Pocos deportes dan tanto juego como el boxeo en cuanto a metáfora de la vida. Los golpes incesantes, el triunfo de la voluntad, la dureza del combate..., se aplican con igual facilidad al deporte de las doce cuerdas y a la aventura de vivir.

"Rocky Balboa" no es una película de boxeo, ni una película de deportes: es una película sobre un hombre, que a la sazón es boxeador. O era, ya que el bueno de Rocky (Sylvester Stallone), retirado hace largo tiempo, ahora ya viejo y solo tras la muerte de su mujer, se ha quedado sin retos, sin desafíos, sin ilusiones. Sus relaciones con su hijo Robert (Milo Ventimiglia) tampoco pasan por buen momento, ya que éste se siente comparado en todo lo que emprende con la larga sombra de su padre. Así, Rocky quiere volver a boxear, y los managers del actual campeón invicto, Mason "Frontera" Dixon (Antonio Tarver) le ofrecen una nueva oportunidad.

Stallone, que lleva años siendo objeto de innumerables burlas por el gran crimen de haberse dedicado a hacer cine de entretenimiento (y no gesticular como Sean Penn, claro), ha sido capaz de crear no uno, sino dos iconos del siglo XX: Rocky y Rambo. Y es imposible no recordar a estos dos mitos sin esbozar una sonrisa. En concreto, el boxeador de Philadelphia es un ser más entrañable que el mismísimo Papá Noel: siempre con una palabra amable, siempre echando una mano al prójimo, siempre atendiendo a sus infinitos fans con una sonrisa. El mismo Rocky resume su filosofía en una frase certera, que viene a decir algo como "¿por qué tienes que deberle algo a una persona para hacer algo por ella?".

El "cachas" neoyorquino, que se encarga de guión y dirección, trata a sus personajes con mimo exquisito, tanto, que ni siquiera hay "malo" como tal, sino que es un simple boxeador rival. Para reforzar la idea de que no es la pelea lo importante, el combate ocupa los últimos diez minutos, quince si contamos el entrenamiento con el "Gonna Fly Now" inmortal de Bill Conti sonando de fondo, y poniendo de nuevo el vello como escarpias al respetable.

De ahí la ovación final de la sala de proyección, porque hay pocos personajes que hayan calado tan hondo en el imaginario colectivo como el hombre con un corazón más grande que sus puños, tan rebosante de humanidad que entristece que sólo exista en una pantalla, y que es capaz de inspirar en aquellos que lo ven una inmediata complicidad y una sonrisa de ternura. Un digno fin a una saga épica. Larga vida a Sly. Larga vida a Rocky Balboa.

Salvo los supervivientes de "Perdidos", debe haber poca gente en el mundo que no se haya enterado de las agrias (y a decir verdad, estériles) polémicas que desató la publicación en el 2003 de una novela de ficción titulada "El Código Da Vinci", escrita por un tal Dan Brown al que nadie por aquel entonces conocía. La novela vendió más de 60 millones de ejemplares, y Hollywood, "sobrado" de buenos guiones, no tardó en echarle el guante.

Tom Hanks da vida a Robert Langdon, profesor de Iconografía Religiosa de Harvard, que se ve envuelto como sospechoso en el asesinato del conservador del Museo del Louvre, cuya nieta, Sophie Neveu (Audrey Tautou), le ayudará en su intento de descifrar los enigmas que encierra esta muerte. Para ello, tendrán que escapar del capitán de la dirección central de la policía judicial francesa, Bezu Fache (Jean Reno), aunque contarán con la ayuda de Sir Leigh Teabing (Ian McKellen), experto en el Santo Grial, que es el motor auténtico de la trama.

A pesar de la enorme cantidad de datos y personajes que desfilan por la novela, el guión de Akiva Goldsman se las apaña para exponer las cosas de una manera clara. La mezcolanza de hechos, suposiciones, manipulaciones y conclusiones forzadas a las que se llega es consecuencia directa de la novela, y no se le puede achacar culpa al guionista en este aspecto. Además, Ron Howard, siempre profesional y eficaz, es capaz de solventar las largas secuencias de diálogos o incluso monólogos sin que al espectador le apetezca dedicarse a hacerse la manicura. Para ilustrar el proceso de resolución de enigmas o mostrar acontecimientos históricos, Howard no duda en tirar de flashbacks e infografía con resultados realmente buenos.

La única pega es que el tono de la peli es quizás demasiado trascendente y oscuro para lo que la novela expone, y todo es excesivamente plano, sin llegar a un clímax real, con la posible excepción de la secuencia final, enmarcada por una bella música del gran Hans Zimmer. Las actuaciones tampoco desmerecen, aunque Hanks está un poco soso, y la química con Audrey Tautou es inexistente. Aún así, es un entretenimiento digno y bien hecho, que es lo que se espera de una producción de estas características. Un acierto de Ron Howard.

Tengo que reconocerlo: no poseo la capacidad de abstracción suficiente para entender del todo las cintas orientales, en particular las de terror. Si encima las incógnitas se multiplican por tres, pues apañados vamos.

En "Three... Extremes" se dan cita tres directores correspondientes a tres nacionalidades: el japonés Takashi Miike dirige "Box", una historia sobre el sentimiento de culpa de Kyoko (Kyoko Hasegawa) por la muerte de su hermana gemela; el coreano Chan-wook Park narra en "Cut" el secuestro de un famoso director de cine (Byung-hun Lee) por parte de un extra (Won-hie Lim) que le pide que mate a un niño a cambio de detener las torturas sobre la mujer del director (Hye-jeong Kang); y el chino Fruit Chan se encarga del segmento "Dumplings", en el que una antigua estrella de televisión, la sra. Lee (Miriam Yeung) recurre a Mei (Bai Ling) para que le revierta los estragos de la edad a través de unas empanadillas con una misteriosa receta.

No cabe duda de que "Dumplings" y "Cut" pueden entenderse a varios niveles de significación: la crítica hacia la sociedad, el monstruo que todos llevamos dentro, etc. En este sentido el segmento de Miike, "Box", es el más tradicional en cuanto a cine de terror, con aparición fantasmal incluída, aunque se busque el impacto con el plano final, al igual que en los otros dos cortos.

Las interpretaciones no son brillantes, pero cumplen con su cometido. El doblaje, por el contrario, sí que me ha parecido alarmantemente flojo, si bien es verdad que resulta difícil adaptar al gusto occidental la forma oriental de hablar y actuar.

De todas formas, a pesar de lo heterogéneo de la propuesta, merece la pena echarle un vistazo a estos "tres extremos", aunque sólo sea para comprobar lo alejadas que siguen estando las producciones occidentales de este tipo de terror, tan diferente y tan inquietante.

El mundo de los videojuegos vuelve a temblar ante una adaptación al cine. Esta vez, el damnificado es el famoso "Dead Or Alive" que tan popular se hiciera en la XBox por las llamativas protagonistas femeninas. Con estos antecedentes, no es extraño que la cosa haya salido como ha salido.

"DOA: Dead Or Alive" es un torneo de lucha al cual son invitados los mejores combatientes en sus respectivos campos, aunque algunos van con un objetivo distinto: Kasumi (Devon Aoki) y Hayabusa (Kane Kosugi) van en busca del hermano de la primera, presuntamente muerto en el torneo; Tina (Jamie Pressly) ve la oportunidad de que la tomen en serio como luchadora; Christie (Holly Valance) y Max (Matthew Marsden) buscan los cien millones de dolares de la caja fuerte de Donovan (Eric Roberts), organizador del torneo...

En realidad, más que haber guión, lo que hay es pretexto: pretexto para enseñar el máximo de carne turgente posible sin que la MPAA le ponga el temido NC-17. Así asistimos a la sucesión de cuerpos Danone, que de vez en cuando se ve interrumpida con algún mínimo avance en la trama, pero que no distrae del propósito fundamental de apreciar lo bien que les queda el bikini a las chicas.

Huelga decir que el reparto está escogido con esmero, atendiendo a las virtudes físicas que requiere cada personaje. Así, las chicas protagonistas cumplen en su papel de lucir cuerpo, y Eric Roberts cumple en dar un pasito más hacia el total hundimiento de su carrera, aunque lo cierto es que para caer más bajo necesitaría una pala. Sorprende la capacidad interpretativa de Devon Aoki, cuya cara tiene menos expresividad que una inyección de botox.

Corey Yuen intenta hacer algo con las escenas de lucha, pero en general, las coreografías son tan malas y bizarras que no provocan mucho interés. Ni mucho ni poco, vaya. Por lo menos, la cosa no llega a la hora y media, y nadie intentará suicidarse mientras tanto. Sí que se agradece la humildad de que no se hayan tomado la peli en serio, porque de lo contrario, habría montones de bajas civiles.

Así que, salvo adolescentes hiperhormonados, o estudiantes de anatomía, poca gente más encontrará de interés esta película. Si acaso, como motivación para ir al gimnasio.

Híbrido raro el que trae Kevin Smith con "Clerks II": de la impresión de que ha querido rodar una comedia romántica, pero usando sus personajes clásicos. Al menos queda el consuelo de que esta vez no ha metido por el medio a Jennifer Lopez, así que resta alguna esperanza.

A pesar del salto temporal (doce años desde el estreno de "Clerks"), el planteamiento de esta segunda parte permanece en el mismo sitio que entonces: Dante Hicks (Brian O'Halloran) y Randal Graves (Jeff Anderson), tras el incendio de la tienda en la que parecían condenados a vivir eternamente, han de buscarse un nuevo trabajo. Encuentra éste en la hamburguesería Mooby's, donde tienen por jefa a Becky (Rosario Dawson) y como compañero al peculiar Elias (Trevor Fehrman). Además, Dante se ha echado novia, Emma (Jennifer Schwalbach Smith, esposa de Kevon Smith), y planea casarse con ella e irse a Florida a empezar una nueva vida.

Por tanto, la película parece orbitar en torno al paso a la madurez de Dante, y las repercusiones que tiene esto sobre su propia vida, y la de sus amigos. Por el medio también hay una historia de amor, mezclada con los típicos diálogos "made in Smith" sobre frikadas varias (cómo no, con Star Wars, El Señor de los Anillos y los Transformers de por medio), y sobre sexo (con atención especial al bestialismo). El problema es que el "frikismo" está tan instaurado en nuestra sociedad actual que a nadie le sorprende ya una conversación sobre Frodo y sus amigos, o sobre si la princesa Leia llevaba demasiada laca.

Todo está bastante embarullado, y a secuencias divertidas, la siguen secuencias de pretendida profundidad que vuelven a ser interrumpidas por nuevos diálogos groseros, o por apariciones de Jay (Jason Mewes) y Bob el Silencioso (Kevin Smith), que culminan en otras situaciones dramáticas, y así va pasando toda la película. También hay cameos de otros habituales: Ben Affleck, Jason Lee..., que sólo aparecen para el chiste de turno.

Otro problema grave es lo poco que piensa Kevin Smith en el espectador novel en su cine, que se puede encontrar perdido al no encontrar ninguna presentación de personajes. Aunque es cierto que los nuevos tampoco la tienen. Como director, Smith no es especialmente hábil, así que se limita a enfocar al que habla, y poco más.

Aún así, hay escenas muy graciosas, como la de la coreografía "improvisada", por ejemplo, y los diálogos que escribe Smith siguen conservando algo de su fuerza, cosa que brilla por su ausencia el en cine actual. En consecuencia, es una peli que gustará a los seguidores del de New Jersey, y que enfadará a sus detractores. Veremos si Kevin Smith en sus próximos trabajos sigue el mismo camino que sus personajes: en busca de la madurez.