Así que los rusos beben vodka, los funcionarios públicos son corruptos y las altas esferas religiosas están plagadas de cínicos… Y tu hermano se lo hace con tu mujer. La cosa está muy mal, y lo que no está mal, está peor.

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Me jugaría un huevo y parte del otro a que los americanos le van a dar el premio gordo a Zvyagintsev. Pero no me los juego, porque les tengo cierto aprecio y nunca se sabe. Conociendo como conocemos a los estadounidenses y la utilización nacionalista y política que hacen de sus premios, Leviatán ya tiene el Oscar. «Toma Putin, disfrútalo», dirán.

Que le den o no el Oscar, no tiene importancia, lo que si me molesta es que, si me pongo en plan conspiranoide, sospecho que Zvyagintsev ha hecho esta película para triunfar en Occidente. Una película festivalera. No tiene alma, no trasciende ni emociona. Pero hay denuncia, algunas referencias religiosas para intelectuales, y un escenario sublime y amenazador. Una película milimétricamente estudiada para triunfar entre la crítica occidental más politizada.

Las reseñas se deshacen en elogios, incluso de algunos críticos de referencia para mí. Y llega el turno de las dichosas influencias. Ya lo dijimos claramente cuando hablamos de Ida. No quiero otro Bèla Tarr ni otro Tarkovski. Pero es que ni siquiera entiendo la comparación con estos directores.

Tarr es lírico. Murmura gritos. Zvyagintsev es práctico. Grita murmullos. Le oigo, pero no le escucho, porque sus palabras no calan, por repetidas. Con Tarkovski hace tiempo que solo comparte nombre y nacionalidad. Y donde Bergman era incisivo y sutil, Zvyagintsev entra como una grúa en una casa en la costa del mar de Barents.

Pero no hay problema. Nadie pide a Zvyagintsev que sea el nuevo nada. Es cierto que con su magnífico debut muchos nos asombramos, pero el director ruso ha evolucionado marcando distancias con El Regreso. El problema, en mi caso, es que su evolución no me satisface.

Su paleta sigue fría, conmueven sus escenarios, pero su discurso se ha concretizado. Como un Pollock que, en fase de consolidación, se hubiese puesto a pintar bodegones flamencos y cuadros de denuncia social con manual de instrucciones.

Sí, otra película que muestra el derrumbe moral de una sociedad post comunista. Como en la china Un toque de violencia, Zvyagintsev nos lleva de la mano para señalarnos donde está la mugre. “Mira, espectador, ahí, ahí y ahí”. La justicia, el gobierno y la iglesia. Y, para colmo, no respetamos ni a la familia. El Leviatán es el sistema. ¿Y? ¿Algo que no sepamos?

A Leviatán se le ve el plumero, y no me refiero al político (cualquier película de denuncia de una sociedad corrompida es bienvenida). Me refiero al plumero artístico. Todo está diseñado por Zvyagintsev para conseguir un determinado efecto en el espectador. Y si me apuras, en determinado espectador.

El ruso ha sacrificado la poesía. Y en su lugar tenemos un retrato valiente de la sociedad rusa. Pero un retrato romo, sin espíritu y sin exigencia para el espectador. Lo que ves (y lo que no) es lo que hay y lo que ya sabes. Es como cuando te enteras de que un nuevo político ha sido cogido in fraganti con las manos en los fondos públicos. Dime algo que no sepa, Andrei, o al menos que no sepa que sé. Alumbra la verdad, pero la de verdad, la que todavía buscamos, no la que está en los periódicos.

Lo Mejor: los escenarios. Su discurso es valiente.

Lo Peor: festivalera. Poco exigente con el espectador y poco estimulante a nivel narrativo.

Escrito por David Rubio para Alucine.es

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Cosmópolis sorprendió a buena parte de sus seguidores. Muchos fruncieron el ceño. ¿Qué coño es esto, David? El director canadiense adaptó el célebre libro de Don DeLillo, y lo hizo con bastante fidelidad. Si Cosmópolis tiene deficiencias, que las tiene, son en su mayor parte procedentes de una novela árida pero visionaria en muchos aspectos. No nos extraña nada que Cronenberg se haya sentido atraído por esta historia de decadencia ultracapitalista.

Maps to the Stars sigue la misma línea que Cosmópolis. Pero nos trasladamos de la locura y la degeneración del Manhattan de un futuro cercano a las pastillas y la esquizofrenia del Hollywood de hoy. Cronenberg quiere mostrar lo mismo que Lynch en Mulholland Drive o Inland Empire, pero lo ejecuta con un estilo más directo y satírico. Pero las conexiones con el director de Montana son más claras que nunca. Y nos alegramos. Cada uno con su estilo, ambos sienten la necesidad de plasmar la demencia y alienación del habitante de la Meca del cine. El hollywodiense medio está con un pie en la locura, para bien y para mal.

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Maps to the Stars no cuenta nada nuevo. Pero en nuestro caso, la temática nos parece de interés casi inagotable. A pesar de algunos lugares comunes y que a la película le cuesta un poco arrancar, enfangada en unos diálogos bastante retóricos, poco a poco, una vez que la trama va abriéndose entre penumbras, asistimos con interés al desfile de espectros en casas de diseño, bares de moda y reuniones de producción.

El guión de Bruce Wagner es mejorable, especialmente, como decimos, en algunos diálogos, pero la historia aumenta su carga de profundidad a medida que avanza. Al margen de Julianne Moore cuyo personaje es más bien decorativo, por muy bien que esté la actriz, nos quedamos con Mia Masikowka y Evan Bird (The Killing), el chico del cuello interminable. Mia es una actriz hipnótica. Ya la disfrutamos en Solo los amantes sobreviven y en Maps to the Stars vuelve a mostrar su talento y peculiar belleza. Nos gustan las locas, para qué lo vamos a negar. Una loca te puede clavar un cuchillo, pero también trasportarte a un lugar en el que nunca has estado. El riesgo es muy seductor. Los locos son imprevisibles, y esa es una de las mayores virtudes que se puede tener en un mundo como el nuestro, dominado por la programación, el plagio y la falta de personalidad.

Maps to the Stars es irregular y descompensada, pero también divertida y amenazadora. Cronenberg sigue de mala hostia. Y es una buena noticia para los amantes del cine.

Lo Mejor: Sugerente e incisiva. Mia Masikowka.

Lo Peor: Diálogos un tanto retóricos. A la película le cuesta arrancar.

[critica publicada en alucine.es]

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Y luego está el amigo Adam Levine de Maroon 5 que cantar, canta (con varios falsetes marca de la casa). Pero su presencia en la historia no acaba de funcionar, tal vez porque su personaje es un poco antipático, porque tampoco es muy necesario, porque tenemos la sensación de que se está promocionando (y no lo necesita) o por todo a la vez. Así, tras un notable arranque de película, nos hundimos en la butaca esperando que termine el flashback de Levine y Knightley. Suponemos que John Carney ha tenido que introducir algún arreglo comercial en su nuevo disco. No es lo mismo trabajar para Weinstein Company que para Samson Films. Los productores aprietan, hay que vender discos…

Pero Mark Ruffalo regresa pronto. Su personaje es lo mejor de la película, fantásticamente interpretado, quizás un poco sobreactuado, pero captando el tono de productor pasadito de vueltas tras 20 años en la industria. Ya lo hemos dicho en otras ocasiones, ¿cómo sabemos si un intérprete está bien? Si deseamos que aparezca en cada escena. Eso nos pasa con Ruffalo.

Tal vez la historia de Begin Again no esté tan bien tejida como la de Once, y tal vez, bueno, tal vez no, seguro que las canciones de Begin Again no alcanzan a las de Once, pero la nueva película de John Carney sigue manteniendo ese aura enternecedor y entusiasta. Carney ama la música, pero lo más importante, sabe transmitir ese amor a través del cine. ¿Cómo? Con algunas escenas maravillas (en spoiler) y, sobre todo, con los pequeños detalles: un plano que se extiende más de lo normal, un gesto por parte de un actor, un diálogo natural, como grabado de improviso en la misma calle… Eso no falta en Begin Again.

Begin Again no es Once, ok, pero tras ver la película abandonas la sala más vivo, y eso es de lo mejor que se puede decir de una cinta de estas características.

Lo Mejor: la habilidad para transmitir el amor por la música y su valor a través de una historia sencilla. La delicadeza en los detalles. La interpretación de Mark Ruffalo. Las escenas citadas.

Lo Peor: El "disco" tiene dos o tres "canciones" un poco comerciales que hacen perder autenticidad al conjunto. No es redondo como lo fue Once.

[crítica publicada en alucine.es]

Tal vez sea una de las mejores películas facturadas en Hollywood durante este año. Sin ser redonda, posee suficientes aspectos positivos para encandilar a un buen número de espectadores. Ambiciosa, reflexiva y técnicamente notable, Prisoners aborda varios de temas clásicos, pero plenamente vigentes en nuestra sociedad: la familia como núcleo vital, la incertidumbre, la indefensión, la justicia, el individualismo, la heroicidad, etc. Todo ello con un matiz de reflexión moral que aumenta su relevancia como producto artístico.

¿”Prisioneros” de qué? Buena parte de la película transcurre en lugares cerrados, escondites, agujeros, en los que los personajes ponen a prueba su condición humana. Encerramos a los demás, y nos encierran. No solo hay presos en las cárceles. Hay otros barrotes que nosotros mismos esculpimos con la abyección y la desdicha como materias primas.

Prisoners parte de dos premisas clásicas del thriller contemporáneo: unas niñas perdidas y un posible asesino en serie. Dos familias de clase media, religiosas, sufren en sus carnes la agonía de la desaparición de dos niñas. El escenario, un pueblo del norte, lluvioso y solitario, actúa como marco ideal para la trama. No es la primera vez, ni será la última. La lluvia incesante, el cielo cerrado, el barro, la suciedad, el óxido… No sorprende, pero actúa como recurso eficaz creador de atmósfera.

En este sentido, tanto Denis Villeneuve (director) como Aaron Guzikowski (guionista) exhiben un dominio solvente de los elementos clásicos del thriller. Lo primero, crear atmósfera, empapar al espectador de un aire denso, afilado, que anuncie la tragedia, que aumente la tensión dramática. A ello hay que añadir una interesante fotografía que, sin caer el formalismo, se saborea con gusto.

Y como buen thriller, un suceso inesperado obliga a los protagonistas a tomar partido. Hugh Jackman y Terrence Howard, los dos padres, asumen actitudes diferentes, que son arquetípicas. El líder implacable, determinado y enfervorecido y el seguidor, dubitativo, confuso. Pronto llega el detective, un Jake Gyllenhaal que aspira a encontrar la madurez con este papel y olvidar de, una vez por todas, al adolescente lúcido de Donnie Darko. El personaje de Gyllenhaal, escasamente perfilado, sin necesidad de caer en recursos trillados tipo padre borracho, resulta satisfactorio y eficaz. A la media hora, Prisoners ha logrado su objetivo: estamos enganchados.

A medida que profundizamos en la historia, crece la tensión, al atmosfera se torna casi irrespirable, mientras algunos personajes se abandonan a sus instintos y otros luchan por no salirse del camino. Del camino correcto. El conflicto moral es el principal elemento catalizador de este relato. No es baladí que una cruz aparezca colgando de un coche en los primeros minutos. Pero Prisoners tampoco se pierde en estrategias populistas. La religión forma parte de la sociedad, estadounidense en este caso. Y punto.

La cinta cuenta también con algunos elementos de misterio, y un par de equívocos narrativos, habituales en el género. Y salen a relucir las imperfecciones del relato. Echando la vista atrás, lamentamos que algunos sucesos de la película sean anecdóticos y no tengan otro objetivo que alargar la agonía y confundir al espectador. En este sentido, y a nuestro modo de ver, varios cabos sueltos no se anudan al final de la película, perjudicando la valoración final.

Pero tal es el grado de ambición por parte de los creadores de Prisoners que debemos quedarnos con lo bueno de la cinta. Y ser magnánimos. No hay película perfecta.

En resumen, Prisoners encandilará a los que en su día contuvieron el aliento con Seven, espectadores que prefieran encontrar en la sala de cine algo más (o diferente) que noñería, explosiones y sonido estruendoso. Por cierto, notable banda sonora.

Lo Mejor: La atmósfera. La solvencia en el uso de los recursos propios del thriller. La reflexión moral.

Lo Peor: No posee un mecanismo narrativo perfecto, ya que varios de sus elementos podrían ser eliminados sin perjudicar el desarrollo central de la trama. Algunos cabos sueltos.

[crítica publicada en alucine.es]

“El Árbol de la vida” tiene un problema principal y otro secundario. Evidentemente se trata de una película diferente a lo habitual en el cine comercial ya que se articula a través del lenguaje poético. Pero ¿es bueno cualquier poema? Rotundamente, no. Es algo que no comprendo de la mayor parte de críticas positivas que he leído. Es como decir que una película es muy narrativa. Vale, pero, ¿está bien construida esa narración?

El lenguaje poético es un arma que debe apuntar a la cabeza para llegar al corazón. Sea en el ámbito literario o en el cinematográfico. Malick no ha logrado emocionarme con esta película porque intelectualmente me ha resultado liviana, ingenua y con cierto hedor a filosofía de saldo. Hacer un discurso cinematográfico sobre cuestiones como la divinidad, la evolución, el amor, el vacío existencial, etc. no lo convierte automáticamente en un film trascendental , profundo y solo para “sensibilidades exquisitas”. Partir de unos plantemientos ambiciosos no se traduce siempre en calidad artística. Que el “Árbol de la vida” nos haga un recorrido por los cuatro elementos de la vida a través de bellas imágenes no es más que eso, belleza estética como envoltorio de un mensaje vaporosamente pueril que no produce en mi reflexión alguna. ¿Es original su planteamiento estético dentro del cine comercial? Sí, pero a Malick hay que pedirle algo más. Mucho más. Es probable que el éxito de esta película en muchos sectores se deba a ese envoltorio de trascendencia para sensibilidades presuntamente elevadas, una especie de poema mainstream para el consumo del pequeño burgués occidental. Tal vez, haya gente que haya recordado con esta peli que existen conceptos como Dios, Madre Tierra y Humanidad. Tal vez haya personas, que de camino a su coche tras salir del cine y durante tres minutos o incluso cuatro, se haya sentido viva. Algo es algo.

Por otro lado, la estructura poética de la parte dramática de la película es intolerablemente repetitiva. La poesía como cualquier otro lenguaje artístico debe respetar al máximo la economía de medios. Si puedes emocionarme con una palabra no lo hagas con dos. Si puedes conmoverme con una imagen no me repitas esa imagen diez veces porque corres el riesgo de que la emoción se transforme en tedio. En este sentido, considero que el espectador de esta película no necesita 100 planos de las manos de los niños y de la mujer ni 200 de una cortina que se mueve mecida por el viento mientras una voz de off me cuenta la misma historia una y otra vez con diferentes palabras. Ciertos pasajes de “Malas Tierras” contenían un lirismo mucho más fino y menos chirriante. Tarkovski, no fue un director perfecto, pero dominó el lenguaje poético admirablemente en "El Espejo" o "Nostalgia". La poesía no tiene nada de aburrida si está bien hecha. Además, en esta parte dramática se produce, desde mi opinión, un grave problema narrativo.