Para llegar hasta el lugar que ocupa Precious en el mundo, hay que venir de un sitio en el que a cualquier ser humano que se precie, ni se atrevería a asomar las narices. No hay que irse a los USA para encontrarlo; aquí en nuestro país hay pocilgas urbanas como la que vive la protagonista de esta película, y en ella se encuentran seres así; deformados por la crueldad de la vida; inmersos en una espiral de tal magnitud que es imposible salir de ella.
Pero siempre hay una luz, un lugar dispuesto a abrirnos las puertas hacia una salida, o mejor dicho, hacia una escapatoria. L. Daniels ha sabido observar el mundo y se ha dado cuenta de quien realmente lo puebla; pero en su dirección no ha sabido desgranarlo coirrectamente. El universo de "Precious" se pierde en su propìo laberinto, haciendo escenas que, más que sacadas de una ilusión o un sueño, resultan nada más que añadidos para alargar la cinta o para sentir todavía más pena, si cabe, por ese pequeño ser frágil y bondadoso que no es otro que Precious. Y no caben añadidos en una vida de tal marginalidad; el peso de tales es tan grande que no hay que sumarle nada; y menos aún con colorines y música de cabaret.
SI las interpretaciones pesan en una película, no podermos negar que en "Precious" éste ha de ser doblemente agradecido, ya que toda la película reposa su existencia sobre los hombros de la madre y la hija de la cinta. La BSO no ofrece muchos atractivos para añadirle valor, y los personajes secundarios de la asistencia médica norteamericana, si poseen la fuerza necesaria (lo dicho, película de actores y personajes) para hacernos creer lo dificil que es que te otorguen una triste pensión no contibutiva aunque tu vida esté cayéndose a pedazos.
El resultado de "Precious" es sin duda de un gran valor para los sentimientos urbanos, de edificios grises y cañerías de metal, pero permanece alejado de la pureza del sol o la purificación de la lluvia. Se mantiene en un constante cuarto oscuro donde la luz de las imágenes permanece oculta bajo una pátina de un cine poco imaginativo y muy, muy alejado de la posesión de un buen guión trabajado, y de una dirección a la que todavía le queda mucho para alcanzar un puesto garantizado en la mente del exigente espectador.

Tom Hooper es un director de diversas películas para la TV; o al menos és lo que ha sido hasta el momento, lo cual es muy gratificante para el séptimo arte; palabras mayores para este "telefílmico" director, perdido entre los bastidores de una buena película, y el ¨set" de un telefilm de las cuatro de la tarde.
Una buena película se construye a base de un movimiento de cámara claro y conciso, de unas memorables interpretaciones, de una intrusión en la vida del espectador, para que éste pueda sentirse inmerso en unas emociones que no son las propias. Pero todo eso (y más) le falta a la susodicha película. Le falta carácter y extrencidad real; todo el metraje se basa en una serie de escenas construídas una tras otra sin más profundidad que la que emana de un director en ciernes y, por cierto, poco convincentes hasta el momento.
Nos encontramos también, ante una dirección artística pobre y desabrida que, bajo excusas carentes de sentido, muestran una opaca realidad en todo el conjunto de las escenas Aunque lo mas desagradable de todo, es la oscura e impenetrable fotografía de la película. ¿Oscura una película así?. ¿A santo de qué?. Y no hablamos de poca claridad; es que hay momentos en los cuales la imagen es tan oscura como boca de lobo. Tal vez sea por la falta de tablas de este ya oscarizado (¡Dios mío¡) director.
Tal vez la película sea una muestra de buen cine y no haya sabido observarlo; pues la verdad: me importa bien poco; pues me gusta mucho más integrarme en las historias difíciles pero contadas de verdad; con el sentimiento, no con la cámara; porque si todavía le falta algo más a "El discurso..." es su poco innovadora forma de hacerlo todo. De principio a fin.

En la antiguedad, fueron muchos los dioses que perdieron la cabeza pòr sus mujeres, por sus hijos, por sus amantes... LLegaron hasta tal punto que asesinaron por ello; y nadie les condenó, al contrario, se les ofrecían libaciones.
En muchas ocasiones los sentidos se enorgullecen y los actos son una pantomima de lo que en un principio deseaban ser, y es por ello que las más de las ocasiones se llega a la locura. El cine nos ha planteado esta circunstancia en muchísimas películas (algunas muy acertadamente, otras no tanto) pero en todas siempre nos ha quedado la pregunta de quién es el que realmente está loco: Si el que padece, o el que observa al que padece. En "Cisne negro" Aronofsky ha sabido acertar; ha encandilado a la cámara en el laberinto de una extraña mujer obsesionada por la belleza, la perfección, la superación continua de ella misma..., y ha sabido alcanzar un lugar álgido, frío y perturbador en la mirada (muchas veces aterrorizada) del espectador.
"Cisne negro" es atrayente y subversiva; poco amiga de quien busca en el cine entretenimiento trivial que no va más allá de las palomitas. Seguramente más de uno-a ha salido de la sala después de ver "Cisne negro" y ha hecho los sutiles comentarios: "¿Pero porqué se ve ella a sí misma tantas veces?. O...¿Se convierte de verdad en un cisne?. Y esos serán los alejados de la locura, de lo dificil, de lo inverosimil. Serán de los que despellejan una cinta porque no han visto más allá de sus narices.
Pero no importa, continuemos volviéndonos locos unos pocos, siempre seremos los mejores y disfrutaremos viendo el elegante cine de Aronovsky.

Cuando esta cinta se estrenó en las salas corrían los tiempos del cine de catástrofes, del final de la guerra de Vietnam, de la crisis del petróleo..., por lo que arriesgarse a deprimir al gran público, no sería plato de buen gusto. Había que animarlo, contentarlo. Pero... ¿Como?. Con musicales de nuevo hubiera sido un anacronismo tal que era impensable llevarlo a cabo: la sociedad había cambiado tanto que intentar animarla con plumas de marabú y lentejuelas era una tarea casi imposible . Los "westerns" se hallaban casi en el pozo del olvido y el drama... ¿Qué decir del drama, si el día a día ya lo era?.
Por eso los ojazos azules y el buen hacer de George Roy Hill (entre muchas otras cosas) triunfaron en los "Oscars" de aquel año con la maravillosa comedia "El golpe". Pero aquí no estoy para hablarles ni de historia, ni de otra película que no sea "El exorcista", no vaya a ser que me lean en los infiernos y la crítica se me tuerza... Les hablaba de los géneros cinematográficos de aquellos años y, con ellos, una sorpresa. Una película de terror, pero de las de verdad, basada en una novela convertida en "Best-Seller" y con un equipo de los que quitan el hipo. ¡Eso si que era hacerle olvidar a la gente sus vacuos problemas¡. Y se consiguió... ¡Vaya que si se consiguió¡.
No era tarea fácil, ni muchísimo menos, pero Hollywood, esta vez dio de lleno en la diana. Los entresijos del rodaje son por todos-as conocidos; pero eso no importa porque lo que vale es la esencia, o mejor dicho, el contenido de la esencia. Y esta película tiene mucha. Ellen Burstyn no deja impávido a nadie; tiene el terror marcado en la cara ante una hija que se masturba nada más y nada menos que con un crucifijo, para que la envíen - a ella y a su retoño- a las manos de un hechicero, o mejor dicho, de un cura, despues de haber pasado por las clínicas mentales más exclusivas de Washington. Y el sacerdote, para mas INRI, tiene una vida personal más confusa y derrotada que el peor de los mortales.
Y es que ahí se encuentra la magia de "El exorcista", que tras los ojos y berridos de una hija poseída, se encuentran los problemas de una vida arruinada por ello.; y que tras la imagen de dos pulcros sacerdotes, se encuentran problemas muy humanos. Entonces... ¿Estamos ante una cinta de terror o ante un drama?. No es dificil, nos hallamos ante las dos cosas, y espero no ser el único en haberlo observado.
Por eso "El exorcista" sigue viva, continúa llegando a todos, por su buena factura y su mensaje. Cercano a todo y alejado de todo lo demás, manteniendo a pesar de los años, un magnífico puesto entre las mejores obras del séptimo arte.

Si queda algo claro en esta pelicula, es que si en esta vida no aprendes a hostias, no aprendes de ninguna otra forma. En Estados Unidos son de otra manera, son diferentes a nosotros en eso de enterarse de que va la vida; parecen hasta mas agresivos, claro que en el mundo (o submundo) del boxeo, no creo que haya mucha diferencia entre un lado y otro del Atlántico.
No voy a ennumerar- ni a comparar- las muchas películas que han abordado el tema; aunque en esta ocasión nos centramos en dos temas a la vez: el del boxeo y el de la droga. Uno no lo conozco, el otro sí, y he de reconocer que el segundo está literalmente muy logrado es; hasta casi real. Las expresiones de Bale en ese rostro desfigurado por el "crack", esa mirada de ojos perdidos no deja lugar a dudas sobre su credibilidad. Mención a parte son otros aspectos de cinta, con menos base y por ello menos integrados en el espectador, como lo son las sosas interpretaciones de Walberg y Adams, o una banda sonora rockera, que hasta a veces, suena a simplista. La maravillosa y, exageradamente trangresora interpretación de Melissa Leo no deja lugar a dudas de un trabajo muy bien hecho.
"The figher" es una película labrada con sentimientos y construída a base de golpes duros, lo que hace de ella un festín de apabullantes escenas que profundizan y arrancan un sentimiento de culpa en los espectadores que, a veces agobiados, observamos unos lugares de este mundo que, aunque recónditos y oscuros, no dejan de formar parte de este mundo que habitamos.
Tal vez por eso debería de ser una buena cinta, o mejor, la pena es que se queda en un acercamiento a lo que pudo ser una mejor película.