I'm Here es un cortometraje sobre una conmovedora historia de amor en entre dos robots. Se inicia con la introducción de Sheldon, un robot varón que vive la vida con abandono, él coge el autobús diariamente sin ilusiones para ir de casa al trabajo y viceversa, hasta que un robot femenino se cruza en su camino y le muestra otra forma de vida, que a pesar de ser una vida más arriesgada para unos robots tendrá sus ventajas.

Es difícil saber si esta pelicula esta bien interpretada por Andrew Garfield y Sienna Guillory, puesto que interpretan a dos autómatas y por lo tanto ambos se encuentran encerrados en carcasas de plástico, lo que les obliga a actuar con el movimiento justo y su voz. Pero la elegante narración simple y visual que Jonze emplea hace casi todo el trabajo, y el resultado es sorprendente, aunque de una forma potencialmente oscura. Los giros del argumento reflejados como los sacrificios que hace Sheldon por Francesca, podrían ser fácilmente interpretado como un comentario sobre el amor destructivo que puede recibir mucho y ofrecer poco. Pero si eres un romántico, simplemente puede ser que veas esta historia como una expresión del amor más puro imaginable. De cualquier manera, la película es mucho más que un tratado sobre la construcción de robots de mala calidad.


El ojo de Jonze para Los Angeles no ha cambiado demasiado desde sus días de "Beastie Boys", cuando utilizaba las ubicaciones de LA con un ambiente de guerrillas. Esta vez, sin embargo, Los Angeles es hermoso, gracias al director de fotografía Adam Kimmel, quien logra unos impresionantes efectos visuales, obteniendo mayores resultados cuando la cámara se centra en Sheldon, logrando una estética cercana a la teatral.

Para algunas personas la soledad es el lujo supremo de la vida. Ellos solo pueden esperar conseguirla lejos de la sociedad, los plazos, y la tensión que caracteriza la vida de la ciudad. Ellos se deleitan con la oportunidad de ser ellos mismos y explorar los reinos interiores de las emociones y los sentimientos que guardan en su interior. Los que no tienen miedo de estar solo suelen decir que ellos son más abiertos a los misterios del mundo natural durante estos períodos de soledad. Les encanta la paz y la tranquilidad de la noche, sentados en la oscuridad o mirando hacia el cielo deslumbrante de noche, y sin embargo, admiten que su anhelo de conexión con los demás es una parte importante de sus vidas. Estos dos impulsos son como las mareas que coexisten dentro y fuera de nuestros días. Todo esto y más se explora en Nothing Personal , una película de meditación memorable, escrita y dirigida por la directora Urszula Antoniak.

Una mujer sin nombre (Lotte Verbeek) observa desde su piso vació en Holanda a la gente que busca a través de sus objetos personales y muebles situados en la calle. Se quita el anillo de boda de su dedo, y acto seguido la vemos en una carretera haciendo autostop, hecho que nos genera un sin fin de preguntas. Durante la noche ella duerme en su tienda de campaña, hasta que en Irlanda agotada de su viaje, llega a una casa aislada, habitada por su propietario Martin (Stephen Rea), un solitario de muchos recursos que ha encontrado una manera de aprovechar las virtudes de soledad. Aunque sus caracteres son diametralmente opuestos, ambos tienen una idea común: sólo la soledad garantiza la libertad. El hombre le ofrece trabajo a cambio de comida, y la chica acepta a condición de que no haya nada personal. No tardan en sentir curiosidad el uno por el otro, pero no quieren romper el trato.

Nothing Personal es un lugar tranquilo, una obra íntima sobre dos almas solitarias que forjan una relación estrictamente profesional, pero poco a poco se siente atraídos el uno al otro. En su debut cinematográfico, Urszula Antoniak muestra talento en su manejo de los actores y un estilo fílmico muy depurado e intimista.

Una de sus virtudes es que cuenta con dos actuaciones honestas y sencillas que logran un gran resultado, haciendo la pelicula atractiva y creíble: Verbeek y Rea trabajan bien juntos y por separados, capturan y muestran las heridas psíquicas de sus personajes sin ningún signo de tics interpretativos o trucos.

Otro beneficio importante es la excelente fotografía de Daniel Bouquet, tanto de las escenas más intimistas y cuidadas como las que nos muestra los alrededores de la casa y el esquisto paisaje irlandés.

Defectos al margen, Nothing Personal tiene un efecto encantador.

Para muchos es una pelicula erróneamente clasificada como ciencia ficción, tal vez sea en realidad una mezcla única de la teología y de la fantasía biológica. "The Man From Earth" es una película de viajes en el tiempo que nunca viaja a través del tiempo; es en gran medida una película hablada en todos los sentidos de la palabra, ya que toda la película se compone de un grupo de personas sentadas alrededor de una chimenea debatiendo teorías e hipótesis, en parte basadas en la verdad, pero contadas por un hombre que puede o no puede estar diciendo la verdad.

Cuando digo que no hay acción en "The Man From Earth", quiero decir que hay ni una sola pizca de acción en toda la película. Es decir, si se define la "acción" en términos de cine tradicionales (los personajes que realizan acciones de naturaleza física al servicio de la progresión narrativa). La película, de principio a fin es una gran discusión sobre la naturaleza del hombre, teorizando sobre la forma, y la existencia de un ser prehistórico que lleva vivo desde la época de Cro-Magnon hasta nuestros días. ¿Cómo sería una función de tal hombre? ¿Cómo iba a sobrevivir? ¿Cuál sería la razón de su existencia?

Con el fin de explorar esta cuestión, Bixby nos introduce en la historia de John Oldman (David Lee Smith), un profesor universitario que decide dar un nuevo giro a su vida. En el día de la mudanza, los colegas de John aparecen en su cabaña para hacer una fiesta de despedida. Él no se lo esperaba, pero pronto John trata de aprovechar la oportunidad que la reunión le ofrece, y les revela su gran secreto.

¿Está loco? ¿Está diciendo la verdad? ¿Se trata de una broma de mal gusto? Parece creer que él está diciendo la verdad. Los colegas de John, todos intelectuales y expertos en su campo, se encuentran con esta revelación para que la puedan cuestionar y, si es posible, contradecirla. ¿Puede morir? ¿Es inmortal? ¿Él esta fuera del alcance del tiempo? ¿Cuál es la naturaleza de la religión de un hombre que ha sobrevivido durante tanto tiempo?.

La pelicula es puro aire fresco, compuesta por 90 minutos de magia cinematográfica que la harán difícil de olvidar. "The Man From Earth" es de ciencia ficción en la premisa, pero no de ciencia ficción en la ejecución. La película tiene la única preocupación de profundizar en las teorías, con preguntas y respuestas, y las posibilidades de que esas respuestas sean verdaderos, y no los delirios de una mente creativa.

"The Man From Earth" funciona si el espectador permite que funcione. La película nos tiende su mano hacia el final, tal vez como una concesión a los espectadores que están exigiendo una respuesta firme en cuanto a la inmortalidad de John. No obstante, las ideas y los conceptos que se presentan en la película son interesantes, una premisa singular ampliada en un largometraje que es apoyado maravillosamente por un buen reparto. El elenco es excelente, capitaneado por una actuación conmovedora de David Lee Smith. En una película que involucra a un grupo de personas discutiendo e intercambiando ideas dentro de un solo lugar, todo depende de la fundición, y en ese horno, el director Richard Schenkman ha cocinado una película brillante.

El primer día del resto de tu vida es una comedia dramática que examina las fracturas y debilidades de una familia, se centra en cinco días decisivos de sus últimos 12 años. El guionista y director Benzacon cuenta esta historia con mucha actitud sarcástica y un animado estilo de dirección que nos mantiene pegados a la pantalla, mientra despierta en nosotros diferentes emociones. Editada junto con el ingenio y la sensibilidad, y respaldada por una BSO fantástica, esta película demuestra la audacia real tanto en su uso del surrealismo sutil y la rugiente comedia. Y mientras, Benzacon se niega a alejarse de las emociones crudas, sin entregarse nunca al sentimentalismo ligero.

La pelicula a veces es un poco irregular y con tendencia al cliché, pero en general es una delicia. A veces es divertida, otras conmovedora, pero siempre con algo significativo que decir sobre las relaciones familiares, la interpretación de la vida familiar que hace Rémi Bezançon es cualquier cosa menos hipócrita, siempre busca desmarcarse de otros modelos que solo tienen como aliciente conmover al espectador.

Bezançon hace una estructura episódica de cinco segmentos, que por separado narran un acontecimiento aparentemente crucial en la vida de cada uno de los cinco personajes principales. La idea inicialmente parece tener algún provecho, pero se rompe hacia el final. El hecho de que la película tenga que recurrir al uso de flashbacks sugiere que Bezançon es consciente de limitaciones de esta camisa de fuerza narrativa. A pesar de esto, la película mantiene un gran interés, gracias al inteligente guión de Bezançon y a unas actuaciones impecables y honestas. Aunque la mayoría de las películas en estos días muestran familias de una manera extremadamente negativas o caricaturizadas, es gratificante encontrarse con una que ofrece una representación diferente de la vida familiar, presentándola como algo que debe ser celebrado y apreciado, no ridiculizado.

Hoy en día es aclamada como una de las películas de ciencia ficción más influyentes de todos los tiempos, pero en su primera versión Blade Runner fue bastante vapuleada por los críticos y cinéfilos. Su visión sombría de un futuro distópico en el que los humanos y androides son virtualmente indistinguibles ayudó a redefinir completamente las películas de ciencia ficción en la década de los 80, con lo que un grado de realismo y sofisticación se convirtió en nada menos que en una revolución. La película fue dirigida por Ridley Scott, quien aun saboreaba los frutos del éxito cosechados con otra película igualmente influyente de la ciencia ficción, Alien (1979). Se basó en la novela corta de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, considerada como una de las obras más importantes de la literatura de ciencia ficción. Aunque Dick murió justo antes de que se estrenara la película, se le permitió ver un primer corte de la película y dijo que reflejaba con precisión el mundo que el había creado.

Uno de los elementos más llamativos de Blade Runner, uno que hoy en día hace que se conserve tan impresionante, es su austero diseño visual, que combina los conceptos de ciencia ficción futurista con las trampas familiares de las clásicas películas del cine negro americano. El futuro se presenta no como una utopía perfecta, sino más bien como una visión del infierno en el que el gran avance tecnológico se encuentra junto a la decrepitud abyecta. Se ve como una variante en el principio de Dorian Gray: cuando la humanidad se vuelve más inteligente, el mundo se vuelve más delicado. Dick se refirió a ella como la primera ley de la Kipple.

Otro de los puntos fuertes de Blade Runner es la interpretación de Harrison Ford . Ford había desempeñado un papel similar en tres superproducciones de gran éxito , Star Wars (1977) , El imperio contraataca ( 1980) y En busca del arca perdida ( 1981), pero se acercó a la parte de Deckard de manera muy diferente . En lugar del bidimensional héroe de acción, Ford nos muestra un carácter más contemplativo y creíble, un hombre que está visiblemente atormentado por el trabajo que debe hacer. A pesar de que se las arregla para dar una de sus mejores actuaciones, que combina una intensidad inquietante con una vulnerabilidad conmovedora, el actor no disfrutó trabajando en la película . Él peleó con Ridley Scott en una etapa temprana ( le molestaba el uso de la narración en off, que sentía que debilitaba la película) y pronto llegó un punto en que los dos hombres se odiaban el uno al otro, tanto que simplemente renunciaron a hablar entre sí .

Desde que fue lanzada por primera vez, Blade Runner ha sido objeto de varias revisiones, la alteración más significativa es la eliminación de la narración en off. No fue sino hasta el 25 aniversario de la película en 2007 que Ridley Scott fue finalmente capaz de reunir el corte definitivo de su obra, que corrige muchas de las deficiencias percibidas en las versiones anteriores. Este llamado Final Cut es, sin duda, la obra maestra de Scott, una película que captura de forma satisfactoria el espíritu de la gran novela de Philip K. Dick, mientras que ofrece una visión escalofriante de nuestro mundo futuro, donde la distinción entre humanos y máquinas está a punto de desaparecer por completo.