Sin duda, "Repulsión" es una de las películas de terror más perturbadoras y visualmente efectivas que jamás se ha hecho. Su interpretación de la desintegración mental en una hermosa joven que es incapaz de hacer frente a su sexualidad es a la vez trágica y conmovedora, pero su punto mas destacado es que es absolutamente aterradora. Polanski, muestra el mínimo para aterrorizar, lo que permite a la imaginación del espectador rellenar los vacíos y completar el cuadro.

Polanski, ofrece un veraz drama psicológico sin necesidad de profundizar en los entresijos de la mente, crea una atmósfera inquietante y agónica gracias a los estremecedores e inteligentes efectos de sonidos y a su magnifico juego de planos impregnados de surrealismo, destacando los innumerables planos secuencias y planos detalle que logran que el espectador sienta mejor la agónica trama de este relato entre el terror y el sexo.

Es la primera película de habla Inglesa de Polanski, se encuentra fácilmente entre los mejores trabajos del director, que combina suspense, terror y fantasía con asombrosa maestría. Incluso hoy en día, todavía tiene el poder de choque entre su público, ya que posee un efecto profundamente desorientador en quien la visiona.

La belleza de Deneuve está en marcado contraste con la conducta monstruosa de su personaje, lo que refuerza el horror de la película en casi todas las escenas. La la actuación de Deneuve es ejemplar, su aparente vulnerabilidad de los adolescentes hace de ella la elección perfecta para una princesa demoníaca.

Una de las películas más antiguas y más influyentes de terror en la historia del cine, El Golem es una mezcla desconcertante de mística Judia, romanticismo europeo y el expresionismo alemán. Contiene todos los ingredientes de las película de terror clásico, con algunos aportes de historietas muy peculiares. La película fue dirigida por Paul Wegener, quien después de haber dirigido una película de éxito, "Der Student von Prag" (1913 ), Wegener hizo lo que legítimamente puede ser citada como la primera película de terror, "Der Golem" (1914 ), inspirado en una leyenda judía que había aprendido en Praga.

El Golem fue lanzada en el mismo año que "El gabinete del doctor Caligari" otra película de fantasía y horror que atrajo su visión artística del expresionismo alemán de otros medios (pintura, teatro y literatura). Aunque ambas películas se ajustan a la forma de terror clásico (una monstruosidad deforme se libera de la influencia de su maestro y termina aterrorizando a una pequeña comunidad), son estilísticamente películas muy diferentes, lo motivos explícitos del expresionismo que podemos apreciar en Caligari son menos evidentes en la película Golem, aunque ambas películas utilizan conjuntos inquietantemente angulares y un ambiente luminoso con gran efecto. Es cierto que mientras Wegener fue influenciado por el expresionismo, no estaba tan comprometido con él como algunos de sus contemporáneos. Esto le permite una mayor libertad de probar otras técnicas y experimentar con efectos especiales, el resultado es una película que, aunque le faltaba un poco de coherencia artística, es visualmente impresionante.

La película de Bresson es una historia que se cuenta "sin adornos", es clara desde el principio, donde se muestra las intenciones de escape de Fontanai. Está basada en las memorias de André Devigny, una historia real que permite seguir un hilo dramático clásico. Como era de esperar en la trama, el contenido narrativo de la película está casi completamente resumido en el título, pero esto no impide que "Un condenado a muerte se ha escapado" sea uno de los más emocionantes dramas carcelarios jamás realizado y una de las mayores propuestas que el cine francés nos ha dado. Pero el interés, sin embargo, está en otra parte, en el éxito de lograr y revelar lo esencial, los retos morales y espirituales de esta evasión, mucho más allá del simple acto de que se podría llamar carácter heroico.

Bresson abre una reflexión más amplia sobre la esperanza y el poder de la voluntad humana cuando está animado por una convicción inalterable. Este estado de Fontaine trascendental le permite desarrollar una inteligencia poco común en la práctica (todos los detalles concretos de la fuga se filman con una minuciosidad pasmosa) y contamina a que todos los presos deseen el éxito de Fontaine, convirtiéndose en una cuestión colectiva, ya que despierta las esperanzas más dormidas del resto de los presos. Bresson nos ofrece una magnífica narración que junto a la voz en off nos permite relacionarnos con el personaje, también crea una fuerte influencia con el juego de imágenes y sonidos (las manos, la exactitud de movimientos monótonos y específicos, el chirriar de la bicicleta, los toques en la pared). "Un condenado a muerte se ha escapado" es una cinta de obligado visionado entre cinéfilos y más especialmente entre los seguidores del género, ya que no encontramos ante una de los mejores dramas carcelarios de la historia del cine.

La gran virtud de Le Trou es su realismo sin concesiones. Becker no se contenta con contar un episodio de la vida real lo más auténticamente posible, sino que en realidad quiere que sus espectadores se sientan como si estuvieran participando en la fuga de la prisión, los hace sentir parte de la angustia física y mental de los protagonistas, ya que se comprometen en cuerpo y alma a la realización de un objetivo fantástico. Observando Le Trou nos damos cuneta de que es una experiencia agotadora pero visceralmente satisfactoria. Nos olvidamos por completo de que los protagonistas son delincuentes habituales que probablemente merecen ser encerrados. Su inquebrantable dedicación a su tarea y su vínculo inquebrantable de la amistad les confieren una especie de heroísmo, y no nos atrevemos a imaginar que su aventura terminará en fracaso.

Inevitablemente, nos sentimos atraídos a hacer comparaciones con Robert Bresson puesto que tratan un tema similar en (un condenado a muerte se ha escapado ), realizada apenas cuatro años antes. Ambas películas muestran una fuga de la prisión con meticuloso detalle, la adopción de un estilo de bajo perfil realista que transmite no sólo el esfuerzo físico implicado, sino también la tensión psicológica que acompaña. La película de Bresson es generalmente considerada una pieza más poética que la de Becker, pero sin embargo Le Trou tiene una cierta poesía, si bien una de un tono más oscuro, mucho menos reconfortante. Lo que más distingue a las dos películas es el aspecto físico desgarradora de la película de Becker. En la película de Bresson , la lucha principal es espiritual, una vez que el héroe ha superado sus dudas y sus miedos, su fuga se convierte en una certeza. En Le Trou, el reto es predominantemente físico, una batalla entre el tendón y la piedra, personificando la interminable lucha del hombre para afirmar su dominio sobre el mundo implacable. Esto no es tanto una película sobre una banda de convictos que tratan de salir de la cárcel , sino más bien una declaración de gran alcance de la fuerza indomable del espíritu humano.

Es extraño que las dos películas más conocidas y más accesibles de Luis Buñuel (Un perro andaluz y El discreto encanto de la burguesía) también sean las dos más ambiguas y resistente a la interpretación. Realizadas en los dos extremos de la carrera de Buñuel, cuando el director se acento temporalmente en Francia. Estas películas no podría ser más diferente estéticamente, pero sin embargo, ambas son obras maestras surrealistas que están claramente concebidas como golpes a la convención de la clase media. En contraste con la aparente aleatoriedad de "Un perro andaluz", "el discreto encanto de la burguesía" al menos tiene una apariencia de estructura sobre la misma, pero esto no significa necesariamente que su significado sea más fácil de adivinar, podremos ver esta película cincuenta veces y cada vez hacer una lectura diferente.

Un tema que corre a través de gran parte de la obra de Luis Buñuel, en particular en sus películas posteriores, es la interpretación de las convenciones burguesas como un bloqueador de la libertad individual. Los protagonistas de las películas de Buñuel se retratan a menudo como prisioneros de su entorno social, y esto es quizás más evidente en "El discreto encanto de la burguesía". Aquí, seis amigos de clase media (y un obispo muy peculiar) no sólo parecen estar encadenados entre sí y obligados a repetir el mismo ritual de una fiesta interrumpida hasta el infinito, pero realmente parece como si estuvieran encerrados en una burbuja, una que encoge progresivamente en el curso de la película. Así son estos discípulos de la conformidad que viven con las reglas no escritas de la etiqueta burguesa, reglas que convierten en ajeno las cosas extrañas que suceden a su alrededor. En lugar de mostrar sorpresa (una reacción natural cuando un pelotón de soldados irrumpe en su casa y exige refrescos), se limitan a repetir los mismos gestos anodinos y trivialidades sin sentido, como si fueran autómatas sin alma con un repertorio muy limitado de expresión. Evidentemente, la discreción es la mejor parte de gentileza del burgués.

La fusión perfecta de los sueños y la realidad es fundamental para "El discreto encanto de la burguesía", acentuando tanto su opacidad y su oscuro humor, cada vez más extravagantes. Hay por lo menos cinco secuencias de sueños señalizados en esta película. La película consiste en una serie de episodios (algunos reales, otros no) en la que los personajes fracasan constantemente a la hora de lograr la satisfacción de sus deseos. Cada vez que se sientan a comer juntos el acto se interrumpe, los intentos de hacer el amor se ven frustrados de manera similar por los visitantes inesperados, incluso un esfuerzo para conseguir una bebida en un café está condenado al fracaso. Cada uno de estos episodios juega a favor de una manera onírica, que nos muestra el deseo que nunca se cumplió.

Una interpretación de la película es que está haciendo una declaración sobre la naturaleza característicamente estéril de la existencia de la clase media. Buñuel parece estar dando a entender que las restricciones de la conformidad burguesa son tan rígidos, por lo que la limitación de que cualquier persona que se suscribe a ellas está inevitablemente condenado a vivir una vida sin color o significado. Normalidad burguesa tiene su propia tiranía que es tan degradante como el fascismo que llevó a Buñuel al exilio en 1930. Las personas dejan de ser personas, se convierten en máquinas sin alma. Conservan un vestigio de deseo carnal, pero han perdido los medios para saciar este deseo. Esto podría explicar uno de los motivos recurrentes centrales de la película, el grupo de amigos burgueses caminando tranquilamente por un camino sin fin en el medio de la nada. Ellos no saben de dónde vienen; no saben a dónde van. Ellos sólo siguen deambulando, buscando una existencia como zombies huecos que ha dejado de tener sentido o propósito, una muerte en vida.