En su aspecto plástico, artístico y en la poderosísima belleza de sus imágenes, es donde la película es una auténtica obra maestra.

La exquisita fotografía de Alex Thompson y una onírica dirección artística de Assheton Gorton nos transportan inevitablemente a ese mundo mágico que el director nos propone. Las bucólicas escenas en el bosque, llenas de luz y acompañadas de pétalos de flores o burbujas de jabón, contrastan con el tenebrismo de la guarida del impresionante y terrorífico demonio rojo (Tim Curry).

De un metraje de 150 minutos, Scott tuvo que recortar casi una hora para hacer de su obra algo más rentable, debido a los graves problemas de rodaje tras un incendio en los estudios y una prolongación de tres años desde su inicio. En el montaje estrenado en salas estadounidenses, la magnífica banda sonora de Jerry Goldsmith fue sustituida por otra más infantil compuesta por la banda electrónica Tangerine Dream por razones igualmente comerciales. Un extenso presupuesto de casi 30 millones de dólares que no llegó a recuperar su coste, resultando un fracaso relativo en taquilla.

Mención aparte merece el diseño artístico sublime y extraordinario del "Señor de la Oscuridad", un gigantesco y musculoso demonio rojo con enormes cuernos que llega a asustar de verdad, al igual que otras criaturas perversas: trasgos, bruja del pantano, etc.

Hoy puede considerarse una obra de culto, una obra maestra visual y exquisita del genio Scott. Desde que la vi de niño en el cine, jamás he podido olvidar este cuento de hadas maravilloso, con reminiscencias del "Lago de los Cisnes", que recoge la eterna lucha entre la luz y la oscuridad, el bien contra el mal.

Una película familiar, poco infantil, casi para adultos que merece mayor prestigio sin duda ninguna, debido a su excelente fotografía, música, diseño de producción, decorados y maquillaje.

El director de cine más importante de Portugal, en 1942 dirigió "Aniki Bobó", relato de una pandilla de chicos de las calles de Oporto, cuento moral infantil simple, vivo y repleto de reminiscencias del cine mudo (elementos cómicos continuos propios del "slapstick" que recuerdan mucho a los grandes clásicos), que supuso un logro excepcional, al considerarse la antesala al neorrealismo italiano.

Constituyó su primer largometraje y, para mí, su mayor logro, inspirado en un poema de João Rodrigues de Freitas y música de Jaime Silva Filho (que recuerda a las mejores melodías del propio Chaplin), proponiendo una visión anticipada del neorrealismo en la vida diaria de unos niños en los barrios portuarios de Oporto. Hasta entonces nadie se había atrevido a rodar con tanto realismo emotivo la vida de una pandilla callejera de infantes.

Un triangulo amoroso infantil, el robo de una muñeca y un accidente al lado de las vías del tren dan forma a esta sencillo, escueto y revelador drama moral.

Oliveira, director centenario, simboliza con su obra, la transparencia ontológica del cine, la veracidad del discurso visual y la propia esencia del comportamiento humano. Impresionantes resultan los emotivos rostros de los niños (atención a la mirada de Horácio Silva (Carlitos) y; los únicos dos personajes adultos, el profesor y, en especial, el contrapeso cómico primordial del tendero).

Incomprensiblemente, después de este debut, Oliveira dejará el cine por un espacio de 16 años para dedicarse a la agricultura, retomando su carrera cinematográfica después.

A nivel visual, pictórico y fotográfico es un ejercicio cinematográfico sublime, recuerda a otras grandes películas ambientadas en los años de la Gran Depresión como "El pan nuestro de cada día" de Murnau o "La noche del cazador" de Charles Laughton. También recuerda a las pinturas rurales costumbristas de Edward Hopper y Andrew Wyeth.

Un cuento de hadas melodramático en el que una pareja de obreros urbanos de Chicago (junto a la hermana pequeña del chico) escapan al campo en busca de nuevas perspectivas laborales. Allí conseguirán embaucar en un falso romance al taciturno, enfermizo y solitario patrón.

Rodada en las grandes llanuras de Alberta y usando la luz natural (especialmente la denominada luz crepuscular "Golden Hour"). Esplendorosa fotografía de la naturaleza rural de Néstor Almendros (premiada con el Óscar). La pradera y los campos simbolizan el mítico jardín del Edén.

Las mezquinas aspiraciones de los emigrantes que intentaban escapar de la pobreza urbana de Chicago provocarán una espiral de inmoralidad y falsedad derivadas de la propia necesidad y deseos humanos de alcanzar una mejor posición social.

El relato en "off" por parte de la hermana menor es de una elocuencia narrativa extraordinaria y viene a reprimir todo el registro bucólico e ilusorio de toda la película. Es el contrapunto punzante y fatalista a la ilusión lírica vivida por los protagonistas, deliberadamente desfasado con respecto a la acción y la fotografía del film.

Una pequeña gran obra maestra del genio Malick que aborda el duro trabajo rural en los albores del Siglo XX, junto a su progresiva e imparable mecanización.

Un acto de supervivencia extremo posibilita al que lo sufre renunciar a todas sus creencias, valores y tradiciones culturales. Sobrevivir solo está al alcance de los depredadores carnivoros, supervivientes natos en el entorno salvaje en el que habitan. Así las cosas, solo un tigre puede sobrevivir en un barco a la deriva en alta mar. Pi tendrá que enfrentarse a todo ello y aceptar su destino.

Ang Lee nos regala una fábula maravillosa argumentalmente y visualmente en la que Pi debe sobrevivir a la deriva en un bote salvavidas, tras un naufragio, junto a 4 animales salvajes: una cebra, una hiena, un orangután y un tigre feroz.

Tras un extenso, agradable y plácido preámbulo, en el que Lee nos presenta cronológicamente a la familia del protagonista, el origen de su nombre y la relación estrecha de este con las distintas religiones (Hinduismo, Cristianismo e Islamismo), llegando a la juventud y el enamoramiento; se pasará a la emotiva y deslumbrante aventura de supervivencia en alta mar.

Es una proeza del manejo del CGI y de los cromas por parte de Ang Lee, destacando las impactantes imágenes oníricas del hundimiento del barco, los animales en el bote, la isla de los suricatas y los peces voladores en 3-D que salen de la pantalla. Lee juega con distintos formatos de pantalla en determinados puntos narrativos, 16:9, 4:3, etc.

Ang Lee rompe el paradigma de que el 3-D tiene que ser para algo grande como un espectáculo fantástico de acción o una película de superhéroes y usa está tecnología para producir una fábula de supervivencia emotiva, repleta de simbologías y referencias religiosas (enfocando las religiones desde la óptica de lo mágico, lo ilusorio y accesorio (aunque necesario para Pi), siendo el padre de Pi un crítico ferviente de las religiones y defensor de la ciencia y el racionalismo).

Yann Martel, el autor de la novela en la que se basa la película, encontró a la película como una adaptación "encantadora".

Un thriller visceral, corrosivo, psicológico, brutal, inconmensurable e imperecedero. La quinta esencia del cine basado en "psicokillers" y asesinos en serie. A buen seguro que, después de esta obra maestra, el resto de películas sobre crímenes e investigaciones policiales beberán de esta gloriosa y sublime cinta.

Para la posteridad la excepcional e irrepetible interpretación de Hopkins como el Dr. Hannibal Lecter (personaje creado por el escritor estadounidense Thomas Harris).

En cuanto a la corriente "mainstream" de cine feminista actual, me da risa. Hace ya más de tres décadas de esta película de intriga que, a su vez, es una excelente, genuina y reveladora muestra de cine feminista: maravillosa Jodie Foster como agente aprendiz del FBI y criminóloga encargada de resolver este tétrico y complejo caso criminal.

En resumen, "El silencio de los corderos", puede ser considerada la película que cambió las reglas del cine tipo "thriller" basado en asesinos en serie.