“Qué camino más extraño me ha llevado hasta ti”. Con esta frase que le dice Michel a Jeanne con las rejas entre ellos dos concluye la película Pickpocket. A pesar de las rejas que separan a Michel de su amada, por fin siente que su alma es libre, cuando su cuerpo está encarcelado. Y es que en la religión cristiana (seguida por Bresson, más exactamente el jansenismo), se ve al cuerpo como la cárcel del alma. La película nos cuenta el camino que realiza el alma de Michel para llegar a ser pura y liberarse.

Michel busca un camino en la vida, su camino, y cree encontrarlo haciéndose carterista, lo cual le da emoción a su vida. Su profesión hace que la policía le persiga hasta encarcelarlo y solo en ese momento consigue liberar su alma, al sentir el cariño y el apoyo de Jeanne (una relación que parece imposible teniendo en cuenta los barrotes que los separan). Las dos almas (la de Michel y la de Jeanne), solitarias y perdidas se unen en ese momento, y Bresson nos deja claro desde el principio del film que quizá nunca se hubieran juntado de no ser por el camino elegido por Michel.

Los actores de Pickpocket eran personas de la calle que Bresson eligió para interpretar a sus personajes. Son personajes sin expresividad, están en la película como modelos que realizan las acciones necesarias para dar el mensaje que quiere el director, y dicen con palabras lo que solo con la imagen no se puede mostrar. Bresson los utiliza como meros objetos al servicio de la historia y de la forma.

Cabe resaltar que en toda la película casi no escuchamos música, lo que es una característica muy utilizada por el director. La música solo se utiliza en los momentos en los que es realmente necesaria, si no sobra, porque entorpecería el seguimiento del espectador sobre el mensaje que nos da la película.

Pickpocket es, sin duda, la gran obra maestra de Robert Bresson, dirigida con todo su estilo y sin entrar en detalles muy profundos en la historia. Pickpocket nos cuenta lo justo y necesario para entender el mensaje espiritual que Bresson quería darnos, y es por esa razón por la que brilla con luz propia.

¿Es posible que durante toda una película estés esperando expectante a que unos presos que pueden haber matado a sangre fría se escapen de la cárcel y queden inmunes? Sí, lo es. Esto es precisamente lo que consigue Jacques Becker con “La evasión”.

Todo en la película está compuesto para que el espectador se meta de lleno en la huida. No sabemos nada de los personajes, aparte de que son cuatro más uno y que están encerrados (cuatro de ellos son una piña, el quinto es el nuevo y es del que más información tenemos). La escapada empieza desde muy al principio, y además está filmada con todo detalle (cuando empiezan a hacer el agujero en la habitación vemos un plano de unos 4 minutos de duración en el que van cambiándose entre ellos para golpear y vigilar).

Por todos estos detalles, Becker consigue que el espectador se meta en la huida, se sienta parte de ella, y solo desee que los presos consigan escapar. Igualmente hace que nos sintamos furiosos cuando el quinto preso se chiva y de esa manera rompe la ilusión que los personajes y nosotros, los espectadores, nos habíamos creado.

El quinto preso, Gaspard, se hace odiar al final de la película, igual que anteriormente llega a dar lástima. Lástima porque claramente no llega a integrarse en el grupo de presos (ya que llega el último a la celda), y porque es el único que parece verse obligado a contar el porqué de su encarcelamiento. Puede que estas razones (aparte de que el director le diga que la denuncia contra él ha sido retirada y saldrá pronto), sean las causantes del chivatazo, pero de todas maneras su actitud no se ve justificada ni por sus compañeros (que aunque sin verle como a uno de ellos han confiado en él), ni tampoco por los espectadores, tan metidos en “La evasión”.

Jacques Becker consigue con esta obra maestra que los espectadores se sientan también a punto de escapar, sienten el esfuerzo de los presos, el cansancio de los presos, y por supuesto, la desilusión de los presos al sentirse traicionados.

Dardo tiene una batalla pendiente con el halcón, un alemán que tiene invadido Lombardía, no solo por tener oprimido a su pueblo si no también porque secuestra a su hijo y en su momento le robó a su mujer. Dardo para vengarse secuestra a la sobrina del magnate que acabará enamorándose de él. Con la ayuda de ésta, de su fiel amigo (Nick Cravat) y del resto de sus hombres acabará destruyendo al opresor y recuperando a su hijo.

Dardo mantiene hasta la mitad de la película que cada cual debe mirar por sí mismo sin la ayuda de nadie, y son estos también los valores que transmite a su hijo, hasta que lo secuestran y Dardo resulta herido. En ese momento no le queda más remedio de aceptar la ayuda de todos sus amigos y de esa manera se dará cuenta de lo importante que es tener a alguien apoyándote.

“El halcón y la flecha” aunque en algunos aspectos técnicos está un poco obsoleta (el tecnicolor le da unos colores exagerados, y está todo grabado en interior), es una película muy vital y llena de movimiento en la que tanto Burt Lancaster como Nick Cravat demuestran sus aptitudes acróbatas y hacen todas las peleas más divertidas y dinámicas (Esta es una de las dos películas que Burt Lancaster realizó acompañada de Nick Cravat, su antiguo compañero de circo, sin ser doblado).

El final de la película es emocionante y es la guinda que corona esta gran película en la que todos desde el director Jacques Tourneur hasta los actores hacen un trabajo excelente. Ya que es en el final donde el bien prevalece sobre el mal que tanto daño ha hecho al pueblo invadido y a nuestro protagonista.

Esta película de Jacques Tourneur tiene todo lo que una buena película de aventuras debería tener. Tiene un buen guión escrito por Waldo SALT (de ahí esas ideas izquierdistas), aventuras para intentar recuperar al hijo de Dardo, una pareja que se va enamorando a lo largo de la película y sobre todo una gran historia de amistad.

Y es que la amistad es la idea predominante en esta película en la que el aire izquierdista se respira en el ambiente. “El halcón y la flecha” no deja de disparar “dardos” en el que hay un mensaje muy claro: se lucha mejor en equipo (con amigos, camaradas) que solo.

“Eva al desnudo” es una película emocionante, en la que los sentimientos de los personajes se hacen visibles en todo momento. Y los personajes son precisamente los que marcan la estructura en la película. La estructura está dividida en 5 partes, más un prólogo y un epílogo que se van diferenciando por la voz que narra la historia en ese momento (Empieza Addison, seguido de Karen, después Margo, volvemos a Karen y finalmente Addison otra vez). El prólogo y el epílogo representan el tiempo del presente, mientras que el resto de la historia está contada en flashback. En el prólogo y el epílogo vemos a una Eva que ya ha llegado al punto más alto del éxito, pero también vemos en lo que se ha convertido como persona. En el flashback nos enseñan todo el camino recorrido por ella y por Margo hasta llegar a ese punto.

Es una película que habla sobre el teatro, y esta idea se ve reforzada en las conversaciones en las que casi siempre hay alguien hablando y el resto escuchando apilados como si fueran el público. Constantemente un personaje sale “de escena” desapareciendo por detrás de una puerta y seguido otro personaje abre otra puerta y entra a representar su papel. “Eva al desnudo” está basada en el teatro, pero el mensaje que da se podría aplicar también al cine, ya que lo que rodea al mundo del cine y al mundo del teatro es prácticamente igual, un mundo en el que las jóvenes aspirantes harán cualquier cosa para conseguir su sueño y las actrices de 40 empiezan a ser mayores y no llaman tanto la atención.

El mensaje es claro y se puede aplicar tanto hoy en día como entonces, siempre habrá gente dispuesta a todo con tal de llegar a lo más alto. Este sería el caso de Eva, quién hace un viaje interior en el que pasará de ser una “buena chica” a ser una arpía capaz de todo para conseguir su objetivo. En el epílogo además, se deja claro que la situación nunca dejará de pasar, siempre habrá una chica dispuesta a todo para llegar a ser una actriz de gran fama. A su vez Margo también vivirá un cambio interior, pero será completamente contrario, ya que ella pasará de tener la fama y centrarse en su personalidad y su vida privada. A lo largo de la película se encuentran muchos simbolismos que dan las pistas necesarias para entender el mensaje del director, como la pistola que vemos apuntando a Eva mientras recoge el premio (pistola que nos está diciendo que está muerta por dentro, que es pura fachada).

Mankiewicz consiguió con el guión y la dirección de “Eva al desnudo” una buena película, en la que el mensaje es claro, la interpretación de los actores fantástica (aunque solo George Sanders consiguió el Oscar, Bette Davis y Anne Baxter brillan con luz propia) y el simbolismo que hay por detrás de la historia es increíble. Es una película genial, aplicable a todas las épocas.

En ese mundo de pobreza, en los suburbios de cualquier gran ciudad encontraríamos a personas como los personajes que nos muestra Buñuel. Un Jaibo que hace tiempo que tiró la toalla para convertirse en alguien y que no duda en matar y robar para sobrevivir, pero también encontraríamos a un Pedro, que a pesar de la influencia de Jaibo, sabe que quiere ser alguien y hacer algo con su vida. Aunque no todo es tan bonito como parece. Pedro, a pesar de querer convertirse en una buena persona y no querer seguir los pasos de Jaibo, tampoco es ningún ángel, y ese detalle le da mucha realidad a la película (por eso se dice que esta película está en la línea del neorrealismo italiano, aunque Buñuel le da su toque surrealista con los sueños que aparecen en la película).

El mensaje, o la idea que Buñuel nos quería dar a entender, es que un niño como Pedro solo necesita que le hagan ver que confían en él, que le den cariño, cosa que su madre no hace y que hará el director del internado donde le “encierran”. Y es, precisamente, en esta secuencia en la que se plasma toda la idea principal de la película, cuando el director en un arranque de buena fe, deja libre a Pedro con un billete de 50 pesos dándole su confianza pidiéndole que le compre tabaco. Pedro sale decidido a cumplir con su obligación y demostrarle al director que podrá confiar en él, pero en el camino se encuentra con Jaibo quién le robará el dinero. Pedro intentará recuperarlo por todos los medios y esto le llevará a su propia muerte a manos de Jaibo (quién también acabará muerto a manos de la policía). De esta manera, Buñuel nos deja claro que las buenas intenciones (las del director), no siempre son suficientes a la hora de intentar cambiar una realidad o a una persona, y es que a pesar de que las intenciones de Pedro eran buenas, no hubiera dudado en matar a Jaibo, como se ve en el final alternativo rodado para México, para conseguir agradar al director, cosa que obviamente tampoco es el camino correcto.

“Los olvidados” nos da una visión negra del mundo, no solo de los suburbios de una ciudad (el único hombre de la ciudad que aparece resulta ser un pederasta), y como las buenas intenciones acaban desencadenando trágicos finales para algunas personas. Personas como Pedro, que a pesar de sus buenas intenciones sufre el mismo duro final que Jaibo, una muerte dura y cruel, que se nos anuncia durante toda la película, ya que aunque en apariencia uno resulta más bueno que el otro, la realidad es que los dos están solos en el mundo y han crecido rodeados de la misma incomprensión y sobre todo falta de afecto.