Hablar de “Videodrome” no es cosa fácil. Cronenberg en estado puro, ya saben. Hay un factor que yo tendría en cuenta antes de entrar de lleno en esta peli, y es que los productores le exigieron que la película pudiera ser estrenada en Estados Unidos con una calificación de “R”, es decir que no se pasara de la raya, y que fuera apta para un público amplio (adultos y menores acompañados). Esto limitó de alguna manera el guión de Cronenberg, e incluso el montaje.

En “Videodrome” está presente, y de qué manera, una de sus obsesiones y leiv motiv de estos primeros años: la transformación del cuerpo humano por causas externas. No cabe duda de que la película es difícil que pueda ser calificada de redonda, pero es indudable que deja algunas imágenes antológicas para la historia del cine (unos ejemplos dejo en spoiler). Detrás de todo ese trabajo está Rick Baker, maquillador ganador de 7 Oscar y 11 nominaciones, algo totalmente inigualable. Un absoluto genio.

¿Era ya un visionario Cronenberg? Pues yo creo que sí. A través de las emisiones piratas de Videodrome, poco a poco, nos va introduciendo en el poder de la imagen como medio para influir en nuestras capacidades y de manera última en nuestra morfología. La televisión , la imagen como droga. Quizá la manera en que esto se desarrolla puede resultar caótico y confuso, pero la idea está bastante clara.

Cronenberg es diferente, un autor intelectual. “Videodrome” es oscura, inquietante, atípica, irregular, transgresora, pero no ha envejecido. Su mensaje sigue estando intacto: ahora quizá la televisión la hemos sustituído por Internet, Youtube y demás parafernalia tecnológica. De lo que no hay duda es que Cronenberg y su visión genera debate.

Estamos ante una obra maestra del cine indiscutible. La penúltima película de Greta Garbo, retirada poco después con tan solo 35 años, cansada de la fama. ”Ninotchka” fue promocionada como ´Garbo ríe´, una variante de ´Garbo habla´en “La Reina Ana Cristina de Suecia” (1930), la primera película en la que la quinta estrella femenina más importante de la historia del cine, según el American Film Institute, hablaba.

Es la primera comedia de Greta Garbo. Indudablemente, todo el bagaje anterior como estrella dramática le vino muy bien a Ninotchka para el papel. Al principio, la enviada rusa es gélida e inalterable, imagen publicitaria por excelencia de Greta Garbo, pero poco a poco irá sucumbiendo a los placeres más terrenales de París, y al amor del conde. Todo ello, este impacto, su primera sonrisa, contribuyó enormemente al éxito de la película. Aun hoy resulta gratificante y su imagen es absorbente. Era y será una estrella siempre.

 Como no podía ser de otra manera,‘Ninotchka’ fue prohibida en la URSS y los países de influencia soviética. La sátira del comunismo absurdo y despiadado era demasiado para aquella Rusia. Tampoco es menos cierto que también alude al capitalismo. Asi, el conde Leon d’Algout (Melvyn Douglas) es un vividor, sin trabajo, un aprovechado que vive de la duquesa Swana, que malpaga a su sirviente, y que, en definitiva, vive del cuento.

Lubitsch es un maestro al que siempre alude Billy Wilder. Su fino humor, afilado y elegante, y los diálogos excepcionales, junto con el toque de romanticismo, pasando por momentos de drama, convierten en esta película en uno de los clásicos ineludibles.

“Ninotchka” es la historia de una seducción, no solo por un estilo de vida, sino por el amor y la libertad del individuo.

Por último, reseñar que la interpretación de la pareja protagonista me parece fantástica. Tanto Melvyn Douglas, que está magistral como galán que por fin ve el amor definitivo, como los cambios de registro de Greta Garbo, descomunal ya sea en la Rusia profunda, ya sea en París. Les acompañan los inolvidables Iranoff, Buljanov y Kopalski. Por cierto, ojo al final (letrero, no digo más).

En definitiva, una de esas grandes películas que hay que ver.

Película no apta para todos los espectadores. A algunos les puede parecer soporífera, a otros, como es mi caso, una obra maestra.
No cabe duda de que Paul Thomas Anderson es un director especial, con un enorme talento y gran sensibilidad.
Cuida mucho todo lo que hace; esto se nota especialmente en la puesta en escena y en su narrativa.

El mismo firma el guión, que es bastante sencillo en cuanto a su hilo argumental: un prestigioso modisto del Londres de los 50, obsesivo y perfeccionista hasta lo enfermizo en su trabajo, con una vida casi monacal, se enamora (si puede llamarse así) de una joven chica, llamada (oh) Alma. Pero esta relación entre ambos es complejísima.

Ella tiene un cuerpo perfecto, de hecho en cuanto la conoce la utiliza como maniquí para hacer un vestido. Desde el principio se antoja una relación complicada, que se irá tornando en tóxica, y de esto trata la película. Pero está tan bien construía, es tan bella estéticamente y Daniel Day Lewis es tan bueno que la película es especial.
Se esboza también una notable influencia de la hermana (excepcional Leslie Manville) y de la madre fallecida, que es más importante de lo que parece. Leslie Manville fue nominada al Óscar, no así Vicky Krieps, la verdad es que lo merecía.

Tiene gran mérito Paul Thomas Anderson pues produce, dirige, escribe e incluso se hace cargo de la fotografía.
Consigue una película exquisita a pesar de rodar casi todo en interiores y de no contar con un presupuesto desorbitado. Merecedida ganadora del Óscar a mejor vestuario. Película para ver tranquilamente, degustarla.

Remake de la obra de culto de John Carpenter "Asalto a la comisaría del distrito 13" (1976), que a su vez es un remake de "Río Bravo" de Howard Hawks (1956).

Fue la primera película americana del director francés Jean François Richet, con un presupuesto de unos 20 millones de dólares y un gran reparto a sus órdenes.
Director irregular que no tiene una filmografía extensa. Una pena porque, por lo menos aquí, se muestra como un director competente, con maneras de artesano, con un trabajo bastante eficaz.

Imprime a la trama un ritmo trepidante, en constante tensión, con una fotografía por momentos sombría que ayuda a recrear un ambiente claustrofóbico, y unos personajes que dudan de si hacer frente al enemigo exterior o hacer la guerra por su cuenta, como ya se anticipa al comienzo en la escena del párroco en la iglesia: el poder de escoger y la fe.

Después de un comienzo explosivo con un gran Ethan Hawke que sumerge de lleno al espectador en la película hay una elipsis de 8 meses. Es Nochevieja, y al distrito 13 de Míchigan (Detroit) llega un autobús con varios presos en medio de una tormenta. Comisaría vieja, a punto de cerrar, y casi sin medios, se ve envuelta en un gran lío. La nieve está muy presente en toda la película. Ambiente frío, inhóspito y desolado.

A partir de aquí, Richet se aleja sabiamente del remake de Carpenter y va tejiendo su propuesta. Su receta: acción, buena acción, espectacularidad, y un buen aprovechamiento de los magníficos actores puestos a su disposición. Todos están muy bien: destaca Laurence Fishburne (Bishop) , como el gran malo, pero con matices, nada es blanco o negro, hay distintas tonalidades de grises. Y me gusta mucho Maria Bello, una actriz con un gran potencial pero que no ha terminado de llegar a ser una estrella.

En definitiva, una buena película de acción, con algún giro de guión sorprendente, para pasar un buen rato de acción y suspense.

Un matrimonio de la alta sociedad inglesa visita Italia para vender una villa de su propiedad en Nápoles. Allí, lejos de su rutina diaria, en lugar de acercarse más, ahondan en sus diferencias. Qué duda cabe que la ciudad, el contexto, les influye enormemente, pero la relación ya estaba herida de muerte. Los continuos reproches, los celos y la ausencia de química y amor van cada vez a más. Marido y mujer se comportan casi como dos extraños.

Un sencillo argumento al que el maestro Rossellini da su toque. Se dice que fue una de las películas más innovadoras de su tiempo. Los críticos italianos no la entendieron y la pusieron a parir. Esta reflexión sobre la pareja puede producir una sensación de película deshilvanada por la poca acción dramática que contiene, pero se debe a la preocupación de Rossellini por ahondar en la esencia de los personajes. Fue una película muy adelantada a su tiempo (1953).
Más que el neorrealismo de sus primeras películas (Roma, ciudad abierta), Rossellini nos muestra un realismo interior, emocional.

Parece ser que Rosellini, aunque tenía claro lo que quería, no rodaba con un guión encorsetado, lo que le da una naturalidad y una frescura a la película tremenda. Se dice que los directores de la nouvelle vague sentían fascinación por esta película.

Rossellini, al contrario que Hitcochk, que tenía todo planificado, se fía más de la improvisación, de captar el momento, de dar libertad a los actores. Su preocupación por la iluminación o el encuadre es menor.

Es impresionante cómo Rossellini nos relata el tormento interno de estos dos personajes que casi parecen dos desconocidos. Ella es partidaria de visitar museos, contemplar la cultura autóctona, mientras que a él le aburre y prefiere irse con amigos y visitar clubs. Las escenas filmadas del museo son de una exquisitez embriagadora.

La civilización romana expuesta aquí es el símbolo claro de esta relación que se diluye. Cuando asisten al descubrimiento arqueológico de dos amantes que perecieron abrazados, ambos se sienten sobrecogidos.
La interpretación de estas dos estrellas de Hollywood (George Sanders e Ingrid Bergman) casi perdidos en Nápoles, Capri o Pompeya no puede ser mejor. La presencia de la muerte es también notable (catacumbas, enamorados).

Con exquisita elegancia, el director italiano filma este tour de force entre dos grandes actores. La propia relación de Rosselini con Ingrid Bergman estaba pasando un mal momento. A veces, parece que Rosselini estuviera filmando un epílogo de su relación. Pero ¿quién puede saberlo?