A ver si os ahorráis la inclusión de estas cerdadas con acné, me recuerda a mi adolescencia y a la estupidez propia de la época, donde cuatro niñatas y un par de mariconas daban saltitos alrededor de esta pantomima juvenil de sobremesa (¿o era antes de comer? La verdad, sólo recuerdo que después de ver algún capítulo depositaba en el WC el mojón respectivo producto de mi ensimismamiento).
Inspirada en cada una de las series sobre adolescentes de los 90, esta cosa con gente que actúa no aportó más que la decadencia del género y la eclosión del mismo. Ni gracia, ni talento, ni carisma, ni referencia, ni nada de nada.
Aunque debo reconocer que guardo un sólo recuerdo agradable de esta serie, ya que, en su día, a los lucenses nos llegó un rumor que después se confirmaría en A Coruña, localización en donde se rodaba “Nada es para siempre”. En el apogeo del fenómeno fan, el rubito de rizos, del que me niego a buscar el nombre, iba por las calles y locales de A Coruña pavoneándose de su éxito y levantando todas las faldas que podía, al parecer, un día levantó una falda con un sello de propiedad incrustado en la uretra por el que el joven y bello actor acabó en un hospital reconstruyéndose la nariz y parte de la cara. Me gusta pensar que el novio era cinéfilo y le dio alguna que otra por nosotros. Ojalá fuera así.

Esta película abrió un género que lleva casi veinte años ganando adeptos, el documental para el cine, convirtiendo al actor - director en estrella mediática (con decenas de imitadores) y a la herramienta en utensilio de uso corriente, sobre todo para jóvenes cineastas con problemas para la financiación de obras más costosas. Durante mucho tiempo, “Roger and me” fue el documental más visto de la historia y ahora sigue en los puestos más altos. Voy a intentar a explicar las razones (virtudes) para que esto sea así.

“Roger y yo” tiene un planteamiento muy sencillo: cineasta relata la caída económica de su ciudad natal, tras el traslado de los almacenes de la “General Motors” (la empresa más importante de la zona) a otros destinos del tercer mundo. Por esta razón, el desconocido cineasta quiere hablar con el presidente de la compañía, el mencionado Roger, para que le explique por qué una empresa que funciona bien, que da mucho dinero, se tiene que trasladar.
Es incuestionable que el tema nos debe ser muy cercano, ya que en cada país industrializado este proceso se lleva realizando las últimas dos décadas, con lo que se pierden multitud de puestos de trabajo y se concentra la pobreza en un punto determinado con extrema rapidez. En este asunto se percibe las consecuencias aceleradas del capitalismo extremo, la falta de sensibilidad de las grandes corporaciones y el mínimo control al que se ven sometidos por los gobiernos de turno, por no decir, la nula aparición de propuestas alternativas lógicas de trabajo.

Todo lo expresado en el párrafo anterior lo vemos en “Roger and me” a la perfección. Michael Moore rueda desahucios masivos, inmigraciones generales de los trabajadores (con la lógica pérdida de raíces), la introducción del pueblo en el engranaje del estado con carácter de parásitos, dada la imposibilidad de valerse por sí mismos. También vemos cómo a la General Motors se la trae al pairo todo esto, ellos siguen sumando dividendos y dándose palmadas en la espalda.
Hasta la llegada de Michael Moore, este fenómeno estaba minimizado por los medios, con la consecuente falta de interés de los ciudadanos. Tras este documental, más gente pudo acercarse a la crítica y concienciarse sobre la indefensión del pueblo ante las decisiones que más nos afectan, las relacionadas con el trabajo estable.
El mensaje no se podía difundir en bruto, demasiado triste, sino que se debía ornamentar la seriedad con momentos de humor, de ironía, un montaje ágil y, sobre todo, cierto positivismo para cimentar otra característica del cine de Moore: la esperanza. Y se siente y ayuda cuando se leen titulares como estos: "Nissan anuncia un recorte de 1.680 empleos en Barcelona", "La crisis de Nissan arrastra ya 1.400 empleos de sus proveedores", "General Motors cierra dos fábricas y deja en la calle a 2.700 personas". Habré buscado cuarenta segundos en Internet, las tres noticias no tienen ni tres semanas.

Sí, una película de sentimientos de verdad, ¿quién de vosotros nunca ha usado la mantequilla para sodomizar a una rodaja de pan?
Esta es mi opinión sobre el tema que expone Bertolucci, coincidimos bastante: La sodomía es el primer paso de la catarsis, esta casi siempre deriva en la necesidad de la sumisión, propia o inflingida a otro. La sumisión responde a la primera necesidad del asocial o del apartado de la sociedad. Los miedos vuelan, Bertolucci rueda una película.
Las relaciones humanas no son como las muestra "El último tango en París", ni siquiera echándole imaginación al asunto. Y al no ser una exacerbación de la realidad, no vale eso de que explota sentimientos invisibles pero que "haberlos haylos".
Pediría a FA que la pusiese en la categoría de "Fantástica". Os explico, los dos personajes se encuentran por casualidad mirando un piso, se miran un poco, y, de repente, os explico 150 minutos: "¿dónde está la mantequilla?" Pregunta inquisitivo el bueno de Marlon. "¿Dónde va a estar, Marlon? Dónde la dejaste después del desayuno continental de esta mañana; en el frigorífico, marlon, arriba, al lado de los huevos y la leche, como te gusta, todos los productos lácteos juntos." El marlon se inquieta y responde acelerado: "pero, querida, los huevos no son un producto lácteo. Es triste tu error, inquieta la satisfacción humana por la división y reglamentación de la realidad, sería único vivir en un conglomerado finito, pero mutable, de libertad y de posibilidades infinitas, donde la leche, los yogures y los huevos aceptaran a la mantequilla sin repudiarla".

Esta película, como tantas otras de supuesta profundidad intrínseca, es la idónea para que los que se aburren viéndola, pero que detestan reconocerlo porque tienen la personalidad untada en mantequilla, se inventen tramas y subtramas subyacentes a la aparente simplicidad de la obra, porque algo tienen que decir cuando acabe la película y los catorce ojos gafapastas de sus siete amigos le miren y le excruten un pensamiento a la altura de Rockdeluxe, al menos.

Una emoción compleja y sincera no tiene porque ser, de hecho casi nunca lo es, tan rocambolesca como la que plantea el paletón de Bertolucci. La tristeza y desesperación suele desembocar en la debilidad, y la debilidad es el estado que más nos simplifica, nos vulnera, nos hace minúsculos. Y Bertolucci lo ha conseguido con “El último tango”, nos ha adentrado en su búsqueda de la catarsis, nos ha purificado y nos ha hecho reflexionar sobre la soledad, la crueldad y el sometimiento, o sea, que nos ha dado por el culo sin mantequilla si quiera, y sí, se acaba de confirmar, la sangre brota de nuevo por nuestro ano. No pasaba desde hacía años, desde que decidimos ver Crash, La Dolce Vita o La Noche del cazador, una desgracia amigos, una desgracia.

Me ha sorprendido tanto la crueldad del protagonista, como lo bien representado que está el desquicio y la locura. Asimismo, el concepto de Angst resulta chocante debido a su carácter violento y sádico, sobre todo esto llama la atención en el cine segundón austriaco de principios de los 80, que venía de un cine facilón y amable, propio de una sociedad que se mira a sí misma con la estrictez insigne típica de una cultura moralista y religiosa.
Por otra parte, es sencillo contemplar en dónde Haneke adquirió muchas de las influencias de su Funny games, aunque sean las puramente contextuales. En ambas películas los sucesos acaecen en el extrarradio, en pueblos alejados de todo, destacando la vulnerabilidad de una sociedad rural en exceso confiada, en donde las vallas nunca son demasiado altas, muchas veces inexistentes.
Desde el punto de vista técnico, el eterno plano picado acrecienta la ansiedad e inquietud del espectador, al mismo tiempo minimiza la empatía que podríamos sentir por cada uno de los personajes, convirtiéndonos en herméticos contempladores de una pelea desigual entre hormigas.
Angst se descubre como una buena película de miedo, recomendable para todos aquellos a los que les interesen los films en donde impere la perversión de la naturaleza humana, como muestra inequívoca de la maldad a la que nos enfrentamos cada día, en un mundo de seres anónimos y demasiada vida interior corrompida.

Antes de entrar en el cine la emoción no me embargaba, no me gustaba el cartel, no me gustaba el título, no me gustaban las ideas que me habían llegado previamente. Sí, tenéis razón, fui una mierda de espectador, fui con prejuicios y hasta con algo de mala leche, estaba predispuesto y frustrado porque los cines de Jaén no me ofrecían algo mejor de antemano. Para salvarme el culo diré que esto es bastante normal en mi visión cinéfila, por lo que sorpresas ha habido a puñales y seguirá habiendo, mis prejuicios no me condicionan tanto.

Empezó la película, buen ritmo, personajes estereotipados pero correctamente encajados. Me gusta la relación con los padres de los niños, todo parece normal, son niños, juegan, saltan, bailan, se llevan bien los hermanos. Se mudan, divertida secuencia en donde descubren la casa en la que tienen que vivir, parece que la niña en los últimos dos minutos sigue igual, el niño juega con lo que puede, escenas cotidianas de adaptación. Aparece el campo de concentración, cambio de párrafo en un segundo, en este instante me removí de mi asiento en el cine, fruncí el ceño y empecé a gruñir.

Aparece el campo de concentración y con él lo peor del film. Como no me apetece organizar este texto con reglas lingüísticas más complejas, pongo dos puntos y guiones:
- Todo es simple y falto de originalidad.
- El guión no está bien estructurado, partes de la historia no tienen continuidad, las tramas paralelas avanzan demasiado rápido.
- Los malos son malísimos, los buenos son las mujeres y los niños.
- Sensacionalismo de salón usando a niños muy parecidos que se encuentran con suma facilidad en mitad del peor episodio de la historia, en múltiples situaciones risibles por falta de argumentación lógica de su desarrollo. Simplemente suceden los hechos, los autores de la película (supongo que en el libro todo estaría mejor atado) nos tratan con un desdén enorme, porque creen que no somos merecedores de explicaciones racionales, pese a que la historia es rocambolesca y las necesita.
Puede que muchos de vosotros veáis fábulas, metáforas o cáscaras de cacahuete de los que no hay que preocuparse, porque lo importante, según vuestra opinión, son los valores que cimienta esta cinta. Entre ellos están la amistad, la inocencia, la igualdad entre clases, la brutalidad y el castigo consiguiente si te portas como un animal. Me parece bien que estos valores se muestren en pantalla, pero me parece obsceno, por no decir inmoral, que tales valores se incrusten en mitad de La Historia, con la manipulación que esto comporta para con la realidad. Se desborda la fantasía a rellenar como para usar clichés culturales e históricos para soportar las tramas, los valores o lo que carajo se situaba en la parte de atrás de los calzoncillos del niño del pijama de rayas.