Hace mucho tiempo que no escribo y es por motivos de tiempo, la calidad generalizada de las propuestas cinematográficas de los últimos 5 años tampoco ha ayudado mucho.

La palabra prodigio tiene como concepto un suceso extraño que excede los límites de la naturaleza (o del común denominador), y es que este común denominador de los últimos años es que el buen cine de Hollywood se ha conformado con propuestas que llegan hasta un nivel satisfactorio, que la mejor americana de cada año es un mehhh!, ¡si es muy buena pero…… hubiera sido mejor!, que el cine comercial ya no tiene valor real; que se concentra la mayor potencia en las propuestas independientes y extranjeras pero….. con una tendencia a la baja comparándola con décadas anteriores. Dicho todo esto puedo vender la idea de que Parasite es un prodigio cinematográfico, y esto también se debe al contexto en el cual se encuentra, probablemente si la película se hubiera estrenado en 1954, 1961, 1999, estuviera entre las mejores, pero no necesariamente superaría los límites.

Yo se que pueden estar en desacuerdo, pero la película “PARASITE” es una de las mejores obras de toda la década que va a terminar, desde el punto de vista narrativo me parece una revolución en todos los sentidos, es un huracán que viene avalada por el sello de Joon Ho de quién no tengo reparos para decir que es y será su Obra Maestra capital, la película que será colocada en su epitafio.

Parasite es que lo tiene todo, absolutamente todo, nombra un genero cinematográfico, una emoción, y está ahí, es un bombardeo constante de tensión, sentimientos, comedia, terror, drama; y todo lo hace con tal precisión, objetividad y una desmadrada locura, enlazado en un balance tan bien estructurado, que no te crees que tenga la misma frialdad aterradora de Funny Games y unos minutos después te golpea con una fuerza de calor humano tan desesperanzadora como El Secreto de sus Ojos. Tiene una cantidad de giros argumentales que no solo te sorprenden como muy pocas veces el cine puede conseguir hoy en día donde las formulas ya están tan repetidas y casi todas las probabilidades se han visto en alguna película, sino que todos estos giros son es pertinentes y necesarios para el propio guion; desde una óptima externa pareciera que Bonh Joon Ho está jugando a una M. Night Shyamalan, pero no es así, todo tiene un sustento emotivo de magnitudes apoteósicas.

Una sátira irreverente, ingeniosa, descarada y bestial de lucha entre clases sociales, reflejo absurdo de la crisis económica de Corea, donde se plantea varias dudas por ejemplo ¿quiénes son realmente los parásitos?, maneja todo su guion con una fotografía absolutamente impresionante contando la historia por medio de contrastes y de fotografías cotidianas que parecen terroríficas; existe especialmente un plano que es un simple (“asomo") pero que es la escena mas terrorífica que he visto en años, superando muchas pseudo-películas de terror, es que da miedo escalofriante.

El montaje es una bestialidad, cada secuencia de planos tiene una estructura absolutamente perfecta, en conjunto con el guion crean la simbiosis para que el espectador no vea una gran película, sino que viva una experiencia irrepetible.

Los actores están pletóricos todos, sin destacar alguno en particular, sin duda, estamos ante uno de los elencos del año.

Por su impacto social y cinematográfico, por ser sin lugar a dudas mi película favorita de los últimos 5 años, (porque entra directo a mi top 5 de la década), por ser una revolución del séptimo arte, porque muy pocas veces Cannes ha tenido tanta unanimidad y yo he estado tan de acuerdo (sin haber visto las demás películas), por darme la esperanza que estamos ante el gran año de la década, el año de la recuperación cinematográfica, no tengo reparos en otorgarle un 10/10 absolutamente merecido, que muchos no estarán totalmente de acuerdo con el desenlace final, pero a mi me vale; para mi era como tenía que terminar no hay otro resultado.

Cuando aparece un prodigio cinematográfico (que aparentemente suele existir uno cada 10 años) no hay más remedio que caer rendido ante su magnificencia. Conclusión: Obra maestra, 10/10, celebración, bombos y platillos, la graduación con honores de la bastante irregular década 2010 – 2019.

El ego desmedido del séptimo arte, eso que llamamos cine dentro de cine, no podría tener mayor representante que películas como Ocho y Medio o Sunset Boulevard. Ocho y medio es ante todo la confirmación absoluta de la insignia autoral de Federico Fellini, sensibilidad italiana clásica, sátira social embebida en un manjar intelectual adornado de surrealismo onírico.

Guido Anselmi es un famoso director que se ve atrapado dentro de un conflicto creativo, la incapacidad de hacer una nueva película, que vendría siendo la numero nueve, de aquí el título del film. Ante este laberinto de confusión Guido recurre a sus recuerdos, a la nostalgia de su infancia, a las mujeres que ha "amado", a sus propios sueños, deseos y temores. Todo va conduciendose sobre una comedia agria y una sátira social divertida. Sin olvidar sus maravillosas escenas surrealistas donde la línea que divide los recuerdos de los extravagantes acontecimientos oníricos.

Fellini no apela a las emociones, se esfuerza en evitar crear un mundo de sentimientos y de indentificación, fellini quiere romper las reglas, estar a la vanguardia de su profesión, ofrecer un espectáculo único y lo consigue con gran acierto, porque hablar de Ocho y Medio es detenerse a saborear los pequenos detalles argumentales, viajar por la mente de un inventor, ser testigos de su bloqueo; desesperarse por la incapacidad de detener toda la maquinaria publicitaria, la presión de la directiva, la indecisión; Ocho y medio habla de las ganas de libertad individual.

Si tengo que ser sincero esto de la sensibilidad italiana y el mundo del neorrealismo (aunque este particular ejemplo no pertenece a tal movimiento), no es precisamente mi materia favorita, Visconti, De Sicca y Rossellini son mas emocionales, Fellini y Antonioni mas cerebrales; pero Ocho y Medio es una cinta para admirar pese a su falta de nexo afectivo.
Esta cinta está perfectamente estructurada para ser deleitada para los paladares mas finos, su guión es magistral, su estructura es sobria, sus escenas oníricas son muy sugerentes, sus metraje resulta divertido, sin duda es una obra imprescindible.

El Director crea un alter"ego" de sí mismo, dicen los entendidos; que resulta sumamente interesante percatarse de la particularidad del ciclo, Fellini haciendo su propia historia de como su personaje crea la misma película, cine dentro de cine dentro de cine, dentro de cine.. para ser mas exactos Ocho y Medio es CINE por excelencia.
Debo agregar que no he podido evitar recordar ciertas escenas de Nine (ya que la vi antes) mientras avanzaba el recorrido de este film, lo que es bastante lógico siendo un remake. Siendo un musical incongruente tampoco retrata bien la escencia de Otto e Mezzo.
Como ya lo mencioné, solamente reprocharía su falta de emoción, pero vamos que yo soy un sentimental; además no lo necesita, una película tiene sus objetivos planteados y Ocho y medio es cine artístico para colocar en un pedestal.

Sus actores están muy bien, empezando como no podía ser de otra forma con un Marcelo Mastroianni grandioso, Guido es arrogante, altivo, mujeriego; pero está atormentado y embebido por su propio subconciente y sus recuerdos. Su papel es cuerdo y contenido pero con escenas brutales y fuera de contexto. Claudia Cardinale, belleza como ninguna, actriz de solvencia y de un gran carisma, sin duda su pequeño papel contiene uno de los grandes momentos del film. No puedo dejar de mencionar a Anouk Aimee como Luisa, la esposa de Guido, su potencia y su sobriedad engalanan la película. Y para terminar una sensual, atrevida, inquieta y maravillosa Sandra Milo.
Técnicamente sobresale su gran montaje, que conjunto con su guión van creando una historia que combina perfectamenet la realidad con los recuerdos, los sueños con las pesadillas, el mundo surrealista va de la mano con las intenciones de dar una imagen vívida de la confusión que vive nuestro protagonista.

Obra necesaria e imprescindible para los cinéfilos.

Hay obras destinadas a representar los géneros del cine. Uno no puede pensar en el Holocausto sin tener automáticamente la primera idea en su cabeza de la Lista de Schindler, no de El Pianista, ni La Vida es Bella, sino la de Spielberg, lo mismo pasa con el cine de Gangsters y El Padrino. Si bien es cierto El Halcon Maltes de John Huston, Perversidad de Fritz Lang, Sed de Mal de Orson Welles o la misma Sunset Boulevard de Billy Wilder (aunque esta más entra como cine dentro del cine), son algunas de las máximas representantes del film noir tan popular en la década de los cuarenta. Pero si hay una sola película que pueda representar el género, por su valor artístico, por la estructura y el esqueleto en el cual se basan todas las cintas del cine negro, por su popularidad, por lo que el paso del tiempo ha hecho con ella, por todos los guiños, elementos, personajes, situaciones que sirvieron de base para muchísimas obras posteriores, por su legado, no tengo dudas que la cima, la cumbre, la cúspide del género es para Double Indemnity de Billy Wilder.

Hablar de Perdición, es literalmente perderse (valga la redundancia) en una odisea tan bien estructurada, tan bien contada, tan bien planeada y ejecutada que ni te das cuenta que estas frente a una película, es toda una experiencia, nunca te percatas de los movimientos de cámara, ni de los planos, ni del guion, ni de las actuaciones, ni la fotografía, absolutamente nada, no puedes pensar en nada, es un laberinto argumental sin límites, que lleva a espectador hasta el éxtasis de la desesperación.

Double Indemnity es una de las obras más perfectas que jamás se hayan realizado (incluso su famoso raccord de la puerta, es un error que forma parte de su perfección), muchas películas tiene valor subjetivo por su capacidad emocional, aun cuando uno pueda cegarse ante la notoriedad de sus pequeñísimos fallos en ciertos apartados, todo eso queda olvidado en favor a la experiencia emotiva que pueda ofrecer una cinta. Para definir “Perdición” hay que analizarlo con tiempo, y es luego de darle vueltas a la película uno se da cuenta que es absolutamente perfecta, que cada pieza de la trama forma un engranaje impecable, que no deja nada al azar, que cada línea es extremadamente importante para el desarrollo del metraje, que la inteligencia y la sutileza con que está descrito cada detalle no puede funcionar mejor de lo que está; es como si todo el universo se hubiera acoplado de la mejor forma en esos 102 minutos con una probabilidad tan grande como los años luz del infinito.

Perdición es una cátedra de cine, es un ir y venir de suspenso, tensión, desesperación, sorpresa, potencia; también es un ejemplo de lo que significa un verdadero guion que sorprende aun si la vez una docena de veces, que cada vez se descubre algo nuevo. Diré que es la tercera vez que me siendo a disfrutar de esta obra, la primera ocasión la cogí ya empezada en tv, casi el final, evidentemente fue una mala decisión, porque ya sabría cómo acabaría cuando la quisiera ver completa, la segunda vez que la vi, a pesar de que ya tenía conocimiento de sus 30 minutos finales, no dejó de sorprenderme; y la he revisado una tercera vez y el resultado ha sido mucho mejor. Conclusión; Double Indemnity es una obra para la eternidad, porque se hace más grande con el paso del tiempo y con los nuevos visionados, gana en lugar de perder, y realmente pocas cintas pueden presumir de ello.

Walter Neff es un hombre solitario, reservado, entregado a su trabajo en una compañía de seguros, maneja con precisión todos los rincones de tener una póliza contra accidentes, pero tiene un deseo oculto en su interior, que lo lleva por un sendero sin retorno adornado por la avaricia y la pasión; todo esto se activa por la presencia de Phyllis Dietrichson. Perdición es una cinta que representa muchas cosas, a mi modo de ver es la cima del cine negro, pero quizá esto no se compara con la siguiente afirmación, puede no ser el top del film noir; lo que sí es innegable es que Phyllis Dietrichson es la máxima autoridad, representante absoluta, la cúspide inalterable y la razón por la cual existe ese término llamado “female fatal”, aquella mujer seductora, intensamente atractiva, sugestiva, manipuladora, egoísta, ambiciosa, calculadora, que se lleva todo el film a sus espaldas, y no podía ser otra que con la leyenda y diosa del séptimo arte Barbara Stanwyck. Phyllis y Walter formarán una sociedad mortal para cometer un asesinato y cobrar la “doble indemnización” que es el título original de la película, el cual se refiere a accidentes improbables con lo cual la compañía de seguro se compromete a pagar el doble.

A la par de una de las mejores parejas protagonistas que ha parido la madre cine, está un secundario de lujo, de esos que son indispensables y que aportan un grado de carisma y sobriedad exclusivo y característico, me refiero a Barton Keyes, un tipo de una inteligencia abrumadora y de un sexto sentido inalterable, un hombre que no descansará hasta encontrar la verdad detrás de la mínima incongruencia o detalle de un accidente.

"Continúo en spoiler por falta de espacio, pero no hay spoiler"

Cuando un film lo tiene todo,no hay otra cosa que hacer que una reverencia ante ella, una reverencia ante la grandeza, la pureza, el arte y la belleza.
Película que suma una historia de gánsters con el cine negro tan característico de Hollywood que tantos nos gusta, además cuenta con momentos llenos de intriga y alucinantes escenas de acción, un manejo de la fotografía exquisito y una capacidad emotiva abrumadora.

La película es una oda a la redención, muestra el lado humano y bondadoso de los criminales, Roy Early es un tipo duro y frío, cuya esperanza de libertad y vida lo lleva hasta el extremo de la maldad y bondad al mismo tiempo. Roy es un tipo atormentado, en busca de redención, en busca de paz, pero con cada acción se aleja más de su objetivo. La película desmenuza una cantidad impresionante de sentimientos enlazados entre sus fotogramas, mientras va argumentando la historia de un atraco a un hotel, van sucediendo pensamientos y personajes que harán cambiar su perspectiva de vida. Las Escenas con Velma y su familia desprenden una dulzura y un encanto abrumador, y una capacidad inspiradora sublime. En el camino nos cruzamos con varios personajes como Marie, su compañera, un monumento a la lealtad y al amor.

El Último refugio es una de las mejores películas que se han realizado, por su poderosa narrativa, su delirante manejo del suspenso, su inteligente guion, su capacidad emocional y su mensaje de vida.
Grande, maravillosa, poderosa, intrigante, sublime, romántica, triste y trágica odisea de un matón con el cual nos sentimos identificados y formamos parte de su sufrimiento, de su expiación, de su generosidad, de su temor, Roy Early es un personaje para los anales del cine.

En su historia vemos dos grandes mujeres (Marie y Velma) cada una amando de diferente forma, viviendo la vida en sus propios términos e ideales, un hermoso y complejo triángulo amoroso en donde cada decepción que sufren los personajes nos duele como espinas ardientes.

No solamente es perfecta en su argumento, sus fotogramas contienen un aroma poético embriagador, con cada toma de la naturaleza, del cielo, de las altas montañas de la sierra, también posee un manejo contundente del montaje, con todas esas escenas de persecución, su ritmo vertiginoso no decae en ningún momento.

Su reparto es magnífico, Humphrey Bogart realiza un recital potente de su “Roy Early”, el tipo duro y criminal buscando la redención, con cada fotografía acumula una gamma emocional muy contenida; Mención especial para Ida Lupino, una maravillosa actriz que te rompe el alma con su “Marie”, una mujer fuerte, decidida y frágil a la vez; impresionante, sorprendente; también he de mencionar un pequeño pero conmovedor papel de Joan Leslie; en cuanto al reparto masculino destaco un gran papel de Henry Travers, el resto del elenco cumple cada uno con sus roles muy bien.

Y para terminar lo que hace “Zero” (nombre real del perrito), es gracia pura con su “Pard”.

Obra Maestra le queda corto, colosal maravilla del séptimo arte.

Si le preguntamos al mundo cinéfilo cual es la mejor película del cine negro, no tengo la menor duda que Scarlet Street sería una de las más mencionadas. Porque estamos ante la cumbre del film noir, la cumbre argumental, artística e interpretativa de este género ya casi perdido en nuestros tiempos. Perversidad es una obra dotada de un magnetismo y una sobriedad impresionante, con una dirección tan poderosa e intensa que desafía cualquier límite de calidad, interpretaciones absolutamente magistrales y únicas como un Edward G Robinson soberbio y una Joan Bennett fría y calculadora pero a su vez sensual e irresistible. Lang crea una cinta con una puesta en escena bestial, un blanco y negro que cala en la fibra interna, un guion totalmente perfecto y descrito maravillosamente. Un final que te duele y te deja marca. No hay duda, Obra maestra imperecedera del género y del cine.