Film de nostalgia para adolescentes o adultos. Pooh, ante la desaparación de su gran amigo, decide emprender una búsqueda ayudado por todos sus colegas. ¿Logra encontrarlo? Vaya si lo logra, y de que forma...

Momentos graciosos, tiernos e inocentes. El pequeño oso tal vez ponga a prueba nuestra paciencia en más de una ocasión, pero siempre acaba enamorándote. Él y sus amigos tan particulares. Siempre digo lo mismo, Pooh logra relajar a uno mismo. Sus aventuras te llenan de calma, te libera el estrés acumulado. Conmigo al menos lo consigue, y se lo agradezco.

Agradable, sencilla y divertida para pasar una buena tarde. Gracias, de verdad, a Pooh y Christopher Robin por alegrarme los días.

Knockin’ on Heaven’s Door es una sólida road movie alemana que mezcla el drama y la comedia en 89 minutos de cinta con un final conmovedor. Hablamos de un film cuyos planos, fotografías y escenarios no pueden ser comparados con una producción hollywoodiense. Sin embargo, no dejará indiferente a nadie.

Thomas Jahn nos cuenta la historia de dos enfermos terminales, Rudy y Martin, que deciden vivir sus últimos días cometiendo numerosas imprudencias. Las responsabilidades desaparecen junto con el orden social, y entre tanta diversión ambos protagonistas tienen el objetivo de llegar al mar, que uno de ellos nunca ha visto.

Lo que al principio parece introducirse como una típica comedia americana acaba convirtiéndose, a los pocos segundos, en un drama marcado por la filosofía Carpe Diem. Jahn juega con ambos géneros rodando desde a policías respetando las normas de tráfico en plena persecución como el llanto por el miedo a la muerte de uno de los protagonistas. Un film que pasa de absurdo a sentimental constantemente, y mantiene al espectador enganchado por su trama.

Respecto a las actuaciones, tanto Til Schweiger como Jan Jose Liefers realizan papeles sobresalientes. Schweiger toma el papel de Martin, el paciente más impulsivo y macarra de los dos. Por su parte, Liefers, da vida a Rudy, un hombre ordenado e influenciable. Sus aventuras, con ropa ochentera, les lleva al campo, hoteles cinco estrellas, sastrerías, burdeles, etc. Escenarios de todo tipo, que tal vez puedan resultar simples a más de uno por su falta de detalles.

El argumento es el punto más fuerte de esta obra. Varios de los diálogos giran en torno al océano, “Lugar del que todo el mundo habla en los cielos”. Da la sensación que tanto Thomas Jahn como Til Schweiger (guionistas de la película) son amantes de los paisajes costeros llenos de mar. Muchas frases también están cargadas de significado religioso, y es que Martin asegura que quien no llega a ver el paisaje azul termina siendo un ignorante en el más allá. En los momentos dramáticos aparecen también diversas figuras retóricas “En el cielo solo hablan de ello, del océano, de la puesta de sol, de lo jodidamente maravilloso que es ver esa gran bola de fuego derretirse”. En líneas generales, hablamos de un guion coherente, bello y, en ciertos momentos, cargado de humor.

Emocionante, enérgica, graciosa y cinéfila. Una película con algún error técnico, pero interesante de inicio a fin. Llamando a las Puertas del Cielo nos habla de la importancia de aprovechar el momento, también llena de esperanza y optimismo a aquellos que ya no pueden escapar de la muerte. Les da calma y paz. Las dos palabras que mejor definen al océano.

Glory Road (Camino a la Gloria) es un drama deportivo de primer nivel. Walt Disney Pictures y Jerry Bruckheimer Films pueden presumir de haber producido este documento histórico del baloncesto. No es una común película de superación personal, ya que se trata de una historia real interpretada y guionizada por absolutos profesionales.

James Gartner dirige la historia del hall of famer Don Haskins, un entrenador que toma los banquillos de la desconocida universidad Texas Western. “The Bear” decide, pese a las advertencias, apostar por siete jugadores negros. Algo insólito en la NCAA que marcará un hito histórico en la organización debido a los grandes resultados del plantel.

Ya en el primer minuto se escucha baloncesto en estado puro. Gritos, botes, canastas y emoción con variedad de planos desde todos los ángulos posibles. Glory Road refleja a través de un equipo real de basket la discriminación racial que, por desgracia, a día de hoy existe en Estados Unidos. Es por ello por lo que este drama viene cargado también con grandes dosis de contenido político y social.

¿Cómo actuamos contra ataques racistas? Puedes callar y soportar la humillación como promulgaba Marthin Luther King, pero puedes optar también por defenderte como decía Malcolm X. Cuestiones sensibles que generan división de opiniones entre los siete protagonistas. Todos ellos con sus respectivas inseguridades y problemas. La película refleja a la perfección su unión y cooperación para luchar contra esa lacra social que les afecta sin alejar la vista del campeonato.

Josh Lucas realiza un papel superlativo digno de grandes premios, el actor estadounidense toma el papel de un entrenador constantemente criticado y amenazado por su arriesgada decisión. Un padre que ha de mirar por su equipo, pero también por su familia. Un técnico que tiene que reflotar a un equipo hundido por las derrotas y circunstancias racistas a su alrededor.

La fotografía y banda sonora también merecen ser mencionadas, el tono sepia a lo largo de todo el film le da un aspecto clásico bastante adecuado para la época donde se desarrollan los acontecimientos (década de los 60). Son varios los fotogramas que reflejan lo que significa el baloncesto, desde la emoción por una canasta en el último segundo hasta la tensión de un entrenador frustrado por la actuación de su equipo. Todo acompañado por la magnífica OST de Trevor Rabin.

Glory Road es un carrusel de fotogramas cargado de sueños, ambición, lucha e injusticias. Un drama con momentos de tensión, emociones fuertes y amor. Una película dura y alegre al mismo tiempo. Y que no se nos olvide, basada en hechos reales.

Palabras que burbujean como un refresco narra la historia de amor corta, mágica e intensa de dos jóvenes japoneses que se conocen, de manera fortuita, en un centro comercial a pleno sol.

A primera vista lo que más destaca del film es su apartado visual. Ishiguro se decide por una animación más colorida con efectos tipo acuarela. Viendo imágenes y tráileres de su filmografía (ha dirigido en su mayoría series), me he fijado en que va de largo este estilo tan particular. Bello y fresco, solo por este aspecto merece la pena ver esta película.

La historia comienza algo predecible, y rápidamente uno puede llegar a pensar que se trata de la misma historia de siempre a la que nos tienen acostumbrados los japoneses. Sí, el amor imposible de dos que se aman. Sin embargo, la cinta goza de contenido. Tiene mucha sustancia para ser dos adolescentes enamorados. Su toque poético con los haikus hace que su guion se enriquezca hasta tal punto que su título, a priori idiota y sin sentido, englobe a la perfección el mensaje del film.

En cuanto al apartado musical, Palabras que burbujean como un refresco no decepciona. Mejor dicho, ningún drama romántico de animación japonesa lo hace. Placer auditivo para tus oídos. Sin ir más lejos, una de sus canciones es clave dentro del argumento. Su mensaje, aparte de rítmico, es una belleza. Probablemente eché en falta alguna banda sonora.

La película también me sorprendió por sus múltiples detalles, la importancia que le dan los jóvenes a las redes sociales y su impacto mayor o menor de unos u otros; Los complejos adolescentes, inseguridades frente al espejo, etc. Todos estos temas los tratan de una manera bastante realista para mi sorpresa. Me gusta también cuando te dan pie a reflexionar de algo sin dejártelo claro, y es que noté que Cherry, el protagonista, tiene espectro autista (asperger). Algo que noté por su dificultad para socializar, integrarse en grupos, exponerse a un público y abstenerse de la realidad constantemente teniendo puestos sus auriculares.

En definitiva, Cider no Yō ni Kotoba ga Wakiagaru (título en japonés) es una película muy sólida. Probablemente si lees esta crítica no entenderás el por qué le pongo un ocho y no un diez hablando como he hablado de ella. Si no alcanza esa nota es porque su final, pese a no decepcionar, cae en el tópico de siempre al que me tienen acostumbrado estas cintas. Creo que su cierre pudo haber sido mejor y más innovador respecto a sus competidoras. Aun así, y pese a todo, vaya historia veraniega de Kyōhei Ishiguro.

Rusell Crowe se pone en su papel más seductor para enamorar a un bellezón como Marion Cotillard. Un film alegre y con ritmo. ¿Predecible? Sí. ¿Disfrutable? También.

Rydley Scott aplica la misma fórmula de siempre, pero con esa escenificación tan buena que le caracteriza. Y es que un viñedo tiene su encanto, sobre todo cuando le da ese sol veraniego que embellece el verde. Crowe y Cotillard desempeñan un papel excelente, transmiten a la perfección esa amargura y desconfianza. Además, son actores con una voz excelente. El inglés y el francés dentro de la peli es una completa delicia.

Sí, el pasteleo y romanticismo excesivo del final puede resultar cansino. Está claro, pero ya sabemos como son estas pelis. Pocas dentro del género romántico se atreven a innovar. Sin embargo, la primera hora de la cinta es bastante agradable. Diría incluso que engancha al espectador.

Una película para los más románticos, de estas historias que los adolescentes creen que ocurre en la realidad (panda de ilusos). Nunca es un mal año para verla.