Una puesta en escena maravillosa. El arte de la moda es tan voluble y tan cambiante que cuesta trabajo imaginar que lo que un día es glamoroso y fascinante al otro día será olvido y obsoleto. Es un poco la analogía creada por PT Anderson con el personaje principal, un famoso y disciplinado diseñador de apellido Woodcock (llevado a la pantalla por el virtuosísimo DD-Lewis) que ha pasado la mayor parte de su vida enfrascado en el mundo de la moda de alto prestigio hasta que se encuentra con la hermosa Alma, realmente un alma jovial y perspicaz, para derrochar drama y amor en este encuentro que llevará a ambos hasta los límites, siguiendo la cita de Nietzsche “siempre hay un poco de locura en el amor; pero siempre hay un poco de razón en la locura”.

La dupla de sinceridad y elegancia de los hermanos Woodcock son aciertos solo logrados con tan sublimes actuaciones. DD-Lewis logra manejar con tal maestría el porte y la distinción, pero también lo feroz y egoísta del personaje (explícitamente en las secuencias en el automóvil) desbordando su magnífica y última actuación. Al final son la falta de diálogos lo que hace que con solo miradas y gestos estas actuaciones sean triunfales. Hay que resaltar de igual manera los perfectos tintes musicales de la banda sonora, solo imaginando a un Jonny Greenwood desarrollando partituras como un genio al ver pasar la bellísima historia.

Han pasado momentos desconcertantes en México en tan solo un par de meses: sufriendo con la seductora, pero risible, selección nacional mientras sufrimos a su vez con la moda de la democracia pasado un mes de la casi desapercibida entrega de los premios de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, momento en el que se alzo con el premio a mejor dirección Amat Escalante (así como en el Festival de Venecia) por la insólita “La Región Salvaje”. No podía emerger en mejor momento.
La historia relata una típica pareja mexicana, con todos sus dimes y diretes (violencia y machismo convertido en un triángulo amoroso por el enredo secreto del hombre con el cuñado), acechada por Verónica (lucida Simone Bucio) quien trata de sumergir a los demás en el éxtasis conducido por las breves, pero concisas, apariciones de un ser alienígena en forma de molusco (con la referencia japonesa de Hokusai – El Universal, 2018-) quien no sabe distinguir entre daño y regocijo. La criatura no invoca al miedo. Lo hacen las personas. Ámbito que llena el largometraje de terror.
Este largometraje me recordó la apabullante Get Out. El tono de ciencia ficción y horror tratando de enmascarar el propio terror del colectivo nacional (ya sea por un tema racional o de género) logra consagrar una majestuosa obra de crítica social, galardonada con el premio Ariel. El trio protagonista, a pesar de su inexplorada carrera, enriquece la esencia del ser en estudio con momentos clave exaltados por la magnífica fotografía.
Finalmente, el placer surge como valor inherente del ser humano que se ve opacado por la ideología mexicana tergiversándolo en tabú. El placer nos aliena, huyendo cual verdad budista de la mano de Schopenhauer que se regocija en la limitación de este para alcanzar la plenitud. Y entre lo mas cínico del placer, es que a veces se pretende hundir al otro en nuestra propia adicción. Placer, adicción, violencia y horror nos parecerían cuatro palabras sin conexión entre sí. Solo La Región Salvaje logra de manera inaudita y perspicaz su conjunción. Ah, y también México lo logra, irónicamente.

A finales del siglo XIX surge un hito en la historia de la medicina: el descubrimiento de la vacuna contra la rabia, con una interesante anécdota del científico francés, Louis Pasteur. Sin duda es una patología que ha acompañado al ser humano desde su conformación, mencionada en algunos pasajes desde las leyes de Eshnunna en Mesopotamia y con la clara referencia griega de Eurípides a la diosa de la ira y de la furia -Lisa-. Es una enfermedad que acecha irrefutablemente al canino domesticado, así como lo es la toxoplasmosis al felino silvestre. A manera de analogía, Wes Anderson toma esto y lo convierte en un largometraje.

Un ficticio clan japonés en el poder cumple de manera demagógica el tan ansiado exilio hacia una isla de basura de todos los perros nipones ante una enfermedad altamente contagiosa y peligrosa para los humanos, de la cual son reservorios. Es así como un joven comienza la odisea en búsqueda de su fiel amigo cuadrúpedo y guardaespaldas, con el trasfondo de un movimiento social que trata de colapsar el sistema regente incitados por el exilio canino.
Una cinta que promete en muchas maneras ser espectacular, desde la integración a manera irónica de lo japonés (con la muy sutil y casi desapercibida referencia al cine oriental) y el whitewashing (con un reparto coral), con el amor por los canes y la animación, con mínimos pero magníficos paisajes y una subversiva y tenue crítica social. A pesar de que posee de manera deliberada el incansable detalle andersoniano no logra al final cumplir con una trama certera que logre complementar el filme en la eterna disparidad entre guion/puesta en escena y que se queda vacía e inexplorada en muchos puntos de la historia. Aunque finalmente, sigue siendo un espectáculo audiovisual.

Una de las películas mas importantes de la década de los 90 y del director Paul Verhoeven se encumbró gracias al alto nivel de erotismo en medio del drama de un crimen contando con Michael Douglas y Sharon Stone. Solo imaginen un guion que recurre al sexo, alcoholismo, tabaquismo, drogadicción, masturbación en múltiples ocasiones hasta llegar a su misma representación gráfica. La reiteración de diversos recursos para mantener al espectador en trance se diluye con la combinación de notas musicales perfectas, como en la escena inicial o mientras Catherine Tramell baila en un club nocturno con la misma mirada y seriedad de Michelle Pfeiffer en ‘Scarface’ (1983).

‘Suicide Mode’Emploi’, ‘De l'inconvénient d'être né’, ‘De profundis’, Osvaldo Lamborghini, ‘Frisson de bonheur’, ‘Base-moi’ de Virginia Despentes, ‘La lucha contra el demonio’ de Stefan Sweig, ‘Historia del ojo’ de Georges Bataille, Fritz Lang, ‘Taxi driver’, ‘Le droit du plus fort’ y ‘Querelle’, ‘La mama et la putain’ de Jean Eustache, ‘Possession’ de 1981, ‘Saló o le 120 giornate di Sodoma’, ‘Un chien andalou’, ‘The inauguration of the pleasure dome’, ‘Harakiri’, ‘Suspiria’, ‘Zombie’, ‘Schizophrenia le tueur de l’ombre’ y ‘Labyrinth’ son algunos de los ejemplares que rodean la pantalla en donde se presentan cada uno de los bailarines que, tras expresar su origen, ímpetu y ambiciones alrededor de la danza, pasaran algunos días aislados en un lugar inhóspito francés durante el invierno de 1996. Tras terminar el último ensayo, se dispondrán a festejar en medio de música, alcohol y una pizca inadvertida de LSD, con la cual sucumbirán ante sus alucinaciones, percepciones e instintos.

El ganador de la quincena de realizadores no busca la introspección de su obra y eso lo podemos notar desde sus evidentes influencias al principio del filme. Su intención se centra en la experiencia audiovisual alucinante que logra atraparnos desde la primera escena dancística al ritmo de ‘Supernature’ (corran a escuchar la edición original para el filme) con el cual nuestro pie comienza a adoptar el ritmo, nuestros ojos se cautivan con la capacidad histriónica y desarticulada de los bailarines en plena libertad y nuestra mente se sumerge en la atmósfera rojiza postrada en la bandera francesa. De ahí en adelante, la música y el baile sigue el nulo hilo narrativo que solo muestra imágenes explícitas sin el afán de profundizar en temas como el aborto, la violencia, el sexo y la sexualidad, la maternidad y la culpa, la raza y el incesto.

El diseño de arte es vasto junto a la fotografía con eternos y sublimes planos. Cada habitación posee un color diferente que muestra relaciones e historias acordes a la percepción de los actores amateurs (que se muestran con tanta naturalidad pero con superficialidad) que contrasta con el inmenso histrionismo artístico de Sofia Boutella. Mientras que el estilo goddardiano de los créditos pretende ser efectivo, es un recurso innecesario.
Disculparan que sea mi primer acercamiento al mundo de Gaspar Noé pero, definitivamente logra conectar con todas las emociones desde los primeros minutos. Obvias y obligadas recomendaciones sabemos que son ‘Enter the Void’, ‘Irreversible’ o, incluso, ‘Love’.

Pd: Obligada su vista en pantalla grande y sobre todo ese primer baile para la posteridad.