El director polaco Lech Majewski hace rato que viene haciendo películas increíbles. Es el caso de El cuarto de los ciervos, Angelus, El jardín de las delicias terrenales o Glass lips. Lamentablemente todas ellas han tenido poca difusión fuera de los festivales internacionales. Por eso es una gra noticia el estreno en salas de este film. El Molino y la cruz (tal es la traducción correcta del título original) está basado en la pintura El camino al calvario realizada por Pieter Brueghel en 1564, que retrata la pasión de Cristo en el marco de la brutal ocupación española en Flandes. Junto al ensayista Michael Gibson, Majewski se centra en el proceso creativo del pintor, al mismo tiempo que desarrolla las historias de algunos personajes que aparecen en el lienzo. El cuadro cobra vida a través de la tecnología digital, en un proceso que demandó varios años de intenso trabajo. Las locaciones reales se fusionan con la pintura y el resultado deslumbra. Un film magistral, que desafía las convenciones cinematográficas abriendo un diálogo entre el cine, la historia y las otras artes.

Bloqueo es un extraordinario montaje de imágenes de archivo sobre el sitio de Leningrado. Las imágenes de archivo fueron tomadas por camarógrafos en medio del caos reinante, lo que posibilitó escapar del estricto control que el estado ejercía sobre el material filmado. Lo que vemos en las imágenes asombra por su crudeza: la ciudad destruida, las calles llenas de cadáveres, gente buscando desesperadamente agua y comida. El film termina con las secuencias de la liberación, que incluye cañonazos, fuegos artificiales y el terrible espectáculo de las ejecuciones de prisioneros en la plaza pública. Un aspecto fundamental de Bloqueo es el del sonido. Loznitsa explicó que, como en esa época no se acostumbraba a grabar el sonido para los documentales, con su sonidista Vladimir Golovnitki crearon íntegramente la banda sonora a partir de archivos de la década del 50. El trabajo resulta excepcional, no solo en la recreación del sonido ambiente, sino también en el uso expresivo de los silencios.

Naqoyqatsi es una expresión de la lengua de los indios hopi que significa “vida en guerra” o “la guerra como forma de vida”. Con este film, Reggio cierra la trilogía que comenzó en 1982 con Koyaanisqatsi (“Vida fuera de equilibrio”) y continuó en 1988 con Powaqqatsi (“Vida en transformación”), con la colaboración del compositor minimalista Philip Glass. Estos films son verdaderas sinfonías visuales, donde las imágenes y la música se fusionan en perfecta armonía sin la necesidad de las palabras. Se trata de una obra única dentro del cine contemporáneo, donde Reggio propone una profunda meditación acerca del hombre, la naturaleza y el impacto de la tecnología en nuestras vidas.
Naqoyqatsi trabaja a partir de films militares, material de archivo, videos corporativos, animación, publicidades, filmaciones deportivas, alteradas mediante los últimos medios de edición digital, para examinar bien de cerca nuestra problemática relación de con el mundo de la tecnología y la virtualidad.
Dice Reggio: “la tecnología no es algo que usamos sino algo que vivimos, que respiramos como el oxígeno a nuestro alrededor, que nos trasforma sin nuestro consentimiento… Pero, ¿Cuál es el precio que pagamos por la búsqueda de esta felicidad tecnológica? Yo veo Naqoyqatsi como un film acerca de un evento que es innombrable. Tengo un profundo sentimiento de que no tenemos un lenguaje para describir el mundo en que vivimos. Por eso este film sin palabras es el intento de reanimar ese viejo adagio que dice que “una imagen vale más que mil palabras”. Solo que en este caso, cientos de imágenes alcanzan a formar su significado”.
Como una sinfonía, Naqoyqatsi se compone de tres movimientos:
Uno/Numerica.com: el lenguaje humano, el espacio real, dan paso al código numérico y a la realidad virtual.
Dos/Cirkus Maximus: la competición, el triunfo y el amor al dinero son elevados a los principales valores de la vida. La vida se convierte en un juego.
Tres/Rocketship 20th Century: la aceleración electrónica puede describirse como velocidad de escape, un acontecimiento que borra toda percepción, disuelve todo significado, rompe los lazos con la tierra, produce un mundo que nuestro lenguaje no puede describir. El resultado de este explosivo tiempo de la tecnología es guerra, es la violencia de la civilización.
Para este film, Reggio se inspiró en las tesis de pensadores como Ivan Illich y Jacques Ellul, quienes consideran que la tecnología se ha vuelto autónoma, nada exterior la orienta y solo progresa de manera casual. La tecnología se ha vuelto nuestro amo y señor. Ya Koyaanisqatsi y Powaqqatsi fueron el intento de revelar “la belleza de la bestia”, mostrándonos los estragos que produce el hombre para solventar la existencia de los grandes centros urbanos, no solo destruyendo el medio ambiente, sino también condenando a la desaparición a culturas milenarias. En Naqoyqatsi, Reggio trata de pensar el actual fenómeno de la globalización. Para ello, pone el mismo discurso de la tecnología en el centro del cuestionamiento, esperando que los espectadores reflexionen y sientan cierta inquietud ante esas imágenes que consumimos sumisamente todos los días.

En este original film, cincuenta pequeñas escenas van mostrando distintas situaciones tragicómicas, donde los personajes luchan por establecer desesperadamente una comunicación con el prójimo. El propio director lo definió como un film sobre la vulnerabilidad del ser humano, sobre sus sueños y sus miedos, sobre su comportamiento y su eterna búsqueda del amor. Como en Canciones del segundo piso, Andersson utiliza una estilizada puesta en escena, que por momentos parece cercana a la de las piezas teatrales de Samuel Beckett.

En este pequeño gran film de Roy Andersson, hay algo de ácido comentario sobre la neutralidad de su país durante la Segunda Guerra Mundial. Lejos de cualquier corrección política, el director parece enjuiciar a la sociedad sueca por su complicidad e indiferencia hacia los grandes horrores que produjo la historia europea del siglo XX.