Al tal Manolo Matji este alguien debería haberle hecho ver El hombre de Alcatraz para que aprendiera un poco de Frankenheimer cómo hacer una peli carcelaria que apueste por la rehabilitación, con criterio, credibilidad y estilo narrativo. Existen malas historias que salen a flote por estar bien dirigidas, e historias con posibilidades que se hunden en el fango por una dirección calamitosa. Horas de luz se incluye en el segundo punto. La historia de este preso real no consigue plasmar ningún aspecto emotivo que haga que apiades del "pobre" criminal. Matji opta por amontonar escenas sin hilvanarlas.

Hay películas que por salirse de los cánones del circuito más comercial, solo consiguen llegar avaladas previo paso exitoso por algún de los cientos de festivales que hay por todo el mundo. Aún así, depende mucho donde las hayan reconocido de cara al espectador. A modo de referencia, no es lo mismo haber triunfado en Valladolid, Málaga, San Sebastián o Sitges, por citar tan solo alguno de los festivales patrios. Ni siquiera los grandes premios internacionales con sus jurados variables pueden llegar a tomarse como algo fidedigno de calidad continuada o un estilo propio de reconocimiento de estilo. Balada triste de trompeta jamás hubiera imaginado que ganaría en Venecia de no haber estado Quentin Tarantino de presidente del jurado aquel año. Con esto quiero decir que porque una cinta llegue premiada por un festival tan particular como el de Locarno no tiene porqué significar automáticamente que nos encontramos ante una película de calidad incuestionable.

De hecho, la ópera prima de la fotógrafa Valérie Massadian (quien no parece haber entendido muy bien la transición que separa la fotografía del cine), se mueve por un camino entre lo experimental, la actitud contemplativa y el cinéma verité que, unido a la inexperiencia en el medio, dejan un acabado más propio de un proyecto de fin de carrera en cualquier escuela de cine que de producto con una calidad mínima para llegar a ser proyectada en cines más allá de los mencionados festivales. A la hora de construir este incompleto y casi insustancial drama rural, resulta insuficiente plantar (literalmente) la cámara en algún sitio nivelado para que no cojee el trípode y lanzar fotos en movimiento sin importar que la dirección suceda a dos o veinte metros del objetivo. Si alguien tenía un reto con esta película es sin duda el técnico de sonido. Si a alguien se lo pusieron fácil fue al encargado de la iluminación. Prácticamente rodada con luz natural, los cambios de luz provocados por las nubes tapando momentáneamente el sol quedan algo extraño.

Si las escenas no lucieran tan improvisadas buscando naturalidad, al menos se podría destacar el trabajo de la pequeña protagonista, pero por mucho que las diferencias sean odiosas, después de haber visto hace pocos meses a la pequeña Hushpuppy de Bestias del sur salvaje, entre ella y Nana queda una diferencia abismal. No llega a resultar entrañable, no llega a inspirar lástima, no llega a provocar preocupación, no llega. Un drama que dura día y medio da para muy poco. De hecho, a la directora le ha dado para poco más de una hora. Largo para ser un corto, corto para ser un largo. Por mucho que trate de plasmar la vida y la muerte como un juego de niños, el cine debe ser algo más serio.

Hace unos 70 años un visionario llamado Aldous Huxley escribió "Un mundo feliz". En ella hablaba de un futuro no muy lejano donde los humanos nacerían en criaderos de clones y se les procuraba una vida sin preocupaciones para que no tuvieran que pensar en una vida fuera de su ciudad-cárcel. Ahora, 70 años después, Michael Bay recoge la historia cuando la clonación es una realidad y le da un enfoque bastante interesante a la idea.
La lástima es que estamos hablando de Michael Bay y no de un director capacitado para lo que ésta historia daba de sí. Al final todo se vuelve a los mismos planos y secuencias de todas y cada una de las películas del citado director. Ciertas partes de la película son calcadas a "dos policias rebeldes 2" y eso desmerece bastante el resultado final.
En definitiva, vuelta al tópico de siempre. Buen guión mal aprovechado

Le ha costado a Dreamworks pero al fin lo ha conseguido. Siempre a la estela de la implacable compañía del flexo y a pesar de haber tenido su momento de gloria con el primer Shrek, su departamento de animación no parecía terminar de encontrar el botón de hacer una película de gran nivel y mucho menos una secuela a la altura. Si bien el primer Shrek significó un arrebato de imaginación y frescura, sus continuaciones fueron desangrando el espíritu de la original hasta llegar a producir cierto hastío tras tanta revisión de la franquicia. Hasta que en 2010 le entregó las llaves de la casa a un Dean DeBlois que traía en su haber una participación como guionista en Mulan y la dirección y escritura de Lilo & Stitch, ambas buscando recordar visualmente a los años en que Disney era la reina indiscutible en lo que venía en llamarse "dibujos animados".

Hace cuatro años demostró que podía modernizar su estilo contando la historia de una comunidad vikinga donde un niño se hacía amigo de un dragón, demostrando un buen manejo narrativo y visual en un soplo de aire fresco para un género que empezaba a mostrarse repetitivo y poco original. No es extraño que la buena acogida que tuvo se tradujera en una secuela para la que se han tomado cuatro años, y eso se nota. Mientras otras franquicias parecen darse prisa en exprimir la taquilla dejando de lado cualquier atisbo de creatividad, DeBlois ha aprovechado el tiempo para hacer una continuación si no a la altura de su predecesora, posiblemente incluso mejor, por aprovechar los avances en el campo de la animación por ordenador en el tiempo que separa ambas entregas, por demostrar cómo se puede hacer una secuela de altura sin descuidar las formas, y por hacer una demostración de energía y dinámica a la altura de las mejores películas de acción. La calidad y lo palomitero no tienen por qué estar reñido.

Está claro que entre los objetivos de la producción no existe obsesión por el marketing. Exceptuando a los protagonistas Hipo y Desdentado, el resto de personajes no pasan precisamente por los cánones de belleza infantil y menos si vienen en forma de peluche. En su lugar, la apuesta es mucho más creativa. El estilo de vida vikingo y valores como la familia, la amistad y la lealtad, sirviendo como vehículos de la historia pero sin usarse como moralinas baratas, unido a la emocionante partitura de John Powell (nominado al oscar por la primera entrega), completan un cuadro que es una gozada para el espectador y una de las mejores ofertas de lo que llevamos de temporada estival.

Dicen que Guillermo del Toro es un gran devorador de cortometrajes, siempre a la busca de historias interesantes y de jóvenes realizadores que estén dando sus primeros pasos con pequeños proyectos personales. Cualquiera que vea el corto de mismo título que Andrés Muschietti rodó en 2008 (fácil de encontrar en los canales habituales) se quedará impactado por la tensión y el mal rollo que provocan las imágenes de sus apenas tres minutos de duración. En buena parte por el propio estilo visual del director pero sobre todo por la presencia de un Javier Botet que con su peculiar físico y sus extraños movimientos consigue transmitir todo tipo de sensaciones negativas. Cuando uno de los que ve este corto es el propio Guillermo, ve su potencial que además encaja perfectamente con ese universo tan suyo de mundos reales con tonos fantásticos y presencias fantasmales, y decide apadrinarte como ya apostara antes por directores noveles como Bayona y El orfanato o Troy Nixey y No tengas miedo a la oscuridad, son garantías de que va a salir algo que por lo menos merezca ser visionado.

Y es cierto que virtudes tiene unas cuantas. En un género tan trillado y tan ‘limitado’ como es el terror, encontrar una idea con su punto de originalidad es difícil de encontrar a estas alturas. Quizás por eso, el argumento del hallazgo de dos pequeñas niñas desaparecidas durante cinco años de las que se intuye que algún tipo de extraña presencia ha estado cuidando de ellas, da para unas cuantas hogueras de acampada sin que nadie tenga narices de volver luego solo a su tienda de campaña. Muschietti, llegado desde el mundo de la publicidad, se las apaña bastante bien, siendo un debutante, para dar forma a ese concepto que en origen duraba tres minutos y que consigue desarrollar hasta un largometraje bien medido, con una buena presentación de personajes y una acertada forma de colocar todas las piezas en tablero cobrando todo cierto sentido, siempre sin perder la esencia siniestra y bizarra que ya mostraba en el cortometraje original.

Por eso quizás da más rabia que pierda magia en los detalles. Teniendo todo a favor se enreda en tecnicismos y situaciones facilonas que no hacen ningún favor al conjunto de la película. El trabajo de Botet (en el recuerdo la siniestra niña Medeiros de la saga [REC]) y su maquillaje tan macabro funciona casi a la perfección mientras se muestra en pequeñas dosis pero cuando los efectos digitales aparecen en todo su esplendor, tira por la borda parte del realismo que pretendía mostrar. El guión además se mete en más charcos de los debidos. Cuesta creer que a los guionistas no se les ocurriera un motivo más natural para situar a la familia protagonista en la casa de los hechos o el contenido del paquete olvidado en aquel almacén que carece de toda lógica aunque se trate de ficción fantástica. En cualquier caso, quedando el conjunto como algo desdibujado, para pasar un mal rato y recibir lo que uno espera de una cinta de terror, cumple y se mantiene por encima de la media habitual.