Quizá, desde una óptica interesada, podría afirmarse que el Sexto mandamiento del Decálogo de Kieslowski decanta su balanza hacia una de las dos concepciones enfrentadas de entender el amor. Esta valoración se asentaría, seguramente, en valores ajenos a la propia obra cinematográfica, es decir, en lo que sabemos del autor: varón, polaco, católico en cierto sentido (“Yo no creo en Dios pero mantengo una buena relación con Él”) e indudablemente moralista. Desde esa posición apriorística, podría afirmarse que, en la pugna de conceptos sobre la naturaleza del sentimiento que protagoniza este capítulo, triunfa el del amor idealizado, platónico, que representa Tomasz frente a la carnalidad de Magda (“- ¿Quieres que hagamos el amor? – No – Entonces, ¿qué quieres? – Nada”).

En realidad, nosotros creemos que, en Dekalog 6, hay un proceso de convergencia, una sanchificación de Quijote y quijotización de Sancho y que es aquí, precisamente, donde reside la realidad del sentimiento amoroso del cineasta polaco, en Magda pasando a ser la observadora en lugar de la observada, en Tomasz cerrando el capítulo con la frase que no vamos a adelantar. Amar, en la definición kieslowskiana del término, es la capacidad para comprender al otro: no la leche derramada por doquier, pero definitivamente tampoco la idealización benedictina del objeto amado. Dialéctica hegeliana y que nos perdonen los polacos.

Una última reflexión: ¿se imaginan a Kieslowski hablando del amor en la Era de las redes sociales?

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Todo en Amour fou es una trampa, desde ese engañoso título que presagia epopeyas wertherianas hasta la romántica languidez que se desprende de sus pictóricos, sutilmente iluminados, encuadres. Quizás se podría acusar a Hausner de hanekismo, de que la ironía que reverbera a lo largo de todo el metraje es una forma de distanciamiento casi tan cruel como el falso delirio amoroso que denuncian sus imágenes, pero nosotros, quizá bienintencionadamente, percibimos pureza en la intención: ¿acaso hay mejor herramienta que el humor para aligerar el drama?. Y es que sí, hay humor en la emboscada para aspirantes a tenorios que es su película, como lo había en la mucho más famosa (y menos sutil) obra de Choderlos de Laclos, pero percibimos que la crueldad, en este caso, no reside en el punto de vista de la directora sino en la naturaleza caduca, tendenciosa, paternalista de una sociedad patriarcal abocada a la extinción. Podríamos hablar del Siglo XIX o de la actualidad, el postureo siempre ha sido el postureo. Aquí y ahora y antaño, en los rectilíneos jardines de Sanssouci, si obviamos las flores al final siempre aparece el estiércol.

La historia comienza, obviamente, por el principio, por Chelmno, por el primer campo destinado exclusivamente al exterminio. Y no lo hace apoyándose en los materiales de archivo, en las masas de cuerpos apilados o en los huesos perfilados sobre piel transparente. La voz de un antiguo prisionero, los bosques de Polonia y un río tranquilo, casi candidato a protagonista de postal o a paseo romántico bajo la luz de la luna, contrastan con los restos del esqueleto del antiguo campamento: marcas de cicatrices sobre la suavidad del césped, el auténtico rostro con viruelas del horror.

Esas ruinas que hunden sus cimientos en medio del verdor son, en cierto sentido, metáfora perfecta de los testimonios utilizados por Lanzmann en base a los recuerdos de sus entrevistados. Pese a que sus protagonistas puedan haber creado una selva que intenta devorarlos, exiliarlos del pensamiento consciente, éstos siguen ahí, sus raíces son demasiado profundas para ser obviadas, su grisura contrasta demasiado con el resto del paisaje. Esta persistencia de la memoria es la que el cineasta francés se esfuerza en mantener, desde su postura de fiscal inflexible, como norma de obligado cumplimiento. Lanzmann no permite el olvido, señala a los que miraron hacia otro lado, no hace amigos. En una entrevista con Pawel Pawlikowsky a propósito de Ida, el director polaco torció el rostro al mencionarle Shoah: “No todos los polacos fueron iguales”… “En efecto, las víctimas no fueron iguales”, imaginé que le hubiera contestado Lanzmann. Su afirmación de que la película debía ser vista sin pausas ni interrupciones es, al mismo tiempo, una fórmula de compromiso con la tragedia narrada y una condena por omisión. Tómenla o déjenla, en cualquier caso no serán la misma persona tras cumplirla.

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Resulta difícil no comparar la nueva película del director polaco Pawel Pawlikowski con su antecedente más cercano en el tiempo, aquella multipremiada recreación histórica que era 'Ida'. Ya desde las primeras imágenes que recibimos, con esos planos en blanco y negro en los que el encuadre se llenaba de aire por encima de las cabezas de los protagonistas, con su formato 4:3, con la representación, en suma, de esa Polonia comunista preñada de grises exterior e interiormente. Pero no queremos incidir aquí, por resultar el tema demasiado obvio, en las conexiones formales y pictóricas entre ambos largometrajes, sí tal vez abrir un debate sobre el discurso político que se puede extraer de la saga pawlikoskiana, un mensaje subrepticio que podría quedar oculto por la desarmante capacidad del polaco para construir encuadres con cierta significación artística, incluso con su acierto a la hora de pulsar las cuerdas adecuadas para crear emoción en el espectador, al menos en este espectador.

'Cold War' nos lleva a la Polonia de 1949, ese país con las heridas de la II Guerra Mundial aún abiertas, donde la herencia del brutal gobierno (?) nazi aún se percibe como presente. En este lúgubre ambiente, las nuevas autoridades comunistas formarán un grupo coral que, a través del folklore local, intentará llevar algo de ánimo y color a las almas de los deprimidos ciudadanos camaradas polacos primero y del bloque oriental después. Bueno, seamos sinceros, también transmitir algún mensaje de alabanza sobre el glorioso Camarada Stalin y su decisiva participación en la Gran Guerra Patriótica. Como suele pasar, entre dos de los personajes que forman parte de dicho grupo surgirá una historia de amor, un romance que llevará a dichos protagonistas a dejar atrás el paraíso de los trabajadores y su opresor paternalismo en busca de la capitalista libertad de Occidente, de la libérrima música de jazz como sustituta de la muy socialista polifonía grupal.

El conflicto, esa guerra fría a la que se refiere el título del filme, se encarna aquí por tanto musicalmente, metafóricamente, en la pugna entre ese folklore teledirigido, refractario a la improvisación y un jazz en el que precisamente la improvisación es la piedra de clave sobre la que se eleva el edificio. Socialismo vs. capitalismo, iniciativa estatal vs. iniciativa individual, dos modelos incompatibles entre sí y, en medio, una pareja hija de su época y de sus inconsistencias y contradicciones, incapaz de encontrar su lugar en ninguno de los dos modelos enfrentados mortalmente. 'Cold War' puede ser vista así, no sólo como una historia de amor (entre dos individuos) "bigger than life", sino también como un documento sobre la imposibilidad del triunfo del amor (como concepto) en unos tiempos en los que la división de la sociedad es un hecho capital, determinante. Un amor imposible de encontrar en los fríos teatros de Polonia, en los animados clubes de París, o en los bosques de Tasmania, si fuera menester.

Este discurso ambivalente, no partidista, salva al filme de Pawlikowski de caer totalmente en un conservadurismo cultural que siempre ronda, como un fantasma, por el filo de sus imágenes. Esa filia por lo tradicional que llevaba a Ida a abrazar la seguridad y los hábitos del convento y que transcribe aquí la música campesina, la que se canta con la primera luz del alba en los campos de trigo como el único elemento puro frente a la utilización partidista de la armonía. La Arcadia nunca fue tan inocente como la retrata nuestro hombre, pero eso, claro, es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.

Conde Drácula: He cruzado océanos, bueno mares, vale era un charquito de tiempo para encontrarte.

¿Cómo les diría yo? Si X intentará convencer a A de que se habían citado en Marienbad antes de ver este evento que nos ocupa no habría ninguna posibilidad, absolutamente ninguna, de que ella lo hubiera olvidado, a la mierda Resnais y sus monólogos pasilleros.

Vale, veo que no me explico, Dreyer diría Or- (la sílaba), Poe solo habría visto una leve oscilación de la Casa Usher, ¿Memento? Ya veo que están en plan jeringónzico y esto es muy serio, no sigan por ahí.

Y es que no hay huevos a venir y soltar un tochaco de sus falencias narrativas desde su pomposidad estentórea y tiremos la margarina a la atrapante techumbre, no los hay y punto, en otros sitios cuela pero no aquí, aquí al final de todas las cosas.

Puede que los señores Justerini y Brooks me hayan cantado que nunca caminaré solo pero necesito que siga el concierto y tras los bises repetimos experiencia, tampoco supone un esfuerzo, joder, no nos hagamos los héroes