Takeshi Miike deslumbra y estremece con esta cinta inclasificable, aunque las distribuidoras quieran venderla como una película de género. El autor de las conocidas por estos lares: Ichi the Killer o Llamada Perdida, hace con Audition, la que para muchos es su mayor obra hasta el momento.

Audition se basa en una novela de Ryu Murakami, y, muy por encima, nos habla de un viudo (Ryo Ishibashi) que pretende conseguir una joven esposa a través de un casting organizado por un amigo suyo (Jun Kunimura). Será allí donde conocerá y se enamorará de la misteriosa Asami (Eihi Shiina).

Esta simple premisa, que bien podría haberse cogido para una comedia facilona de Hollywood, Takeshi Miike la coge para construir una obra de culto que no deja indiferente ni a “entendidos” ni a todo aquel con ganas de curiosear un rato. El film aborda desde el drama nipón más tradicional al terror más morboso, pasando por las etiquetas de onírico y desconcertante con ocasionales destellos de humor o thriller. Vamos, lo que los “críticos” catalogan de cine de autor.

Además de pasar de un género a otro con maestría, los temas abordados son también de lo más diversos: machismo, venganza, soledad, desengaño, traumas infantiles… según la lectura que se le quiera dar se pueden acentuar unos aspectos u otros.

Lo más interesante de Audition es la forma en que está narrada y como el director juega con el público. Durante más de la mitad de la cinta no ocurre nada realmente destacable, el ritmo se puede hacer algo tedioso y lento, pero hay que saber esperar. Miike lo que pretende buscar es la indefensión del espectador, que se relaje por completo para sorprenderle y conducirlo por donde quiere. Una vez en ese punto, el público no sabe como reaccionar y es más sugestionable.

La otra gran baza del film es Eihi Shiina. Por momentos, la psicología de su personaje puede recordar a psicópatas que no tienen sentimiento alguno como Dexter, no se inmutan ante lo que sucede a su alrededor o los actos reprobables que llegan a desempeñar. La parsimonia de Asami en determinadas partes de la película llega a ser muy inquietante.

En este sentido, tiene un profundo interés y puede servir como pista para explicarse lo que vendrá después, el cambio de rol que hay en la pareja protagonista. Asami empieza siendo la vulnerable y dependiente de Aoyama (Ryo Ishibashi), al menos en apariencia. Pero a medida que avanza la historia vemos como evoluciona esa relación y nos terminamos encontrando al otro lado del espejo: Aoyama es quien se encuentra condicionado e indefenso ante la figura de la joven Asami.

El espectador siempre tiene la misma información que el personaje de Aoyama, hace de testigo de la acción, nada más. Esto le da un mayor halo de misterio a Asami y todo lo que la rodea.

Audition es un film que, más allá de lo que su apariencia pretenda ofrecer en un primer instante, tiene multitud de interpretaciones.

...es difícil no quedar encantado con el resultado final. Con personajes como los de esta película - concretamente los de Robert De Niro y Leonardo DiCaprio - es casi imposible permanecer indiferente. La disputa entre los dos protagonistas consigue hacerte reir, indignarte, e incluso enfurecerte con Robert De Niro, tan sólo de pensar que pudo haber existido una persona tan despreciable como Dwight. Aunque Tobias Wolff de joven tampoco se quedaba corto.

Aunque el gran atractivo del film son las actuaciones, una dirección correcta y una buena adaptación de labiografía de Wolff hacen de esta, una película muy recomendable.

Angelino Fons, dentro de la corriente marcada por el Nuevo Cine Español (que estaba apoyado por la EOC y García Escudero), realizó la adaptación cinematográfica de la novela de Pío Baroja, La Busca (1904).

Este film se enmarca dentro del neorrealismo español y la tendencia más disidente y crítica con el régimen, al estilo de películas como La Caza o Surcos. De ahí el marcado acento metafórico de La Busca, para así poder pasar la censura.

La película de Angelino Fons transcurre en el Madrid de finales del XIX, pero fácilmente podría extrapolarse a la realidad social de la posguerra y del momento de su producción.

La Busca refleja las dificultades a las que se enfrentaban muchos al abandonar sus pueblos e ir a Madrid en busca de un futuro mejor. En esta situación se ve envuelto Manuel (interpretado por Jacques Perrin), quien llega a la capital como un inocente chico de pueblo y por diversas circunstancias es arrastrado al mundo de la delincuencia y de los bajos fondos.

Las interpretaciones son muy correctas, sobre todo la del francés Perrin (actuación con la que obtuvo la Copa Volpi) y la de Emma Penella dando vida a la prostituta Rosa. Aunque hay otras como la del personaje de la madre de Manuel (Lola Gaos) o el de “el Bizco”, un tanto planas y estereotipadas.

El buen hacer de Angelino Fons en la dirección se nota particularmente en la tensión que provocan en el espectador las escenas del apuñalamiento en la verbena y la de la reyerta final entre Manuel y “el Bizco”.

La fotografía y la música también hacen su trabajo para hacer de esta película, uno de los referentes del cine español de la década de los 60.
La Busca es una gran oportunidad para redescubrir un tipo de cine español alejado de los temas maniqueos y populares del folclore y costumbrismo más arraigados en nuestra cinematografía, para darnos cuenta de que hay títulos de calidad y que no se limitan a dar una visión superficial de las cosas.

Mike Nichols siempre se ha rodeado de grandes nombres para protagonizar sus filmes: Al Pacino, Meryl Streep, Orson Welles… y claro, en esta lista no podría faltar Jack Nicholson, quien construye un particular hombre lobo en la cinta que hoy nos ocupa.

Lobo nos plantea un punto de vista más dramático de la leyenda. La mordedura del lobo y los efectos físicos y psíquicos que sufre Jack Nicholson a causa de esta, son la excusa usada por Nichols para acercarnos una historia acerca del poder y la competitividad de los negocios por un lado, y del amor trágico por otro.

La transformación es más mental que física. La apreciamos en su cambio de conducta y forma de ser. El film nos sugiere más que mostrarnos explícitamente. De ahí que cuando sale la luna llena apenas le salgan más pelos y colmillos, así como el cambio de color del iris de los ojos.

Un punto interesante del film es que nos propone que la metamorfosis no se ha de deber necesariamente por una dentellada, la misma pasión del lobo basta para lograr el mismo efecto.

Esta transformación encaja con el tono minimalista que se respira en el film. Lobo no se caracteriza por grandes escenas de acción ni sangre a borbotones, sino que nos traslada a una atmósfera sombría y un tanto melancólica. En este sentido, la música de Ennio Morricone ocupa un lugar importante para meternos de lleno en la trama.

A Jack Nicholson le acompañan en su maldición, Michelle Pfeiffer y James Spader como su rival y protegido. Es simbólico el complejo de Edipo que desarrolla Spader y los cambios que experimenta tras ser maldito por el propio Nicholson en un ataque de ira y celos. Mientras que éste gana confianza en sí mismo y parece recuperar las energías y espíritu de su juventud; Spader se obsesiona más con el poder, es más visceral y violento: de idolatrar a su mentor pasa a una posición de querer acabar con él a toda costa.

Por su parte, el papel de Pfeiffer es el que intenta poner un poco de orden y que Nicholson no termine de perder la cabeza para poder luchar contra su “problema”.

Un trío protagonista envidiable acompañado de gente como Cristopher Plumier o Richard Jenkins.

El film transcurre con cierta facilidad, con un inicio que ya deja las cosas claras sin irse por las ramas y alternando el dramatismo con el avance de la posesión animal. Donde radica el principal problema de Lobo es en su desenlace, el cual desentona con el ritmo de la cinta y se muestra cogido con pinzas; siendo un tanto rebuscado.

De todas formas, Mike Nichols nos acerca al mito de una forma diferente y a tener en cuenta, alejada de las modas de Hollywood. Lo que hace es adentrarse más en el drama para darle una mayor profundidad a la historia. Algo que por otra parte casa mucho mejor con sus protagonistas. A veces incluso, está más presente el elemento de misterio y suspense que el de terror.

Baby Boy no deja de ser una película que habla del paso que tenemos que dar todos para conducirnos de la niñez a la madurez. El director nos muestra este proceso de cambio que efectúa su protagonista y, al mismo tiempo, la forma de vida de los afroamericanos de los barrios de Los Ángeles.

En sí, el film resulta interesante, pero no deja de caer en los tópicos del género como la disyuntiva a la que se enfrenta el protagonista en el tramo final o la relación con los colegas del barrio. Situaciones muy parecidas a otras cintas como Los Chicos del barrio, muy por encima de esta.

Es el típico drama familiar aderezado con los habituales conflictos entre "hermanos", pero aún así se deja ver de buena gana.