Este mes estamos invadidos por el Caballero oscuro, no sólo ha arrasado en USA sino que ha batido todos los récords anteriores de recaudación. Además Heath Ledger tiene muchas papeletas para llevarse un Oscar por su magnífica interpretación pero, ¿es la calidad de la misma la causa de su espectacular éxito en las salas? ¿o quizás se deba en parte al morbo creado en torno a ese nuevo mito que tiene por nombre Heath Ledger? Si los lectores me dan permiso, me gustaría profundizar en la película en si antes de detenerme a hablar del omnipresente actor fallecido, pues la película no es solo Joker (aunque incluso a mi me cuesta creerlo tras verla).

El caballero oscuro es algo más que la segunda parte del nuevo Batman, es la adaptación fiel del cómic a la gran pantalla. Con un trepidante ritmo de acción, un guión cuidado hasta lo últimos detalles, las magnificas interpretaciones de todos sus actores... La película pasa a convertirse directamente en objeto de culto. Para conseguirlo, los guionistas han sabido emplear la regla de oro del género de superhéroes: lo mejor para conseguir un buen héroe es fabricarle un buen villano como enemigo natural. El protagonista queda así siempre definido por la calidad del antagonista al que debe enfrentarse, y cuanto mejor es éste, mejor es aquél. Es en realidad una traducción del pulso entre el bien y el mal que se libra en las entrañas del alma humana.
Y el enemigo por antonomasia de Batman es Joker. Antes de hablar de la actuación de Heath Ledher me gustaría recalcar la importancia de no comparar su actuación con la que en su momento realizó Jack Nicholson, pues ambas son la cara y la cruz. Mientras que el segundo se esforzaba para que su personaje no quedase en un simple bufón (algo que consiguió, ya que acabó siendo casi el verdadero protagonista de la película), Ledger da vida a un villano colorista y extravagante, pero que al mismo tiempo siga siendo cercano al público, logrando incluso su complicidad. Joker es la forma más extrema de anarquismo, una fuerza del caos, un criminal sin finalidad ni propósito que, por tanto, no puede ser comprendido. No sólo es una fuerza de destrucción masiva, sino que además obtiene placer en su naturaleza asesina, lo que da como resultado un espectáculo terrorífico. Todo ello da como resultado una de las mejores interpretaciones que he tenido el placer de admirar en los últimos años y, a espera de ver el resto de la papeleta para los Oscars, tiene mi voto.

(la crítica continua en el spoiler por falta de espacio)

Para todos aquellos que deseen visitar alguna de las ciudades más emblemáticas del globo, así como alguno de sus monumentos más reconocidos mi sincera enhorabuena, esta es vuestra película. Por el precio de una entrada de cine podréis disfrutar de casi dos horas de tour sin tener que moveros de la butaca del cine (o el sofá de vuestra casa) y para que el viaje no se os haga demasiado tedioso, la visita se complementa con un pobre homenaje a las cintas de Indiana Jones y las novelas de Dan Brown, empleando como narradores a un grupos de actores cuyas carreras se encuentran en horas bajas, o muy bajas. En resumen, el perfecto paquete turístico de bajo coste que nos proporcionará un entretenimiento moderado y ningún bello recuerdo.

Y es que este fenómeno literario (y social) iniciado en 2005 y concebido por una ama de casa inglesa con tres hijos y fuertes raíces mormonas (lo que explica el fuerte mensaje de castidad similar al empleado por otra saga de menor o igual trascendencia, High school musical, en un género asociado hasta ahora con grandes dosis de sangre y sexo) en realidad no es más que una nueva versión de una de las más célebres historias del autor también inglés, William Shakespeare y su eterno Romeo y Julieta. La eterna historia de chica conoce chico, se enamoran perdidamente el uno del otro, pero ambos proceden de mundos distintos y enfrentados, lo que dificulta en gran medida su relación.
Sin embargo, y a pesar su evidente fuente de inspiración, la historia entre una tímida y desplazada Bella Swan y el más guapo e inalcanzable de sus compañeros de clase, Edward Cullen, ha trascendido las fronteras de la fantasía para trasladarse al mundo real con una repercusión que nadie hubiese podido pronosticar (ni siquiera la propia Alice Cullen): 17 millones de copias vendidas en 37 países, tatuaje que rezan “el león se enamoró del cordero”, cientos de fans peregrinando hacia el pueblo de Forks (una localidad del estado de Wahsghinton de menos de 3100 habitantes y el lugar del país en el que más llueve a lo largo de todo el año) donde ya se despachan platos como Bella Burger o Edward Bite, Sitges se llenó de un millar de seguidores para la presentación oficia de la adaptación cinematográfica, en Roma 3000 y en San Diego, durante la celebración de la psada Comic-Con, 6500… Un fenómeno de proporciones épicos solo equiparable con otra saga de origen también ingles, Harry Potter (aunque la autora se encuentra todavía muy lejos de los 400 millones de ejemplares vendido por el pequeño mago creado por J.K.Rowling). Con semejantes antecedentes, y situado en su momento más álgido, no es de extrañar que la industria cinematográfica se fijase precisamente en él en una época caracterizada por las adaptaciones cinematográficas y falta de originalidad.

A mi parecer, lo verdaderamente sorprendente fue la elección de su directora Catherine Hadwicke quien, hasta el momento, únicamente había rodado la controvertida cinta independiente Thirteen. Una muy que posible explicación a la extraña transformación del libro, dirigido a un público joven adulto, a una película claramente adolescente en la que la madurez de la protagonista se pierde en un mar de hormonas difícilmente controlable, una inmadurez notable entre los actores más jóvenes, situaciones sobre-explotadas y estereotípicas de ese período de nuestra vida,… Asimismo, pese a que la directora hace una gran labor de introducción y explicación a los no seguidores, facilitándoles la comprensión de gran parte de (la critica continua en el spoiler por falta de espacio)

El mayor temor de todo buen amante de la literatura, da igual el género o el autor a preferir, es que el libro que más pasión le haya proporcionado tenga una versión cinematográfica. Los motivos son muchos y la mayoría están justificados si volvemos la vista atrás en la historia del cine. Al contrario de lo que ocurre en papel, la imperiosa presencia del tiempo en el formato audiovisual obliga, en muchas ocasiones, a quitar partes en incluso capítulos enteros, después nos encontramos con la exigencia de todas las personas que participan en ella, desde el director hasta el chico que reparte el café, todos con sus propias exigencias y manías que modifican un poco más la esencia del libro; y por último, pero no por ello menos importante, los intereses comerciales tras esa adaptación.

Para los grandes amantes de la autora inglesa, hace un par de años nos encontramos con una versión propia de este mismo libro llevado a cabo por Gurinder Chadha. No dedicaré mucho tiempo a hablar de esta película, pues ya lo hago en su correspondiente crítica, sin embargo, debo decir que sobran las palabras. Al igual que la estadounidense, donde los tópicos de su cine eran explotados una vez en una película que podía haber salido directamente a DVD o convertirse en la típica película para llenar las horas vacías de la tarde del domingo. Y por último, la serie de televisión, que suponía la completa traslación de las palabras a imágenes, repitiendo coma por coma y punto por punto a lo largo de todos sus capítulos.

Tras analizar estos antecedentes, resultaba difícil concebir que “Orgullo y prejuicio” pudiese llevarse a la gran pantalla con más de lo primero y nada de lo segundo, pero así ha sido. Esta versión del director Joe Wright es una magnifica muestra de cine que recupera lo mejor de los primeros años del celuloide con una interpretación magnifica por parte de todos sus actores. Quizás mereciera un reconocimiento especial Matthew Macfadyen como Mister Darcy, consiguiendo el mismo efecto que su personaje en el libro: al principio lo aborreces, luego sientes hacia un cierto afecto, y finalmente lo quieres y ansias su cariño y amor. Además, el director sabe hacer un gran uso de los principales características de la escritura de Jane Austen como las descripciones, la profundización psicológica de los personajes, la expresión de los sentimientos a través de las palabras… No solo los aprovecha, sino que las mejora gracias, como no, a una de las principales ventajas del cine frente al libro: las imágenes. El director consigue escenas donde el silencio es el gran protagonista y todo debe basarse en la belleza de las imágenes. De esta forma, encontramos escenas tan conmovedoras como el primer contacto físico entre Elizabeth Bennet y el señor Darcy, las miradas cómplices de los dos enamorados (aunque ni ellos mismos supiesen que lo estaban), o la belleza de los paisajes de la Inglaterra más desconocida.

(la critica continua en el spoiler por falta de espacio)

… vuelve Hellboy, y lo hace de nuevo de la mano de Guillermo del Toro, quién podría considerarse uno de los mejores narradores audiovisuales de nuestros días y uno de los más estimulantes autores.

Al contrario de lo que suelen ocurrir con las segundas partes, el director hispano no solo consigue mantener el espíritu de la primera, sino que mejora muchos aspectos de la misma. Posiblemente, el hecho de que esta secuela no esté inspirada en ninguno de los álbumes del diablo rojo, sino que se trate de una historia escrita a medias entre Guillermo del Toro y su creador, Mike Mignola, ha permitido al genial director explotar toda su imaginación cuyo toque mitológico recuerda al mundo de Tolkien.

El argumento en si no deja de ser una anécdota simplista propia de un personaje de cómic, y los primeros quince minutos demandan un tratamiento más maduro y oscuro. Sin embargo, la profundización de los personajes que convierte a sus monstruos en seres vulnerables con los mismos problemas que nosotros, cuyo único deseo es agradar aquellos a quiénes protegen, pero los temen; el humor empleado que, más allá de las cuestiones meramente domésticas, destaca la lucha por el liderazgo entre Hellboy y el nuevo personaje de esta secuela, el doctor Johann Krauss; las escenas románticas y la acción proporcionadas en su justa medida para que el ritmo de la narración no decaiga en ningún momento… Todo ello elabora un poético relato que no disgustará a nadie.

En lo que respecta al aspecto visual. La película en sí es una muestra de las fantasías barrocas del director mexicano que recuerda notablemente a su escarizada “El laberinto del Fauno”, regalándonos algunas de las escenas más memorables y hermosas que el cine reciente nos haya podido aportar. También merece destacar el máximo partido que consigue extraer a los elementos secundarios, como las imágenes de televisión de “La novia de Frankenstein.

Por último, mi enhorabuena a Danny Elfman, sin duda, algunas, uno de los mejores compositores que el cine contemporáneo ha tenido la suerte de poder contratar y que aporta la guinda final a una obra que reclama a gritos una tercera parte.

En conclusión: A medio camino entre el cine comercial y el independiente, Guillermo del Toro nos vuelve a regalar toda una lección de buen cine.