Primeramente, he de decir que no he leído la novela de Pancol, así que, probablemente, me falte cierto apoyo para juzgar mejor la calidad de la adaptación de una historia que concitó mi atención, incluso admitiendo ciertas debilidades en el guión. Se trata de una historia fraternal de polaridades opuestas, entretejidas en un lienzo cromático de color amarillo, el color de la hipocresía que envuelve los parámetros sociales. Podríamos recordar aquel pensamiento de Faulkner: "Mata a tus ídolos porque siembran en el corazón la falsa esperanza de la ilusión"
Comprendemos que la hermana de tendencias "parasitarias" en realidad es una mujer con el corazón arruinado por un dolor sentimental y atrapada en un matrimonio evasivo, necesitada quizás de una reivindicación ante la vida. Especialmente significativa en este sentido me pareció la escena en la que se encuentra con el director de cine, "vista" desde los ojos del marido.
Particularmente subyugante es el epílogo, perfectamente armonizado con la partitura de Frédéric Aliotti. Sin duda los personajes femeninos están mucho mejor logrados y perfilados que los masculinos; al fin y al cabo la directora del filme, la flamenca Cécile Telerman parece haberse especializado en el retrato de la aflicción femenina en su de momento exigua, pero no carente de interés, filmografía.

Deontología, ontología... No sé hasta qué punto puede ser digno de encomio o de lástima usar el arte como redención de sus propios claroscuros. Más allá de la interpretación de Miller, Jones (y añadiría a Staunton), Jarrold nos permite recordar, entrever un hecho innegable. El cine, como arte, está hecho por y para personas y en las personas se dibujan y perfilan sombras de vanidad, egoísmo...

El arte, suele ser visto como una redención basada en la belleza, mientras que toda la obsesión atribuida a Hitchcock cercena ese leimotiv. El juicio fácil, la controversia pueden derivar y ahondar en la fama del film y otorgar un cierto rédito a quienes intervinieron en él, pero queda un poso de amargura a la hora de ver cómo se disecciona la figura de uno de los más pontificados cineastas, y no importa si se hace mal o bien, o de forma más o menos veraz, sino que cabe preguntarse por el sentido de tal vituperio.

El arte nos puede entusiasmar, sublimar nuestro espíritu, en ocasiones acerado. Si en otras películas se criticaba con esmero su falso sentido comercial o la divinización de lo estético más allá de la esencia, en ésta, al menos Jarrold tiene el "acierto" de que nuestra mirada busque no ya la propia obra de arte sino al artista.

El arte y el cine es arte no debería (creo firmemente) confundirse nunca con la dinámica de la llamada prensa amarilla, pero quizás sólo sea la deshumanización del arte en el siglo XXI.

Diría que Kaye nos propone un difuso collage, realmente sombrío, pero no exento de calidez y brillantez en un guión que parece perfilado por las emociones, en vaivenes. Fantástica la interpretación de Brody y se atisba que Sami Gayle podría ser una muy buena actriz en un futuro no muy lejano. La BSO, que para algunos de vosotros es demasiado lenta o cadenciosa, se adapta perfectamente al engranaje de la película, que nos aboca a un final en extremo agridulce. La muerte (suicidio) de una joven y la redención de otra que estaba perdida, ambas reflejos de una sociedad un tanto desesperanzada.

Gran parte de las obras dramáticas de Rattigan han sido adaptadas a la gran pantalla, siendo mi favorita "La versión Browning". En el caso de la película que nos ocupa, "The Deep Blue Sea", cuyo título hace referencia a uno de los pensamientos citados en el film, destaca sobremanera la aclamada interpretación de Raquel Weisz, en el que para mí es sin duda uno de sus mejores papeles. El tono un tanto lóbrego y sombrío que propone Rattigan se ve auspiciado por el fantástico encuadre fotográfico del alemán Hoffmeister. Mención aparte merecería el famoso Concierto para violín y orquesta, op. 14 de Samuel Barber, que ilustra y acompasa perfectamente esa dualidad de encuentro-desencuentro propia del claroscuro concerniente al enamoramiento.

Durkin, basándose en un guión escrito por él mismo, nos muestra una mezcla de amargos flashes back del pasado y un (post) traumático presente en el que los personajes no terminan de definirse ni de ser definidos. La tensión entre las hermanas, la crítica a los convencionalismos sociales, la manera en la que el pasado afecta al devenir de las personas, recordándonos aquella frase de Kirkegaard, "La vida se vive hacia delante pero sólo se comprende hacia atrás", mantienen el interés argumental de esta confusa (y un tanto caótica) película, abocándonos a un final abierto (con evidente carga metafórica) un tanto decepcionante, pero en consonancia con las directrices del propio guión.
¿Habríais vosotros escogido otro final? Muy aclamada ha sido la interpretación de la actriz principa (a la que habrá que seguir en futuras cintas). Con respecto a la BSO, de compositores desconocidos para mí, a excepción de la canción interpretada con una guitarra por el líder y que quizás se titule "She´s like a picture" me pareció un tanto oscura, anodina, invisible y, al igual que en el caso de Elizabeth Olsen, querría tener la oportunidad de ver otros trabajos suyos.