Cada ser humano nace con un talento que debe descubrir, pues, de su ejercicio y consagración depende nuestro nivel de satisfacción aquí en la tierra. Por otra parte, todos y cada uno tenemos un propósito que cumplir, pues, de lograrlo, habremos merecido pasar a un nivel más avanzado de evolución. Ese propósito se define como, Unicidad, y es aquel momento en que logremos vivir en paz, respeto y solidaridad los unos con los otros, porque, entonces, el eje de este mundo será el Amor… y Dios es Amor.

La palabra inglesa, Soul, sirve para definir el Alma (aliento de vida); y también sirve para identificar una variedad de jazz en el que impera el sentimiento heredado de los ritmos africanos, el blues y el gospel, el cual tuvo su mayor impulso en los años 1950 del siglo XX. Entremezclando esos elementos: Jazz, sentimiento y espiritualidad, surge ésta nueva película escrita y dirigida por, Pete Docter (en colaboración con Kemp Powers), director que ya nos había dejado bastante satisfechos con, “Monsters Inc.”, y luego con la magnífica, “Up”.

El cuento arranca con un profesor de música que, con gran pasión, está enseñando jazz a sus pequeños alumnos… cuando, de repente, es informado por un amigo de que, la gran intérprete, Dorothea Williams, está buscando un pianista para el nuevo concierto que dará con su cuarteto. El profesor pasa la prueba, pero aún tendrá que superar un reto más grande cuando se vea espiritualmente trasladado a una hipotética estación entre la vida y la muerte, donde deberá tomar un Seminario del Yo, del que se derivarán importantes decisiones y poder comprender algunas cosas a las que no acceden, en vida, el común de los mortales.

Infortunadamente, la complejidad de este tema -que los directores no logran simplificar-, hacen que la película resulte un tanto compleja para los chicos y, temáticamente, <<SOUL>> se pone más a la altura de los Adultos que de los niños; pero, paradójicamente, la manera de presentar a los personajes que guían este campo astral (figuras abstractas con cierto toque picassiano), hace que los personajes pierdan impacto visual y todo luzca como una mera y caricaturesca especulación. Por otra parte, la lograda trama y el efectivo diseño de imágenes que se traía hasta entonces, se diluye durante mucho tiempo y siento que esto desconecta a los chicos de la trama terrenal.

Lo más afortunado de ésta realización es, en primer lugar, la utilización del compositor, Jon Batiste y otros artistas, como punto de referencia para las interpretaciones, pues, se logró que éstas luzcan perfectamente ajustadas entre imagen y sonido; y después, hay un gran acierto y profundidad en cierta parte de los diálogos -no aptos para quienes solo esperan movimiento-, pues, si logramos oírlos atentamente, parte de ellos conducen a valiosas reflexiones y permiten abstracciones de hondo significado. Docter y Powers, apuntan alto en su deseo de trascendencia… pero, tengo que decir que no lograron ubicarse plenamente en el nivel de los niños… y algunos tendrán que esperar a recordar o a tener una mayor comprensión de los diferentes niveles existenciales, para poder digerir lo que la película propone.

Una frase digna de considerar en la sociedad de hoy:
“Hay quienes se dedican a criticar y subestimar a otros, solo para tratar de encubrir sus propios sueños fallidos”.

Dicen los estudiosos de la obra de Colette (Sidonie-Gabrielle Colette), que su principal propósito era, “reivindicar los derechos de la carne sobre el espíritu” (que también los tiene, por supuesto… aunque no la supremacía, que ya es otro cantar) y también “los derechos de la mujer sobre el hombre”, que ya nadie discute si tiene, cuando menos, un ápice de materia gris. Sus novelas hablan, pues, de sexo y libertad; de renuncia a las tradiciones y de abrirse a la experimentación… y hablan del amor como una forma de dar para poder recibir.

Artista de revistas y cabarets; periodista, libretista, novelista y guionista, Colette vivió la vida a sus anchas sin tabúes ni opresiones. Fue bisexual casi toda su vida. Tuvo amantes por decenas y tres maridos que le perdonaban que se acostara con mujeres, con tal de que no lo hiciera con otros hombres… pero cuando se casó con el segundo de ellos, Henry de Jouvenel (jefe de redacción del periódico, Le Matin), éste tenía un hijo de 17 años llamado Bertrand, y la atracción entre madrastra e hijastro no pudo acallarla en una de esas vacaciones de verano que pasaban en Saint Tropez… y a sus 40 años de edad, Colette no tuvo reparos en convertirlo en su amante.

De esta candente historia, es que surgen luego sus novelas: “Chéri” (1920) y posteriormente, “Le Blé en Herbe” (1923), siendo ésta última la que deciden adaptar, Jean Aurenche, Pierre Bost y el también director, Claude Autant-Lara, en una historia que, difícilmente hoy, podría filmarse. Por supuesto, la misma discreción -donde es más lo que se sugiere que lo que se muestra-, encontrable en el libro, también se verá en esta historia de amor que, de cierta manera, nos lleva a comprender que, en el amor -y en el deseo-, si acaso existen barreras ¡nadie sabe en qué momento puede llegar a franquearlas!

Aquí, es Philippe, un chico de 16 años que, al sentirse atraído por una guapa mujer de mediana edad -que como él y su familia veranea en las playas-, decide buscarla no obstante que tiene otra relación con Vinca, una joven de 15 que se ha sumado al paseo con sus parientes. Las contrariedades de esta relación y la facilidad de expresión de que, además, goza, Madame Dallerary, hacen que el chico se sienta fascinado… y así comienza un choque de afectos donde, el amor y el deseo, buscarán definirse.

En un ambiente con cierta picardía y con una narración bastante fluida, Autant-Lara, logra mantener la esencia de la escritora Colette… pero precisamente por esto, su llamativo filme se ha mantenido en las sombras y solo, hasta ahora, conseguimos verlo.

El reparto lo encabeza la gran actriz, Edwige Feuillère (“Lucrèce Borgia”, “Sans Lendemain”, “L’Idiot”… ), quien logra un carácter bastante sugerente. La pareja de jóvenes es interpretada por, Pierre-Michel Beck y Nicole Berger, los cuales resultan muy convincentes… y en un breve rol como el proyeccionista del Cine Ocean, es grato ver al luego célebre comediante, Louis de Funès.

Título para Latinoamérica: <<EL TRIGO JOVEN>>

Tras haberse establecido su familia en Marsella, huyendo de la terrible persecución que los armenios padecían en Turquía, Achod Malakian, estudió ingeniería, trabajó en la radio y en otros medios, hasta que, por fin decidió que lo suyo era la cinematografía y con el nombre de, Henri Verneuil, debutó por fin como director a la edad de 32 años… y empezó con pie derecho porque, en ese año 1952, hizo ¡tres películas!, la segunda de las cuales sería, <<TRES MOMENTOS DE ANGUSTIA>>, la cual arrancó con un guion que escribieran, Jacques Companeez y André Tabet, para el cual adaptaban -en tres segmentos-, historias escritas por nada menos que S.A. (Stanislas André) Steeman, Peter Cheyney y Georges Simenon, tres de los más grandes representantes de la literatura detectivesca de Europa.

Para nuestro gusto y entender, el resultado fue el siguiente:

1. “L’Alibi de Monsieur Wens” (La Coartada de Monsieur Wens) Una historia muy bien estructurada la que nos ofrece el escritor belga, S.A. Steeman, en la cual tiene como protagonista a su investigador, Wenceslas Vorobeïtchik, nombre que, por comodidad, sus clientes y amigos resumen como Monsieur Wens. Aquí, este simpático personaje -interpretado con mucho carisma por Raymond Rouleau- investiga a un marido -Hubert Elding- cuya mujer teme que, por su dinero, él pueda asesinarla. Lo curioso es lo que sigue después, donde resultarán varios sospechosos y la resolución es inimaginable. Con diálogos refinados y de precisos sarcasmos, los hechos transcurren de tal manera que nos mantienen pendientes de cada nuevo elemento que se añade a la investigación. Georges Tabet (Mr. Elding), René Génin (El conserje) y Arlette Merry (Florence Gari), complementan el excelente reparto.

2. “Je suis un tendre” (Soy un sentimental) es, para mi gusto, el punto más bajo de esta tríada en la que el protagonista es el famoso detective, Lemmy Caution, por primera y única vez interpretado cinematográficamente por un actor distinto a Eddie Constantine. Infortunadamente, el intérprete no da la talla, y tampoco la historia del detective estadounidense que regresa a Europa para seguir en la búsqueda del señalado secuestrador y otras bajezas, Rudy Siguella, consigue atraparnos, pues, tiene elementos difíciles de digerir y el investigador resulta más tontuelo que un serio detective. En la actuación, solo se advierte a, Natalie Nattier (Michèle Leroy)… y eso porque de veras está bien parada.

3. “Le témoignage de l’enfant de choeur” (El testimonio del monaguillo). Gracias a la eficiente y paternal presencia de, Michel Simon, representando al gran Inspector Maigret; y a la presencia del niño, Christian Fourcade, quien, como Justin -el impactado y amenazado testigo de un asesinato-, resulta conmovedor y admirable, éste segmento toma alto vuelo y se sigue con mucho interés la suerte del pequeño. Queda aquí plantada la notable capacidad que, ciertos chiquillos, tienen para mentir… y también queda claro que, vale más maña que fuerza, cuando se trata de convencer a alguien para que pueda confiar en quien lo investiga… ¡aunque a veces alguien puede atravesarse en el camino!

Comenzaba a consolidarse aquí, un director que luego haría historia ¡y qué historia!

Una de las películas más logradas, a nivel visual, que hayamos podido ver en los últimos tiempos, es ésta, <<HAPPY FEET>>, y es también una ejemplar historia llena de dinámica música y personajes encantadores. El protagonista -aunque bien podría ser toda la comunidad de pingüinos que habita en la Antártida- es, en especial, un joven pingüino llamado, Mumble, quien nace distinto, pues, carece del talento musical que su manada tiene en la voz, pero, él lo lleva en sus patas, ávidas de tap (zapateo) desde que nace.

Esto hace que sea discriminado como un judío en tierra de nazis o un palestino en tierra israelí. Pero, Mumble enfrenta su diferencia… y cuando por fin se siente aceptado entre otra especie de pingüinos que valora lo que él hace, se aleja sin reproches de su manada, dispuesto a seguir su propio destino como Juan Gaviota, como el Principito… o como tantos otros seres especiales que, por el simple hecho de ser distintos no caben en los espacios comunes donde, a fin de cuentas, serían uno más. Pero, cuando la naturaleza nos hace distintos, en vez de lamentarse, hay que agradecer éste impulso que nos puede llevar a grandes alturas... ¡si se llega a reconocer los grandes potenciales y la voluntad que nos asiste!

Pese a todo, Mumble ama a sus padres, quiere a Gloria, la calificada cantante, y valora a su manada –sentirse rechazado no significa rechazar y la sabiduría es comprender–. Entonces, en compañía de aquellos pingüinos con quienes logra aceptación, emprenderá un camino que, quizás, lo lleve a servir de manera muy especial y a reencontrarse consigo mismo.

Además de ser una gran fiesta en la que habrá gratas dosis de amistad, solidaridad, talento artístico… y Amor, también habrá espacio para que la obstinación, la intolerancia y el desatino hagan de las suyas… y un gran clamor por el derecho a ser y por el respeto a la diferencia + un atinado alegato en defensa de los ejemplares pingüinos, cuya existencia peligra, ahora, ante la pesca indiscriminada de atunes que las grandes compañías están haciendo sin reparar en el daño que causan a ésta y a otras especies.

Con un guion escrito por él mismo, en colaboración con John Collee y Judy Morris, el director, George Miller, ha logrado una bella y emotiva película, cuyos personajes sin duda permanecerán en la memoria de los espectadores.

Reconocimiento especial para los departamentos de arte, sonido, efectos visuales y efectos especiales; y por supuesto para la banda sonora de John Powell, con todo lo cual se ha conseguido un espectáculo muy colorido, sorprendente y aleccionador.

Recuerda tomar muy en serio su mensaje… y también recuerda que un gato no es tonto por no saber nadar; un elefante no es tonto por no conseguir subirse a un árbol, ni un pingüino es tonto si no sabe cantar. Ciertas capacidades no las tenemos, pero, aquellas que sí tenemos son las que tenemos que utilizar. Por eso, siempre nos necesitaremos los unos a los otros.

El 4 de octubre de 1957, la Unión Soviética lanzó al espacio el primer satélite artificial de la historia, al cual identificó como, Sputnik-1 (Спутник-1). Dicho satélite, hizo parte de una serie de cuatro que hicieron parte del programa Sputnik, lanzados (con excepción del 3°) con marcado éxito. En ruso, Sputnik significa, Compañero de viaje; pero, en la astronáutica lo asumen ya con el significado de satélite.

El Sputnik-1 tenía la capacidad de detectar meteoritos, y por eso, al inicio de <<EL GIGANTE DE HIERRO>>, lo vemos detectando al meteorito que cae a la tierra con el cual llega el gigante que, luego, en compañía de un osado y perspicaz niño demostrará que, en definitiva, “uno es lo que decide ser”, sobre todo respecto a la suerte de moral y de principios que han de regir nuestra vida. Para probar que, lo que queremos ser es totalmente consciente y definido, las tentaciones y los retos se harán presentes en plan de comprobar que podemos superarlos.

Así, al tiempo que, el pequeño Hoggart, supera sus miedos y su inestabilidad, el gigante aprende a conocer la solidaridad, el amor y la ternura, y consigue sensibilizarse con los esmerados cuidados que le brinda el pequeño aventurero… y seguidamente, el joven escultor, Dean McCoppin. Se probará aquí, la primera Ley Existencial: la Ley de Compensación.

Debemos recordar que, entre 1953 y 1962, el mundo padecía la llamada Guerra Fría, un enfrentamiento entre el bloque occidental-capitalista (en cabeza de los Estados Unidos de Norteamérica) y el bloque del este-comunista (liderado por la Unión Soviética). Esta rivalidad involucraba las contradicciones ideológicas, los conceptos de sociedad, los criterios políticos, el armamentismo… y hasta la moral. En especial, la sociedad estadounidense vivió en un terrible pánico existencial, porque siempre les han inculcado -falsamente- que si se posiciona el comunismo perderán todo lo material que puedan tener (y a la mayoría es lo único que les importa).

Por esto, cuando entra en escena el inefable investigador, Ken Mansley, vemos el pánico que siente al pensar que, El Gigante de Hierro, pueda ser un instrumento de los países comunistas para atacar y probablemente destruir a su prepotente imperio… y cuando el gigante demuestre que puede ser lo que lo inciten a ser…

Lo que hace bien valiosa a ésta película con la que debutara el ahora fuerte realizador, Brad Bird, es que puede disfrutarse plenamente viéndola como historia infantil, donde un niño alecciona a un gigante que, como cualquiera de nosotros, tiene su lado noble y su lado agresivo, pues, la historia consigue tocarnos las más variadas fibras con sensibilidad, nobleza, emprendimiento… sin que falten los relajantes toques de humor. Por otra parte, y como ya lo hemos visto, la trama puede enfocarse en su serio planteamiento de los fantasmas que rondan a la sociedad americana (¿y europea?) donde se siguen imponiendo los prejuicios y el egocentrismo, sobre la justicia social y la colaboración.

Aunque se han dado argumentos en torno a un indebido lanzamiento de la película para explicar su falta de éxito en las taquillas, creo que la razón apunta más a un posible bloqueo autoimpuesto por la productora Warner Bros., cuando al fin se captó la segunda lectura que contiene la película, con la cual las instituciones estadounidenses no quedan muy bien paradas.

Por suerte, <<EL GIGANTE DE HIERRO>>, está siendo ahora debidamente reevaluada y tras su lanzamiento en DVD, la acogida crece como se merece. En lo personal, creo que estamos ante una obra maestra.