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México México · Tula de Allende
Críticas de ayala1788
Ordenadas por:
52 críticas
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8
8 de septiembre de 2010
23 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
Este 16 de septiembre se cumplen 200 años de la Independencia de México, a su vez el 21 de noviembre será el centenario del inicio de la Revolución Mexicana, todo está preparado para la mayor fiesta en la historia del país. La pregunta obligada en este caso es ¿hay algo por lo que celebrar? La nueva película de Luis Estrada El Infierno tiene una respuesta clara: nada.

Crisis, desempleo, violencia, emigración, delincuencia, narcotráfico, estos son algunos de los principales problemas que retrata esta cinta mexicana, y es que son todavía mucho más lo que ocurre en la actualidad en este país. Esto lo toma el director como pretexto para realizar una historia de mafiosos ambientada en el México actual donde lo que predomina es el uso de la violencia y el humor negro.

El resultado es una de las mejores películas mexicana de los últimos años. Al mismo nivel que La Ley de Herodes, incluso superior, Estrada completa la trilogía de denuncia que comenzaría con la nombrada Ley, seguiría con Un mundo maravilloso y terminaría con El Infierno. De una fuerza muy pocas veces vista en el cine nacional, con un guion bien hecho; aunque como cualquier película de gánsteres de la actualidad tiene sus elementos del cine de Coppola, a mi la que más me recordó fue a Goodfellas de Scorsese, la dirección muy buena de un viejo lobo de mar que en este tema se la sabe de todas todas, y elenco soberbio cada uno de ellos, a la cabeza el siempre notable Damián Alcázar y Joaquín Cosío que da vida uno de esos personajes que serán recordados por mucho tiempo en la cinematografía nacional, el Cochiloco. La fotografía y la banda sonora (repleta de música regional) combinan muy bien con el contexto de la historia dotándola de una esencia propia.

Ahora, me dio la impresión de que uno sale muy feliz de la sala y pensándola mejor los huecos salen al aire, con resultados quizá de poca originalidad, predecible, muchos personajes innecesarios que poco aportan a la trama y un final más propio de Tarantino (me recordó mucho al de los Bastardos). Pero lo cierto es que nada de eso me importa mucho ya que disfrute la película de principio a fin, y sus dos horas y media no se me hicieron nada pesadas.

Aquí una muestra de utilizar el dinero del estado, CONACULTA y demás de manera adecuada, se le puede tachar de muchas cosas pero es disfrutable y deja al espectador pensando en todos estos problemas que los mexicanos vivimos hoy en día. No nos dicen nada que no sepamos, enciendan la tele y está ahí, todo esto que sin duda nos hace cuestionarnos, México 2010 ¿hay algo que celebrar?
ayala1788
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8
3 de julio de 2009
27 de 40 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hay muchos factores para ver Enemigos públicos, primero porque es de uno de los grandes géneros del cine como es el policiaco-criminal, porque cuenta con 2 actores muy conocidos en la actualidad como son Johnny Deep y Cristian Bale, porque esta basada en una historia real, porque su director maneja muy bien este tipo de tramas, o porque simplemente te gusta el cine.

La verdad estamos ante la primera gran cinta del 2009, con una factura impecable con una ambientación soberbia de los años 30s en los Estados Unidos, una fotografía muy bien lograda y enorme trabajo de edición, un rubro donde todas las cintas de Michael Mann se destacan.

Finalmente Johnny Deep se deja de sus actuaciones que requieren una gran metamorfosis y nos ofrece una actuación sólida, redonda, se come la pantalla cada vez que aparece en escena, y cuando no esta lo pides, sus escenas son las mejores, en resumen muy buena actuación del señor, mas no su co estrella Cristian Bale que no sale tan bien parado, y Marion Cotillard logra una interpretación notable, como el amor incondicional de John Dillinger.

Es muy difícil sacar algo original en un género ya muy agotado, y si bien recuerda a varias cintas como Los Intocables, hay que decir que tiene esencia propia y que nunca trata de imitar, desde la primera secuencia te atrapa mostrando los delitos de John Dillinger, tal vez en varios momentos película pierde ritmo pero logra salir bien librada. Gran trabajo de Michael Mann tras las cámaras, logrando secuencias muy buenas, y una que otra que te dejaran al filo de la butaca, esos 20 minutos de la escena del cine son tremendos, y el diálogo Adiós adiós pajarita trigueña será recordado por un buen tiempo.

Tal vez le falta el momento grande, que haga que te quieras parar a aplaudir, nunca llega pero tampoco le quita mucho. Sin duda será contendiente para la próxima edición de los Oscar, donde bien podría llegar finalmente el galardón para Deep, pero no hay que adelantarnos, esto apenas empieza, pero como dije estamos ante la primera gran película de año, sólida, violenta e incluso con cierto humor negro, Enemigos públicos es una buena opción para este verano entre tanta película hecha para la taquilla.
ayala1788
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6
12 de octubre de 2018
16 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
El director británico Paul Greengrass regresa a un terreno que le viene muy bien; como en “Domingo sangriento” o “United 93”, con un relato basado en hechos reales que involucra el tema del terrorismo directamente. “22 de julio” narra lo ocurrido en Oslo durante 2011 cuando un ultraderechista ejecutó el ataque más grande de la historia de Noruega al detonar un auto bomba para luego disparar contra varios adolescentes que se encontraban en una isla cercana.

Los primeros 40 minutos de “22 de julio” son nervio puro, Greengrass en su mejor faceta y en lo que mejor sabe hacer, la recreación del ataque terrorista visto desde varios ángulos con un montaje paralelo sobresaliente y una crudeza para mostrar los hechos sin ningún tipo ataduras ni complejos. Una auténtica lección de cine por parte del británico que daba la sensación de que se podía venir algo muy grande.

Sin embargo, pasado el ataque y la tensión el resto de la historia da un bajón tremendo y muestra los grandes defectos de Greengrass como narrador y creador de melodrama. Si bien el personaje del terrorista sigue teniendo un importante peso en pantalla, la mayor cantidad de minutos lo ocupa la recuperación de una de las víctimas del atentado y cómo el junto a su familia van sobrellevando sus vidas tras el suceso. Esta parte no sólo flaquea y parece sustraída de algún mal telefilme, sino que además es bastante innecesaria y alargada, no se aporta nada a la trama paralela del terrorista y lo que es peor, el director se dedica a dar lecciones de superación que no tienen mayor cabida aquí, todo esto hace que el relato del atacante pierda tensión y fuerza, y si a eso agregamos que el guion también le da su espacio al Primer Ministro y al abogado defensor (los cuales quedan como meros personajes de paso cuando se pudo haber profundizado mucho más en ellos) tenemos como resultado un filme descompensado que conserva cierto interés sí, pero donde el melodrama barato sobra totalmente.

El elenco cumplen muy bien todos, pero por encima esta sin duda Anders Danielsen Lie como el terrorista, su frialdad, su descaro, su mirada, realmente parece que estamos enfrente de un psicópata radical.

“22 de julio” nos trae una de cal y otra de arena, por un lado 40 de los mejores minutos del año llenos de pura tensión, pero que termina concluyendo como un drama común y obvio durante la mayor parte de su duración, una verdadera pena porque con tal inicio Greengrass pudo haber entregado una salvajada, quizá con un mejor guion (o en el tono de su estilo de cine) lo pudo haber hecho.
ayala1788
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5
3 de noviembre de 2013
31 de 49 usuarios han encontrado esta crítica útil
En los últimos años el cine se ha dedicado a poner a los protagonistas en situaciones catastróficas que buscan retratar el instinto de supervivencia del ser humano, ya sea atrapado en un ataúd, en un risco aplastado por una roca, en un bote compartido con un tigre de bengala, hasta en el espacio infinito donde la vida no es posible.

¿Qué es lo que busca aportar entonces a este nuevo sub género el cineasta J.C. Chandor (Margin Call) con su nuevo largometraje All is lost? La respuesta inmediata para mí sería absolutamente nada.

No conocemos nada de él, ni su nombre ni su vida, pero durante 106 minutos estamos con este protagonista; luego de que su velero tuviera un accidente en medio del Océano Indico que hace que el agua lo consuma poco a poco, mientras él busca desesperadamente sobrevivir.

La apuesta de Chandor es crear un ambiente lo más realista posible, para esto aleja cualquier artificio posible para centrarnos en acciones cotidianas y naturales que el protagonista realiza para sobrevivir. El diálogo es reducido al mínimo, este prácticamente no existe, mientras que la música únicamente aparece en momentos puntuales. Por otro lado es el trabajo fotográfico el que sobresale en más de una ocasión creando imágenes hermosas en medio del océano, ya sea sobre o debajo del agua.

Lo cierto es que la cotidianidad mencionada antes hace de All is lost un filme plano y sin ningún tipo de emoción la mayor parte de su metraje, por momentos llegando incluso al tedio, y aunque la película en ningún momento se hace larga si hace pedir una mayor cantidad de emociones. Chandor no sabe adentrarnos a la historia y no hace que nos preocupemos por lo que pueda pasarle al protagonista, agregando a su poca habilidad para sugerir o transmitir con la cámara.

Es pasada una hora cuando la película finalmente empieza a flotar y tomar su rumbo, el cineasta abandona lo cotidiano y empieza a crear mayores obstáculos (tormentas, tiburones, escases de agua) para mostrar la desesperación del protagonista. Asi a pesar de encontrar algunos momentos notables, la película encuentra su propio iceberg en un guion que hecha agua por todos lados, momentos risibles e inverosímiles del típico made in Hollywood que buscan; y no lo consiguen, que sufras con el personaje.

Por su parte Robert Redford realiza una interpretación muy física, cumple perfectamente con el rol aunque tampoco realiza nada que sea realmente digno de destacar, mucho tiene que ver un guion que le da muy pocos momentos para lucirse, el problema es que cuando estos escasos llegan, el actor veterano no consigue transmitir la angustia que se necesitaba.

All is lost siendo una película bien hecha en el aspecto técnico termina por ser un producto muy plano, sin emociones y que no aporta nada nuevo, se deja ver y se olvida sin problemas, las pocas virtudes del filme son hundidas junto al resto del mismo.
ayala1788
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7
28 de octubre de 2017
13 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Guillermo del Toro siempre conserva las características de su cine que lo han venido acompañando desde sus inicios tales como la fusión de realismo con fantasía, la presencia constante del terror gótico, relaciones socialmente incorrectas o la creación de monstros sacados de su imaginativa mente, podrá gustar más o menos su cine pero este autor siempre se ha mantenido fiel a sus convicciones cinematográficas, su nueva película La forma del agua (The Shape of wáter) es la reafirmación de estas evidencias.

Podemos hablar de que La forma del agua es la versión personal del director de La bella y la bestia, pues en ella tenemos a dos seres distintos sintiendo una atípica atracción, por un lado una mujer muda imperfecta y por otro lado una especie de criatura, anfibio, hombre- pez que es ocultado por parte del gobierno estadounidense, estos dos seres rechazados por la misma sociedad de diferentes formas son los protagonistas de un cuento de hadas para adultos que nos regresa al Del Toro más auténtico, aquel que no veíamos desde hace 11 años en El laberinto del fauno.

Fuera de la personalización de varios elementos fantásticos o la contextualización de la historia en la Guerra Fría lo cierto es que el guion no posee la originalidad y profundización necesaria, como sucede en la mayoría de su filmografía la historia se permite algunas licencias que le otorgan cierta incoherencia en algunas situaciones que ocurren en pantalla, en este caso la mayoría de estos pecados ocurren cuando la trama de un giro para convertirse en un thriller, más cercano a una especie de Liberen a Willy. Estas deficiencias; o pretextos de guion, Del Toro los sabe aprovechar al máximo para crear algunas imágenes muy hermosas visualmente que le dan a La forma del agua una estética más pulcra que cualquier trabajo anterior del cineasta, es en esos planos donde gana enteros y contrapone las complacencias del libreto.

En aspectos estéticos puede ser la película mejor definida del director, la fotografía y la dirección de arte lucen en las fantasiosas imágenes mientras que la banda sonora de Alexandre Desplat brilla por si sola.

Sally Hawkins consigue transmitir sin necesidad de diálogo la ternura y emoción necesaria que requería su personaje, la trama le da la oportunidad para lucirse y ella no lo desaprovecha, mientras que Michael Shannon es el que tiene que sacar agua de un pozo casi vacío, su personaje es una réplica de los villanos de El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, un típico villano sin aristas, maldad pura, y el actor lo saca increíblemente adelante.

Visualmente hermosa, con un par de grandes momentos estéticos que penetran la pupila pero con carencias de guion y narrativa que no le permiten ser una película más grande de lo que pretende, Del Toro le da a su público lo que promete y sale adelante pero no será con La forma del agua la que le permita encontrar nuevos seguidores en su carrera, El laberinto del fauno queda aún como la mejor película del tapatío.
ayala1788
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