando zapatos. Con el juego de las primeras impresiones, al inicio puedes pensar por su mirada que te da un poco de lástima y que únicamente intenta lo mejor, sin embargo con el primer diálogo ya te das cuenta que es un hombre encantador y un personaje que se toma la vida con una filosofía muy personal. Con humildad y la mejor de las intenciones se mueve por Le Havre en busca de tranquilidad y de lo mínimo para vivir, lo que decimos como una vida bohémica. Marcel vive a un barrio proletariado, conocido por todos y con la fama de ser un poco pillo. Entre los vecinos conocemos a Yvette, la panadera; Chang su compañero de trabajo y Claire, la dueña del bar que nuestro protagonista frecuenta cuando tiene tiempo libre. Aún así, conociendo tanta gente, cuando Marcel llega a casa no está solo, siempre les espera su mujer Arletty, que es extranjera (si nos ponemos en contexto deducimos que es finlandesa). Entre ellos hay un amor incondicional. Si nunca hay que poner un ejemplo de amor en un matrimonio, éste es el idóneo. A Marcel más de una vez le dice que no se merece a una mujer como ella sin embargo cuando la situación lo requiere él está a la altura y da muestras de infinita gratitud.
No obstante, un día al puerto de Le Havre llega un contenedor de un barco de carga con una veintena de personas dentro provenientes del Gabón. En medio de la policía uno de los inmigrantes, un niño, consigue huir. Marcel termina cruzándose con él y decide ayudarlo. Sin embargo, la policía está buscando al niño y el encargado de hacerlo es el oficial Monet, un personaje característico y muy bien ideado, como todos los que aparecen. Entre Monet y Marcel se origina una discusión fría a lo largo de los 90 minutos, cada uno con la intención de conseguir lo que él cree correcto. Respecto a Idrissa, el chico inmigrante, lo que quiere es llegar a Londres, lo que no sabe es que se encuentra a Le Havre un mundo lleno de honradez creado por Aki Kaurismäki.

Y aquí viene la pregunta de ¿Qué es Le Havre? Le Havre es el centro de la bondad humana, un país de compasión sin fronteras ni remordimientos. Le Havre es vivir la vida, pero de manera sencilla. El director lapón consigue crear toda una atmósfera pacífica y relajante empezando por un detalle tan simple como la construcción visual. Y de los simple que es que se trata de los colores, llenos de vida y personalidad. Ya pueden ser detalles insignificantes, como las junturas de una barandilla a la pared, como los más notables, las paredes del interior de la vivienda de Marcel. Y no, no te cruzarás con el cuadro de un iniciado al “photoshop” que el único resultado que obtiene es una fotografía máximamente saturada, sino el trabajo de un experto. Es que hasta el agua del muelle es turquesa. Y siguiendo con la estética visual continuamos con los planos. Cada uno de ellos con significado propio, sin excepción; y llenos de detalles. Son encuadres de la vida cotidiana que ayudan a dar tono a la película, a recrearse. Especialmente los planos de conversa, diferentes a lo que estamos acostumbrados son muy frontales; los personajes hablan entre ellos pero al mismo tiempo te miran más de lo habitual permitiéndote entrar a Le Havre con ellos, a compartirlo. No obstante, en el estilo de alguno de los diálogos hay detalles que se me cuelan, ya que no hablan en un tono totalmente natural, hay veces que parece teatro y yo creo que es esta mezcla en el estilo de conversa lo que ayuda a construir el ambiente que es Le Havre. Y muy importante el juego de silencios. No hacen falta diálogos para saber qué se están diciendo. De hecho, los silencios son más útiles para saber qué sienten los personajes: las miradas, los gestos... Una representación muy humana de lo que significa la vida.
No obstante, la atmósfera no sólo es lo que entra por la vista sino también la reacción que ésto provoca en nosotros. Cada personaje que aparece no da una impresión de lo más simpática. A Le Havre lo que cuenta son los sentimientos que el director nos intenta transmitir. Se puede respirar simpatía general, amor mutuo, solidaridad y hermandad. Quedas empapado de todo ésto y únicamente puedes resignarte a sonreír inocentemente mientras disfrutas de lo que ves. Sin embargo, hemos dicho que la policía busca al chico y es entonces cuando se presenta Monet, diferente a los habitantes de Le Havre pero, en parte, obligadamente, ya que él es policía, pero al mismo tiempo es igual a ellos. Es un personaje curioso. No te cae mal, ya que a Le Havre nadie te cae mal. Sabes que desde un principio no lleva malas intenciones, hace su trabajo y lo dejas hacer. Es que hasta la representación del “personaje malo” en esta película queda reducido a un hombre que podrías definirlo como alguien con falta de amor. Y es que Monet confirma que todos los personajes te caen bien.

=== No hay Spoilers más abajo hasta el aviso parecido a éste (falta de espacio) ===