Que únicamente 2 de los 25 “críticos profesionales” hagan una calificación negativa de esta bazofia resulta, cuanto menos sospechoso. Afortunadamente, la inmensa mayoría de los usuarios de esta web tenemos mejor criterio y no nos dejamos llevar por el pensamiento único dominante y a los intereses económicos de este tipo de producciones. Que una actriz de la talla de Charlize Theron se haya dejado convencer (le habrán pagado un cheque de muchos dígitos) es realmente decepcionante y no salva un guión lleno de inconexiones, vacío, absurdo y falto de todo interés. En fin, una película para olvidar.

Para evitar mencionar información relevante de la trama me limitaré a dejar algunas anotaciones aquí y otras en el apartado de spoilers:

1) Rodada con un tono documental y realista, especialmente las centradas en las clínicas y los transportes públicos.
2) Pretende ser neutral y no juzgar a los personajes principales y secundarios. No entra a valorar las ideologías entorno a este tema especialmente delicado, sólo exponer hechos... o quizás sí.
3) La cinta gira constantemente entorno a la protagonista. Si ella se mueve la cámara le acompaña en todo momento.
4) El montaje consta de un buen número de primeros planos de la protagonista, con el tiempo más que suficiente para dejarnos adentrar en sus propios pensamientos.
5) Bendecida casi unánimemente por la crítica que gustará a una importante parte del público.
6) Suscitará debate.
7) Aunque la directora haya tenido como parte de referencia a la magistral “4 meses, 3 semanas, 2 días”, la cinta americana es más intervencionista, profundiza menos en las tramas y subtramas, pretende ser más convincente y carece del nivel cinematográfico de su predecesora.
8) Trata el tema del aborto más inteligentemente que la tramposa “El secreto de Vera Drake”. Hay muchas mujeres que sufren en silencio este tema y son abandonadas por la cobardía de sus parejas. En este sentido es especialmente revelador el film.
9) Magistral primer plano de la protagonista cuando se le hace el cuestionario (sin duda lo mejor del film).
10) No hay nadie que le haga sombra a Clint Eastwood tratando temas morales con su maestría y experiencia. Esta película lo vuelve a corroborar.

(Ver el resto en spolier)

Kogonada es un cineasta estadounidense nacido en Corea del Sur conocido por sus video-ensayos que analizan el contenido, la forma y la estructura de varias películas y series de televisión. Los ensayos utilizan con frecuencia la narración y la edición como lentes y, a menudo, resaltan la estética de un director.

Tras su opera prima Columbus, en el que nos dejaba ver que es un autor, que más allá de mostrarnos montajes de fragmentos del lenguaje cinematográfico sumamente ilustrativos que todo amante del cine debería visionar (están disponibles en YouTube), ahora nos regala su segundo largometraje en el que se confirma su talento y conocimiento que posee sobre el arte en movimiento. Es especialmente llamativo su enorme precisión del montaje por contenidos semánticos y estéticos, un completo dominador del ritmo interno y externo de cada una de sus escenas sutilmente hilvanadas. Es un cineasta de exquisita sensibilidad por la pureza de sus imágenes y la belleza que sabe crear en cada plano, nada redundante y con sentido narrativo y dramático. Se nota su influencia de grandes directores y su estudio detallado de destacados autores. Es todo un arquitecto de la imagen y la composición, que ya se dejó conocer en su primer largometraje y que ahora viene a confirmárnoslo con su segunda obra.

Ojo a la importancia del sonido en esta obra y a la precisión de una música que busca crear esa atmósfera que pretende impregnar en cada una de sus secuencias. Es un director que busca no extenderse en exceso e impregna a sus personajes una mística inquietante. Hay planos que me recuerda a su admirado Yasujirō Ozu. Cobra una especial relevancia cómo se integra cada personaje en la ajustada composición de los espacios en los que le rodea en cada plano, aportando un sentido específico y un estilismo que no es por casualidad.

Centrándonos más en la historia que nos narra, aquí tenemos una aparente película de ciencia ficción que usa esa dualidad humana-inteligencia artificial, que tiene varias lecturas y sobre todo ahonda en temas como el nihilismo o la transcendencia en forma de metáfora y jugosos diálogos, así como la identidad cultural, la complejidad del papel de la adopción para padres e hijos, el sentido de la pérdida y legado de quien nos deja, la capacidad humana del amor, la responsabilidad en el rol que adquirimos en el seno familiar, así como otros temas que dejo a la capacidad de observación de quien desea ver esta interesante obra. Entiendo que haya muchos que no terminen de convencerle esta propuesta cinematográfica, su temple o incluso su estilo, pero sí habrá otros, en cambio, que conecten con esta interesante propuesta de sutileza y de una destacada sensibilidad cinematográfica que fue bien acogida en el festival de Cannes y producida por la siempre sugerente A24. Mi consejo es verla y que cada uno juzgue según su criterio.

Es admirable como el mercado del cine sigue entregándonos a cuenta gotas films de ese género aparentemente descatalogado que hizo famoso a Ford, el director que supo utilizarlo como materia prima para escribir poesía fílmica.

Los remakes siempre generan ciertos prejuicios. Parece que cuando a un productor, guionista o director se pone manos a la obra con un título que ya conocemos (pensemos también que una importante parte del público no ha visto la obra anterior, o simplemente no ha oído escuchar antes sobre ella) tiene que justificar la realización de la producción, ya sea por tintes de homenaje, retoque en su acabado, adaptación a los nuevos tiempos, etc. En cierto grado es comprensible las comparaciones, y de ahí estriba los juicios de valor, las intenciones o fines de sus creadores. Cuando visualicé el remake de Sabrina, me levanté de la butaca pensando que los remakes ni siquiera llegan a igualar la calidad de la original. Sin embargo películas como Ben-Hur, Los 10 mandamientos, Charlie y la fábrica de chocolate o la misma Valor de ley también de género western, tienen argumentos más que suficientes para crear un interesante debate comparativo.

Al margen de todo ello, El tren de las 3:10 posee un ritmo deslumbrante, una partitura de guitarra correcta, y sobre todo una dualidad de personajes pasmosa de dos titanes de la interpretación del momento; Russell Crowe y Christian Bale.

Lo primero que debo señalar es que es una de las películas más flojas de Pixar. Como ya le pasó a Red, la anterior película del flexo, son películas más Disney que Pixar, es decir, menos arriesgada y complejas en su propuesta. Y es que le falta una de las características fundamentales de la productora, que no es otra que “el alma". Carece de emoción, de personajes mejores perfilados con un motivo que les guíe. Es realmente difícil identificarse con los personajes que están acartonados. El único que se salva es el gato robot, pero aún así, está muy lejos de los grandes personajes secundarios que nos tienen acostumbrados. Yo iba con las expectativas que no vería una notable propuesta de animación y así ha ocurrido. El gran problema de la cinta es el más difícil de resolver, el guión. Como digo, los personajes no tienen relevantes conflictos, se cae en el estereotipo, es políticamente muy correcta, hay guiños que se repiten una y otra vez. Parece una constante gincana donde tienen que superar una sucesión de obstáculos. Hay algún que otro discurso torpe y no llega a ser lo suficientemente entretenida. Es especialmente relevante que el gran compositor Michael Giacchino, el encargado de ambientarla musicalmente, que lo haya hecho con poco brillantez y llamativamente plana. Tiene un gran componente de ciertas obras militares norteamericanas, con todos los defectos que ello acarrea y es demasiado previsible en la resolución de cada escena.

¿Es por tanto una mala película? No, no creo que lo sea. Es tan solo una obra de ficción y aventura que no llega hasta el infinito y más allá. El problema de Pixar es que siempre comparamos sus nuevos proyectos con los grandes éxitos que juegan en otra liga, y claro, mantener ese nivel es una tarea que se presenta imposible. Lo único en lo que siempre mantienen ese nivel de supremacía es su aspecto visual, a la cabeza de la vanguardia como viene siendo costumbre y que le da a la película justo lo que necesita, pero no basta para cubrir las innumerables carencias de su historia. De poco sirve tomarse una apetitosa manzana deslumbrante si al darle el mordisco le falta todo su jugo.