¿Qué tiene de maravilloso esta película? Podría uno estar horas hablando de detalles técnicos, pero para qué. Las películas favoritas de cada uno de nosotros tienen siempre algo especial, algo que inconscientes o no siempre incorporamos en nuestra estimación de la obra. Puede ser el momento de cuándo se vio, lo que despertó luego de hacerlo, cómo afectó nuestras vidas, etc. Miles de diversos factores, difíciles de clasificar. Pero su principal característica es que nos son muy difíciles de transmitir, de hacerlos ‘objetivos’ para que el otro entienda por qué nos gusta tanto cierta película.

¿Cómo explicarte entonces qué significa para mí ‘The Shawshank Redemption’? ¿Tiene sentido intentarlo? Quizás solo pueda decirte que es una belleza a mis sentidos. Que es el parámetro que me fijó lo que el cine es, y a lo que puede llegar. Una hermosa metáfora de más de dos horas, pero que en ningún momento aburre. Entretiene, enternece, nos hace reflexionar, nos da tristezas, alegrías, esperanza. Es el pacífico, abierto en la inmensidad. Los muros de Shawshank. El testamento de Brooks. La música de Newman. La sonrisa de Andy. Es la esperanza de Red y las lágrimas del espectador.

Pero, en el fondo, no puedo explicarte realmente qué es. No creo que el lenguaje haya aún evolucionado para ello. No puedo convencerte de nada. Solo puedo recomendarla y decirte que si alguna vez has sentido algo maravilloso y especial en cualquier arte, yo en esta película he sentido lo mismo.

Ceylan nos regala la que es, quizás, su película más literaria. En mi opinión, los diálogos han sido siempre pieza fundamental de su cine, aunque considero que sus otras realizaciones pueden categorizarse bajo otro eje principal. Pero aquí la premisa es directa: Ceylan nos quiere narrar, en más de tres horas, una novela visual, donde la hermosa imagen se funde con la profundidad y complejidad del diálogo. El resultado es una obra sumamente densa, reflexiva, cuya total dimensión artística sólo puede ser apreciada, creo yo, luego de varios visionados.

¿Qué es entonces lo que Ceylan nos propone en su más de tres horas de diálogos? "Trato de comprender el alma humana" nos dice en una entrevista acerca de esta película. Y entiéndase aquí como alma humana la exploración de sus acciones, sus deseos, y, sobre todo, de cómo nuestras vivencias, nuestro pasado y nuestras huellas nos condicionan en lo que, fuera de las máscaras, realmente somos. Como una obra Shakesperiana, o al mejor estilo de Chéjov (gran influencia del director), estas cuestiones se exploran bajo las miradas de sus personajes. Los partícipes no hacen a la historia, como meras marionetas del guión; ellos son la historia bajo la cual se desarrolla la trama. Por ello considero que un análisis de ésta sólo puede hacerse a través de ellos y no de la trama en sí. Y a pesar de que cada personaje en la obra tiene un papel fundamental, en Aydin y Nihal percibimos el desarrollo principal de aquello que el director nos quiere contar.

En Aydin vemos, en sentido general, la necesidad del hombre, quizás en su forma más pura. En la que las preocupaciones provienen de las relaciones y de cómo obtener de ellas lo que más anhelamos por dentro. Aydin no debe preocuparse de cosas que para otros son cuestiones de vida o muerte, tales como el dinero (léase Ismail y Hamdi), el trabajo o la salud. Sus dilemas nacen sólo de lo que hay dentro de él. Pasa el tiempo escribiendo libros y ensayos para un diario local. Habla con su vida, con su experiencia, pero también con sus ideas. Es un idealista antes que un realista, anteponiendo la palabra a la acción. Su cónyuge, Nihal, es un antídoto de receta ante la soledad. En cierta manera Aydin lleva bien adentro un poco de todos los hombres: la necesidad pura de saciar nuestra soledad, el frio de la soledad; el pasado perdido, consumado, del cual a veces sólo nos queda recordarlo para lamentarnos que ya no está; y quizás nos representa en lo más puro: la necesidad de hacer algo, de matar el tiempo, de asentarnos y de alguna manera aceptar que esto es lo que somos y lo que tenemos, que quizás ello es lo mejor que podemos hacer y resignarnos a seguir así. Aún cuando sabemos que no es ideal, que no representa lo que hubiésemos querido, o anhelamos llegar.

Por su parte, en Nihal se plasman el remordimiento, la culpa y la conciencia. La noción reafirmada una vez más de que, aunque el presente no es ni por cerca lo que uno desearía, es en cierta forma lo mejor que uno puede anhelar. Nihal debe resignarse a jugar las cartas que les tocaron. Sin embargo, eso no quita que deban se jugadas con buena cara. No esconde su temperamento ni su estado de ánimo, más bien los deja bien en claro. Que se noten es justamente la intención. Y lo hace porque entiende que, al igual que ella, Aydin no se opondrá pues sus cartas también son las únicas. Curiosamente, en esta química aberrante se yuxtaponen distintas necesidad para mantener el matrimonio. En Aydin, como dijimos, la necesidad pura del hombre de saciar la soledad; en Nihal, la necesidad es más bien económica, en el sentido de no contar con mejor respaldo para vivir que el que puede obtener de Aydin. El uno sin el otro está vacío, pero las razones son distintas. La voluntad de reafirmarse como individuos está impuesta tanto por las propias necesidades, como también por las del entorno. Las cadenas de su entorno entonces modelan las necesidades puras de Nihal. Quiere ayudar a los que no tienen, pues ve en ellos su verdadero destino. Sacia así su conciencia, de su remordimiento, entregándose a aquellos damnificados.

[Sigue en spoiler por falta de espacio; no hay spoiler en esta película]

La primera vez que vi 'Amanecer', hace ya unos años, lo hice por recomendación de esta página. Al igual que ahora, la película gozaba de una puntuación excepcional, alabada por la crítica que parecía que estábamos ante el Quijote del cine. Bajo tanta recomendación no tenía más opción que verla. Es cierto que a veces, cuando uno espera mucho de una película, las expectativas pueden llegar a no satisfacerse. Esto ocasionaría, acaso, que uno juzgue lo visto desde una perspectiva errónea. En todo caso, lo cierto es que mi primer visionado dio como resultado una gran decepción, reflejada por la nota que le coloqué en aquel entonces: un 5.

¿Qué me decepcionó? Sencillamente fue lo plano que es su historia. En efecto, 'Amanecer' en la narrativa no es más que una simple y cursi historia de amor. Es sólo eso, una historia de amor entre dos personas; y no lo digo despectivamente, sino digo realmente lo que es. Es cursi por cómo se desarrolla la historia: el esposo que reencuentra el amor en su esposa, que de nuevo vuelven a ser sumamente felices, que reencuentran lo bello de la vida en cada rinconcito - en esencia, que todo es amor y felicidad, sonrisas. Y en esto seamos sinceros, no puede negarse que efectivamente la historia no sea así, cosa que suele estar generalmente muy en contraste con la realidad, no importa de cual época se trate.

En cuanto a lo técnico, el cómo se narra la historia, la genialidad de Murnau es totalmente innegable. Usa técnicas maravillosas, explotando al máximo los recursos disponibles en aquellos tiempos. Sus movimientos de cámara, la selección y superposición en contraste de distintos planos, su duración; todo es destacarle. No es, como he leído en algunas críticas, una película lenta ni mucho menos. La duración de sus planos es, creo yo, la necesaria para transmitir lo que se quiere. En resumen, no hay nada que renegar en este aspecto, y al contrario, yo creo que es uno de los puntos más fuertes y destacados que tiene la obra.

Ahora bien, antes de hacer esta crítica he vuelto a ver la película. Esperaba, como ya me ha pasado, ver quizás ahora las cosas desde otra perspectiva, y por qué no, subir algún que otro punto mi anterior votación. Sin embargo, perdónenme, pero no pude dejar de seguir notando lo mismo. Sólo pude subir un punto. La historia, a mis ojos, sigue siendo completamente cursi. Lo admito, tiene momentos destacables en la narrativa, como pueden ser los tramos iniciales y finales. Pero en el medio, en la ciudad, las secuencias las veo muy planas y simples, con un intento de sumar comedia en una suerte de 'sketchs'. Esta parte no me parece mala, por así decirlo, pero debo decir que me parece muy plana y que no amerita para nada que se alabe a esta película como se lo hace acá.

Entonces, me pregunto, ¿Por qué gusta tanto? ¿Por qué se tiene a 'Amanecer' en el altar? Creo que la respuesta es sólo una: por la universalidad de su historia de amor. Y es que si hay algo que conmueve a todo el mundo, a todo el público, son las historias románticas; son intemporales y universales. Es esa historia de amor, de 'esperanza' en el matrimonio, de su felicidad, de sus aventuras, junto con su notable apartado técnico, lo que atribuyo a tanta adoración por 'Amanecer'. Temas que, como digo, conmueven en general a todo tipo de público, como algo innato a nosotros. Porque en el fondo quisiéramos que nuestra historia de amor sea esa, esa felicidad y bienaventuranza que se nos muestra, esa esperanza, ese hijo, esa, llanamente, 'linda y buena vida'. Y claro, no hay que olvidar también que la película es de 1927, es muda, es clásica, de culto... si entienden lo que digo.

En todo caso, espero con esto haber justificado mi nota. Perdonen si ofendí a alguien, pero así es como veo las cosas. En lo personal preferiría que esta obra no sea considerada una cumbre de cine, pues creo que en éste existen muchas otras películas cuya inmortalidad y trascendencia alcanzan cotas mucho más profundas en cuanto a legado artístico. En definitiva, le pido al cine mucho más, porque sé que lo hay y que, por sobre todo, puede darlo.

'La fiebre del ajedrez' es una de las primeras filmaciones hechas sobre ajedrez. El corto se centra en el torneo de Moscú de 1925, uno de los primeros en tener relevancia internacional. En efecto, en el mismo participaron grandes figuras de la época como el vigente campeón mundial Capablanca, junto con Lasker (ex-campeón mundial), Marshall, Tartakower, Reti, Rubinstein y Bogoljub (quién ganaría el torneo), entre otros.

Desde el punto de vista narrativo, 'La fiebre del ajadrez' relata humildemente, a través de una historia de amor, cómo el ajedrez se estaba volviendo una auténtica obsesión en la reciente Rusia soviética. Un amor al juego que, en vista de la amada, se contrapone a su amor conyugal. Las imágenes son claras: el ajedrez es todo, es la 'fiebre' del momento. De hecho, históricamente los rusos pronto empezarían un dominio del juego que daría lugar a grandes campeones mundiales como Alekhine, Botvinnik, Tal, Smyslov, Karpov y Kasparov. Esta 'fiebre' llegaría incluso a un estatus de representar su superioridad intelectual (esto es, del comunismo como gobierno) a través de su superioridad en el ajedrez, punto que tendría su auge políticamente en el campeonato mundial de 1972 entre Fischer y Spassky.

En resumen, creo que este cortometraje gustará a todos aquellos aficionados al ajedrez. Contiene auténticas reliquias como imágenes del torneo de Moscú del 1925 y una pequeña actuación del gran Capablanca. Un film que enriquece por su contenido histórico, a la vez que se disfruta por la sencillez y encanto de su historia. Y todo bajo esa 'fiebre', esa pasión que, para muchos, representa el ajedrez.

En su debut como director Karl Markovics nos regala una obra increíble, una opera prima que a más de uno le hubiera gustado dirigir. En efecto, 'Atmen' (Breathing) despliega un estilo tranquilo, ameno, contemplativo y reflexivo. Se sirve de un ritmo pausado, con un uso de la cámara majestuoso, en el cual Markovics despliega su talento para dotar de personalidad y estilo a la obra.

'Breathing' se centra en un joven de 19 años (Kogler) que reside en una correccional juvenil. Su vida está marcada de desdichas desde su infancia, siendo su personalidad un claro reflejo de esto. Es retraído, frío y distante. Su existencia está prácticamente limitada a mantener un trabajo fijo y ganar el juicio para obtener su libertad. Algo que, para Kogler, no resulta nada fácil. Hasta que, cosa no casual, decide por cuenta propia trabajar en una funeraria.

Markovics se apoya en una soberbia y magistral dirección para crear un atmósfera desoladora, triste y rutinaria de una vida que no parece dar ni recibir mucho de sí. Con diversos planos vemos y vivimos en carne propia la desolación de Kogler, su vacío y su impotencia al no encontrar las herramientas necesarias para salir adelante. Y la cámara, tranquila e imparcial, nos muestra lo realmente duro que puede ser ello. Nos hace ser Kogler: ver lo que él ve, siente, sufre, añora. Nos hace reflexionar sobre la injusticia, el amor, la muerte, la responsabilidad y, quizás sobre todas las cosas, sobre el duro y triste destino que algunas personas sufren.

Desde el punto de vista filosófico, 'Breathing' nos retrata duramente cómo la suerte que nos toca es muchas veces responsable de lo que somos y hacemos con nosotros. No en vano en la película se cita a Sartre: 'El infierno son los otros'. El mismo Sartre que genialmente también dijo que 'Un hombre es lo que hace con lo que hicieron de él'. Ese Kogler que vemos, triste y ermitaño, es ese hombre 'sartreano', desolado, que lucha por darle un molde, un sentido, una forma a esa pobre vida a la cual lo 'arrojaron'.