Historia de género llena de dardos urticantes de miseria y poder que niegan la posibilidad de indiferencia del espectador. Fernán-Gómez, además, parece dejarse un hueco para protagonizar un pequeño relato desquiciado.

Dinámico y entretenido cortometraje que sumerge al espectador en la fantasía de la caverna, con apariciones y desapariciones de personajes o aumento de tamaño de objetos, a través del humor gestual del primer cine. Todo ello con un coloreado de espacios y vestidos que enfatiza la fantasía del argumento, y da buena muestra -junto con los efectos especiales ya mencionados- del grado experimental de Segundo de Chomón, y del cine de principios del siglo XX en general.

Una historia dura, de soledad y renuncias, de intimidad y vida. Un homenaje a la madre soltera. El ritmo de la película, tranquilo, permite entender los personajes y entrar en lo que nos cuentan; no le hacen falta impresionantes escenas de acción.

Esta película inaugura el cine clásico de Miyazaki. La historia es sencilla, continua, sin enormes giros; pero es porque toda la película es un giro, complejísimo. Y es una historia sincera, con elementos muy profundos.

Nausicaä es el modelo de heroína que se mantendrá en el cine del director: joven, con una gran responsabilidad y una enorme sensibilidad. Pero es que toda la película puede considerarse como un canon de su cine. El papel central de la mujer como protagonista y como antagonista, personalidades complejas y redondas, amistades sinceras sobrevenidas, contextos de profundo cambio... Pero también a nivel técnico y artístico puede considerarse un canon: imágenes sencillas pero preciosas y perfectamente dibujadas, colores y luces planos con sombras definidas, paisajes naturales de cuento, música que envuelve a la historia y a la imagen... Únicamente se adivina una característica técnica aún por desarrollar: la cohesión visual entre los fondos fijos que se perciben todavía en muchas escenas y los dibujos en movimiento. En su cine posterior logrará totalmente la continuidad de los trazos, los colores y los movimientos consiguiendo en quien lo ve la sensación de que cada fotograma es un dibujo único.

Sin duda, película imprescindible del director japonés.

Tres historias diferentes en su forma de ver el terror, el miedo, o la idea que cada director tiene de éstos.

"Dumplings" enfrenta la dureza de la vida humilde con la pseudodureza del día a día de los más acomodados (la belleza física en decadencia como mal imposible de enfrentar), sin dejarle al espectador sus tripas tranquilas. Estremecedora. (7)

"Cut", completamente distinta a la primera, usa también el enfrentamiento entre la pobreza y la riqueza, de una forma más directa y más cruda. Sin acabar con la tensión en ningún momento, da unos giros que acentúan la incertidumbre de no saber qué ocurre realmente (el espacio en el que se desarrolla ayuda). Introduce algún momento de humor que no afecta a su planteamiento, sino que lo apoya. (7)

"Box", sin embargo, se pierde en una dinámica de sueños y sensualidad claustrofóbica, sin encontrar un momento de cordura. Esto queda totalmente demostrado con un final que no puede ser más absurdo. (4)